CRITIQUE : Ce Soir à 8h30, Théâtre de Jermyn Street ✭✭✭✭✭

Julian Eaves critique Tonight at 8.30 de Noel Coward, actuellement joué au Jermyn Street Theatre de Londres.

Le ensemble du Star Chamber. Photo: Robert Workman Ce soir à 8h30

Théâtre Jermyn Street,

22 avril 2018

5 Étoiles

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Comme nous sommes chanceux de bénéficier de cette série de neuf pièces en un acte de Noel Coward (il en a écrit une dixième, mais elle n'est pas incluse ici) présentée par ce lieu emblématique du théâtre indépendant, niché au cœur du West End, juste à côté de Piccadilly. Ce recueil de regards sur les années 1930 est l'une des œuvres les plus rarement jouées de Maître Coward, mais la rareté de ses apparitions ne reflète en rien la qualité de l'œuvre. Le directeur artistique, Tom Littler, jeune et exceptionnellement talentueux, en tire beaucoup de magie avec une distribution superbe et une production splendide, le tout à un prix abordable. C'est tout un voyage: d'abord un démarrage un peu lent, mais une fois lancé, il est imparable et enchaîne succès après succès. Il serait insensé de le manquer. Et certains jours, vous pouvez voir toutes les pièces d'un coup, ce qui est un vrai délice.

Il y a trois groupes de trois pièces. Les choses commencent par ce que les producteurs appellent ici 'Secret Hearts', et cela mène à 'Star Chamber' - la seule pièce qui est généralement abandonnée lors des productions (à sa place, nous avons 'Fumed Oak'). C'est un lever de rideau quelque peu amusant, si vous appréciez les exercices de méchanceté théâtrale, mais elle est rendue un peu plus intéressante par l'interpolation d'épisodes écrits de manière ingénieuse de dialogues qui se chevauchent. Si c'est plus que cela, alors toute substance supplémentaire m'a échappé. Nous avons ici une distribution solide, mais cette pièce n'est guère plus qu'un agréable échauffement pour eux. Curieusement, c'est la seule pièce où Boadicea Ricketts a vraiment assez à faire : elle est une nouvelle talentueuse brillante au début de sa carrière et une découverte formidable en tant que diva vaine et égocentrique, maîtresse du non-sequitur dévastateur. Je suis sûr que nous la verrons davantage à l'avenir.

Jeremy Rose et Rosemary Ashe dans Red Peppers. Photo: Robert Workman

Ensuite, 'Red Peppers' est une représentation datée et grinçante d'artistes de variété douteux et de dixième ordre. Même Rosemary Ashe et Jeremy Rose (comme Lily et George Pepper) ne parviennent pas tout à fait à trouver le bon ton dans les numéros de music-hall pastiche et les querelles en coulisses. Coward a écrit ce matériel comme un véhicule pour des stars comme lui-même et Gertrude Lawrence, quand ils avaient à peu près le même âge que le siècle lui-même; entre les mains de performeurs bien plus âgés, il gagne en profondeur, devenant un portrait de la déception et des vies gâchées, mais les chansons sont pleines d'esprit et de gaieté et s'adaptent curieusement à un milieu plus âgé.

Nick Waring et Miranda Foster dans Still Life. Photo: Robert Workman

Le premier 'trilogie' se termine avec peut-être l'histoire la plus connue du groupe: 'Still Life' est l'histoire courte dramatique qui est devenue 'Brief Encounter' de David Lean, actuellement également sur scène à quelques pas d'ici au Empire Cinema d'Haymarket, dans la réinterprétation radicale de l'histoire par Emma Rice avec Kneehigh. La comparaison est intéressante. Contrairement ici, Rice ne livre pas du tout l'œuvre de manière 'franche', et l'effet est immédiatement galvanisant. En revanche, Miranda Foster et Nick Waring jouent Laura et Alec quasiment comme le texte le dit, et nous semblons survoler la surface du monde de Coward, sans jamais vraiment entrer en contact avec lui.

Et puis quelque chose de remarquable se passe. Soudain, au milieu d'une conversation autour de leurs tasses de thé à une table dans le café de la gare, nous plongeons au cœur de leurs vies. Comment cela se passe exactement est difficile à dire, mais tout à coup chaque mot est illuminé de l'intérieur et tout ce qu'ils disent compte incroyablement beaucoup. Les acteurs ont clairement travaillé très soigneusement pour atteindre ce point, mais à partir de maintenant ce n'est pas seulement cette pièce mais tout l'événement qui change de direction et de humeur. Tout commence à se mettre en place. La magie de tous les éléments qui travaillent ensemble commence à opérer. Et cela continue à arriver, tout au long des pièces restantes.

Ian Hallard et Sara Crowe dans We Were Dancing. Photo: Robert Workman

Après le premier long intervalle (il n'y a que 15 minutes de pause entre la deuxième et la troisième pièce de chaque groupe, et des intermèdes musicaux astucieux entre la première et la deuxième - l'esprit brillant de Stefan Bednarczyk est un délice ici), la production ne semble jamais faire un faux pas. Le deuxième groupe de pièces (appelé ici 'Bedroom Farces') commence par une interprétation presque surréaliste de la comédie légère, 'We Were Dancing'. Sara Crowe gère les rebondissements et les virages du rôle de Louise avec autant de brio et de vivacité que nous l'attendons avec Amanda et toutes les meilleures rôles féminins de Coward; Ian Hallard est un contrepoids super lunaire à elle, dans le rôle du parvenu Karl, tandis que Waring est réinventé ici en époux outré, Hubert, avec un défaut d'élocution à la George VI, et Rosemary Ashe saisit parfaitement la note juste en tant que sa sœur harpie, Clara. Les scènes de ce quatuor, batailles acharnées d'intellect et de passion, sont exécutées avec un contrôle shavien et une énergie, offrant une beauté formelle stupéfiante au contenu délirant.

Non moins important pour renforcer l'effet de tout cela sont : les délicieuses créations de Louie Whitemore (qui remplit la scène maintes fois avec des tableaux magnifiques de la période - et dans ce minuscule espace souterrain, on ne peut que se demander où ils parviennent à stocker tous les décors); le somptueux éventail de costumes (des dizaines et des dizaines!) par l'incroyablement douée Emily Stuart; et, l'éclairage parfait par Tim Mascall. De plus, Tom Attwood maîtrise le paysage sonore, nous glissant dans et hors des émissions radio, des récitals classiques et des bruits ambiants, augmentant l'envergure épique du cycle.

Miranda Foster, Nick Waring et Ian Hallard dans Ways and Means. Photo: Robert Workman

Si 'We Were Dancing' vous laisse penser qu'elle seule vaut le prix du billet - et c'est le cas - alors des gloires encore plus grandes suivent. 'Ways and Means' est un autre arabesque extraordinairement conçu et réalisé à partir d'une imagination divinement espiègle; Foster et Waring jouent un couple d'un tout autre genre ici, financièrement à bout et poussés au crime de la manière la plus mélodramatiquement coïncidente, avec un autre nouveau venu, Ben Waring, brillant brièvement dans le rôle de Stevens, l'ancien chauffeur. Dans ces pièces, comme ailleurs, Coward se permet de considérer l'argent comme un ennemi externe de la paix humaine : cependant, le contexte historique plus large n'est guère pris en compte : il y a quelques plaisanteries évoquant Mussolini ou Hitler, mais elles disparaissent aussi vite qu'elles sont arrivées. Dans des pièces si fermement ancrées dans la 'réalité' de la vie des gens, il est difficile de savoir quoi en penser. Avec 'les années 30' vues sous tant d'angles différents ici, il est étrange de ne pas ressentir plus fortement la société au-delà des portes du salon.

Nick Waring, Sara Crowe, Ian Hallard, Miranda Foster dans Shadow Play. Photo: Robert Workman

Peu importe. Ensuite, dans l'incroyable 'Shadow Play', nous recevons un autre coup direct: semblable à l'opéra, Coward fusionne dialogue et action d'une manière qui, selon la sagesse conventionnelle, n'a pas eu lieu avant Rodgers et Hammerstein en 1943. Mais la dramaturgie du théâtre musical de Coward est impeccable. En nous poussant hors du monde 'réel' et en nous emmenant dans un épisode fantastique des décennies avant les 'ballets de rêve' des années 40 et 50, nous anticipons 'Lady in the Dark' et même 'Follies' d'une manière qui est simplement éblouissante et palpitante. (Au moins un créateur contemporain de comédies musicales parle peu des réalisations de Coward, mais je me demande s'il n'a pas trouvé plus à aimer, et peut-être à apprendre de ses œuvres qu'il ne veut bien l'admettre?)

Jeremy Rose, Rosemary Ashe dans Family Album. Photo: David Monteith-Hodge

Pour le début du dernier groupe de pièces (appelé ici, 'Nuclear Families') nous avons la bizarrerie : 'Family Album' - un aperçu des temps passés des années 1860. Cela commence par un autre coup de théâtre : un tableau ravissant d'une scène funéraire familiale mi-victorienne, paré du plus splendide, du plus opulent régalia de deuil. Le dialogue est merveilleusement guindé, et Coward le surpasse en l'inclinant vers quelques fins numéros pastiches de Gilbert & Sullivan. Envoûtant. L'« intention » de la pièce est toujours très cohérente avec le reste du spectacle, et c'est bien de voir Wiggins, en tant qu'outsider marié dans le foyer, avoir plus à faire ici.

Miranda Foster et Sara Crowe dans Hands Across The Sea. Photo: David Monteith Hodge

L'avant-dernière pièce, 'Hands Across The Sea', n'est pas tant un coup adressé aux classes supérieures qu'un mauling soutenu. Il ne retient pas ses coups. Ashe en particulier réussit parfaitement son rôle de la hache de guerre de Belgravia, l'Hon. Clare Wedderburn, avec la superbe collaboration de Foster comme l'emblématique et merveilleusement horrible Lady Maureen Gilpin ('Piggie' pour ses amis), Bednarczyk est au sommet de sa forme en tant que Commandant Peter Gilpin, RN, et Rose comme son tout aussi terrible partenaire, Lieutenant Commandant Alastair Corbett, RN, avec Waring faisant de même pour le Major Gosling. Quel groupe. Dans leur établissement fou, erre le couple moyen classe moyenne Mr et Mrs Wadhurst de Malaisie (Hallard et Crowe), s'entremêlant littéralement avec le monde de l'élite.

Mais le travail de clôture est peut-être le plus étrange. Comme une histoire de Somerset Maugham en sourdine, c'est un examen très sobre et lucide de choses allant mal. Puis de s'aggraver. Il y a peu de rires. L'air semble s'éclaircir et nous nous retrouvons à nous regarder très attentivement. Pour tout le rire, il y a peu de choses amusantes à propos de la vie qui déraille, de ne pas obtenir ce que vous croyez vouloir plus profondément que toute autre chose. C'est froid, détaché, dépouillé, et impitoyable, et ça frappe fort pour nous amener à la maison avec plus de pensées en tête que de blagues mémorables. Est-ce que c'est cela que la vie est censée être? Coward ne s'attarde pas un moment de plus que nécessaire pour faire atterrir cette pensée dans nos esprits. Et pour le reste, il semble sous-entendre, cela dépend de nous, de partir pour le régler nous-mêmes.

Un ensemble remarquable, qui sera l'envie de nombreuses autres théâtres autour de la ville et du pays. Génie.

Joué au Théâtre Jermyn Street jusqu'au 20 mai 2018

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