CRITIQUE : Torch Song, Turbine Theatre Battersea ✭✭✭

Julian Eaves examine Torch Song, une pièce de Harvey Fierstein actuellement jouée au tout nouveau Turbine Theatre à Battersea.

Matthew Needham (Arnold) dans Torch Song. Photo: Mark Senior Torch Song

Turbine Theatre, Battersea

6 septembre 2019

3 Étoiles

Réserver des billets

Le directeur Drew McOnie était visiblement absent lors de la soirée de presse pour l'ouverture de cette grande pièce par Harvey Fierstein dans un nouveau théâtre londonien.  C'est un homme très occupé et je suis sûr qu'il avait une bonne raison pour son absence.  Cependant, d'une certaine manière, cela symbolisait le manque d'impact qu'il a eu sur cette production, qui au lieu de se saisir de l'excellent matériel fourni par l'auteur préfère glisser à la surface, livrant amusement et un peu de pathos doux mais manquant surtout de profondeur, de drame et - surtout - de l'humour 'vertigineux' que le programme promet au public.

Matthew Needham (Arnold), Rish Shah (Alan). Photo: Mark Senior

Les personnes qui se distinguent le plus sont le casting de soutien.  Dino Fetscher en tant que Ed bisexuel est la personnalité la plus forte sur scène : sa beauté remarquable en tant que 'clone' des années 70 parfaitement sculpté, jouant avec les garçons dans les bars de New York avec son intérêt pour les filles, ajoutée à la puissance athlétique qu'il confère à chaque mouvement ou geste - même en restant immobile - le rendent magnétique et fascinant à regarder ; il insère beaucoup de détails dans son voyage émotionnel, qu'il rend plausible et mémorable.

Daisy Boulton en tant qu'amour féminin, Laurel, fait beaucoup avec son rôle, avec une performance généreuse, impliquée et passionnée qui la rend complètement logique comme partenaire pour Ed.  Après l'entracte, Bernice Stegers offre une interprétation audacieuse et rapide de la mère du personnage principal : une matriarche juive autoritaire et tyrannique qui ne parvient pas vraiment à accepter son fils mais qui ne peut pas le laisser partir : beaucoup dépend de son rôle, ce qui mène au climax de la pièce, mais plus elle est présente, plus nous devenons conscients du manque généralisé de rythme et de timing dans le spectacle, ce qui nuit à la capacité des acteurs à 'placer' l'humour, et la tristesse.  Et cela, réellement, est quelque chose pour lequel le metteur en scène doit répondre.  Davantage de notes doivent être données ici, plus de soin doit être apporté à la création méticuleuse de la comédie, sinon les blagues échouent simplement et nous ne nous soucions pas autant que nous le devrions.

Bernice Stegers en tant que Ma. Photo: Mark Senior

Sans la brillance légère de la gaieté du spectacle et de la joie de vivre, nous ne ressentons pas autant la douleur et la souffrance qui se cachent en son cœur.  Et c'est bien dommage.  Ce casting mérite une meilleure préparation avant de les mettre devant un public : ils ne peuvent pas simplement régler cela par eux-mêmes.  Ce n'est pas un drame simple : tous les personnages sont complexes et un peu confus par le monde dans lequel ils vivent.  Des décisions plus claires doivent être prises pour permettre l'ascension et la chute de leurs monologues, conversations et disputes verbalement denses d'avoir toute leur force et leur effet.

Dino Fetscher (Ed), Rish Shah (Alan). Photo: Mark Senior

Il y a aussi de nouveaux venus qui font leurs débuts sur scène : Jay Lycurgo est joyeux et énergique en tant que David, jeune homme de 15 ans adoptif, et Rish Shah fait un travail correct pour établir le tragique Alan, l'amour perdu du personnage principal.  Mais notre attention se concentre toujours sur Matthew Needham dans le rôle de substitut de l'auteur, Arnold.  Il offre une performance d'intériorité laconique étudiée qui est à l'opposé de ce que le script lui offre.  Son masque boudeur, souvent immobile, de visage détruit blague après blague après blague : certes, il y a quelques survivants, mais il y a aussi beaucoup de pertes.  Eh bien, c'est une façon de interpréter le rôle.  Je ne pense pas que cela fonctionne.  C'est en fait une grande comédie.  C'est un type de drame qui fonctionne mieux si les acteurs peuvent démontrer un engagement émotionnel profond et passer d'une extrême à l'autre de l'expérience humaine en un instant : une seconde, ils devraient nous secouer avec le rire 'vertigineux' annoncé par le programme, et l'instant d'après ils devraient être capables de nous retenir brusquement dans une immobilité choquée et une tristesse.  C'est ici le script.  Faire semblant du contraire, c'est manquer son caractère essentiel.

Matthew Needham (Arnold), Dino Fetscher (Ed). Photo: Mark Senior

Et il y a beaucoup plus à cela.  C'est aussi une pièce qui parle de théâtre lui-même : commençant par le 'drame' de mettre du mascara et de se travestir ; offrant des monologues et des récitations de divers types, y compris les écouter dans l'obscurité totale (éclairage par James Whiteside) ; nous emmenant à travers un 'quatuor' ingénieux de voix dans un lit partagé ; utilisant le théâtre physique pour caricaturer et gestualiser l'histoire ; et culminant en une comédie de situation apparemment traditionnelle (scénographie par Ryan Dawson Laight, qui réussit parfaitement les costumes), comme Neil Simon aurait pu écrire.  Dans tout cela, il y a aussi le mélange sonore éclectique de Sebastian Frost, pas toujours très sûr.  Mais, toujours, courant à travers ces styles, il y a la voix d'autorité constante - Arnold - explorant sa thèse sur l'amour, la perte et l'identité.  Ce sont désormais tous des aspects du théâtre dont McOnie pourrait être le maître ; s'il ne s'est pas montré tel en cette occasion, alors il doit y avoir des raisons.  Peut-être que le producteur et directeur artistique du théâtre, Paul Taylor-Mills, pourra nous éclairer à ce sujet.

Matthew Needham (Arnold) et Daisy Boulton (Laurel). Photo: Mark Senior

Quoi qu'il en soit, ce que nous obtenons ici est une interprétation moyenne d'un script vraiment, vraiment bon.  Écoutez ce que disent les acteurs, y compris Needham, et indépendamment de la façon dont cela tombe à vos oreilles, sa magie opérera : cela vous fera réfléchir intérieurement et vous poser des questions importantes sur qui et ce que vous aimez, où et comment vous avez ressenti la perte dans la vie, et - surtout - qui exactement vous sentez et pensez être.  Mais soyez préparés à manquer les véritables hauts et bas de la pièce.  Et cela, espérons-le, justifiera d'avoir maîtrisé l'art de trouver votre chemin vers ce lieu : j'ai attrapé le train de Victoria à Battersea Park puis j'ai marché autour du coin de là pour prendre deux arrêts en bus jusqu'à la rive sud de Chelsea Bridge, puis j'ai marché le reste.  C'était relativement facile.  D'autres routes peuvent être moins confortables.  Quitter le lieu après le spectacle pour Waterloo était beaucoup plus compliqué et chronophage.  J'espère que le site web du théâtre offrira bientôt des instructions de transit plus claires et complètes.

Lisez d'autres critiques