CRITIQUE : Tommy, Greenwich Theatre ✭✭✭✭✭

Tommy

Greenwich Theatre

8 août 2015

5 étoiles

Il est habillé tout en blanc. La personnification de l'innocence et de la beauté. Il ne peut ni voir, ni entendre, ni parler. Il est très jeune. Traumatisé. Bien qu'il vive avec sa mère et son père, il est seul dans un monde sombre, silencieux et incertain. Son oncle s'occupe de lui ce soir, car ses parents, sa mère à contrecœur, sont sortis. L'oncle Ernie apporte des bonbons durs, un sucre d'orge rose rayé. L'oncle Ernie le touche. Le tripote. L'interfère. Détruit une partie de son innocence.

Après.

Le garçon pleure, profondément, silencieusement. Il ne sait pas vraiment ce qui s'est passé, mais ce n'était pas bon. La honte et la culpabilité rayonnent de lui, le brisant comme si quelqu'un avait arraché son âme et l'avait trempée dans du goudron. Il se balance et tremble, une oasis d'incompréhension et de douleur. Il doit trouver un moyen de s'échapper.

Flippers.

Sa mère essaie de le guérir. Les médecins ne peuvent pas aider. Le problème, disent-ils, est en lui. La mère est dévastée. Son fils aveugle, sourd et muet joue très bien au flipper, mais il ne peut pas avoir une vie normale. Il se contente de regarder dans le miroir qui l'ensorcelle depuis cette nuit-là... cette nuit où son père a tué quelqu'un. Il est obsédé par le miroir. Elle est jalouse de l'attention qu'il lui porte, en colère qu'il ne la regarde pas comme il regarde le miroir. Soudain, elle le brise.

Un temps. Silence.

Puis, il réalise qu'il peut entendre ses gémissements, voir ses traits ravagés, la toucher. Il est libéré de sa prison silencieuse. Enfin, il peut voir le monde, entendre ses sons, toucher ses nombreuses merveilles. Il est submergé par le panorama kaléidoscopique, les possibilités infinies. Il lèche son bras, se goûte lui-même. Il est libre, vivant, plein du plaisir extatique de l'innocent sur le point d'explorer le monde.

C'est un moment d'une beauté à couper le souffle de génie théâtral tel qu'on peut l'imaginer.

C'est Tommy, une œuvre qui a pris vie sous forme d'album conceptuel pour The Who en 1969, puis s'est transformée en film en 1975 et, enfin, est devenue une comédie musicale en 1992. Maintenant ressuscitée par Michael Strassen, avec la direction musicale de Kevin Oliver-Jones et la chorégraphie inspirée de Mark Smith, Tommy se joue maintenant au Greenwich Theatre. Ressuscitée n'est pas vraiment le mot correct : c'est une réimagination intense, révélatrice et splendide d'une tranche de l'histoire musicale.

L'album conceptuel a été initialement annoncé comme un « opéra rock », le tout premier à prétendre cela, mais la production actuelle semble bien plus que cela. La remarquable chorégraphie de Smith, la manière complexe dont le mouvement fluide est crucial pour la narration, et l'approche multi-perspectives simultanées de l'aspect visuel du récit - ces éléments font de ceci un régal théâtral envoûtant.

C'est plus du ballet que de l'opéra, vraiment, car il y a tant de communication à travers le mouvement, le toucher et la danse. C'est brûlant d'intimité pour la plupart, bien que les thèmes de trahison, complicité et pardon soient universels et qu'il y ait une grandeur dans une partie de la vie de Tommy. Peut-être que le terme Rock Bopera serait plus approprié - quelque chose qui est une fusion de certains aspects de l'opéra et du ballet, mais avec une sensibilité rock qui est profonde.

Peu importe comment elle est caractérisée, la production de Tommy par Strassen est un véritable triomphe, pratiquement parfaite en tous points. Dès la première note, elle vous attrape à la gorge, exige que l'attention soit prêtée et ne relâche pas cela jusqu'à ce que Tommy fasse tourner l'énorme flipper dans ses mains et qu'une extinction des feux signale la fin du spectacle. Les entractes sont rarement ressentis ces jours-ci, mais je dois admettre avoir ressenti l'entracte ici.

Alors que l'ouverture est jouée, Smith engage le casting dans un récit astucieux de l'histoire en arrière-plan. Il n'y a pas de mots, mais la dynamique musculaire et chargée de sexualité, qui sera le langage physique de la performance, prépare la scène et acclimate le public à ce qui va suivre. Smith's movement and dance are so completely absorbing that, when it comes, the first sung word is something of a shock.

Dans le programme, Strassen dit :

« Je voulais mettre en scène un monde où nous voyons le fonctionnement interne de Tommy et pas seulement un regard harassé. Le chorégraphe Mark Smith a été un choix essentiel dans ma vision. »

Smith atteint l'objectif de Strassen - viscéralement, intuitivement et gracieusement. Vous ne le réalisez pas au début, mais finalement le déclic se fait. Vous regardez la version des événements de Tommy, de son point de vue, brut, sans filtre, sombre et intransigeant. Comme moyen de canaliser le potentiel de ce matériau, il est difficile d'imaginer une approche plus efficace et triomphante.

Le design de Nick Corrall s'intègre également à cela. La couleur de base pour chacun est blanche. Des éclats de couleurs plus sombres, des pièces ou des parties de vêtements

sont ajoutés ou superposés pour créer des personnages spécifiques. La collision des couleurs semble être une intrusion dans le monde pacifique autrement blanc. Tommy est aveugle - mais cela ne signifie pas qu'il voit les ténèbres, un vide noir. Il pourrait, tout aussi facilement, voir la lumière blanche, des ombres se déplaçant parmi l'éblouissement.

La scène présente une évocation abstraite des objets clés ou des événements de la vie de Tommy; le miroir apparaît sous plusieurs formes, tout comme les flippers des machines qu'il en vient à dominer. Des chaises et autres débris encombrent l'espace ou sont déplacés au besoin. Les portes peuvent être faites de corde; des objets reconnaissables sont utilisés pour évoquer quelque chose, une image, un concept : les câbles de microphone sont utilisés comme contraintes à un point clé, symbolisant à la fois les hauts et les bas de la célébrité.

Bien sûr, l'intelligence du concept et de l'exécution ici ne servirait à rien si le casting était défaillant. Heureusement, il est impeccable à tous égards. Ashley Birchall est un choix inspiré pour Tommy. La majorité du spectacle repose sur ses épaules, et repose facilement.

La partition est incroyablement exigeante, écrite comme elle l'était, pour l'instrument unique et étonnant dont Roger Daltry était doté. Birchall n'a peut-être pas les bords rugueux et meurtris de la voix de Daltry, mais il a une voix brûlante qui est enthousiasmante et ample en haut, énergisée et soutenue tout au long, capable d'exprimer une émotion intensément ressentie tout en hurlant des notes pures et retentissantes qui connectent et éblouissent.

C'est aussi un acteur superbe, constamment dans le moment et travaillant - il n'a pas peur de prendre le temps, de chanter doucement, de sous-jouer. Il utilise ses compétences considérables pour nous montrer le monde de Tommy, sa vie, ses limites. Il spécifie brillamment la relation que Tommy a avec tous ceux qui lui sont proches : mère, père, Oncle, Cousine, Reine de l'Acide. Bien que ses yeux puissent être vides, ou cachés derrière des lunettes de soleil, il exprime habilement ses émotions et pensées d'autres manières. Il est, franchement, étonnant.

John Barr donne à Birchall une concurrence acharnée. Dans une prestation tour-de-force malveillante, Barr extrait l'essence de l'oncle pédophile de Tommy, Ernie, et le met en vie de manière vive et désespérée. Comme un mélange horrifique de Fagin, Jimmy Savile et de Viv d'Adrian Edmondson (The Young Ones), Barr, de manière surprenante, fait la même chose qu'Ernie ferait - vous charme malgré son comportement répugnant.

Il n'y a pas de couverture ici : la prestation de Barr dans « Fiddle About » est horrible compte tenu du désir affiché, mais quelque chose dans sa livraison précise, parfaitement jugée, fait mouche. Il vous montre comment Jimmy Savile s'en est sorti. Sa routine de danse en chapeau vert avec le cousin de Tommy donne la chair de poule et c'est grâce au talent de Barr que lorsque Tommy est libéré de sa prison de solitude, il ne semble pas étrange que Tommy ne réagisse pas violemment envers lui. Si ce spectacle se jouait sur une scène du West End, vous donneriez immédiatement à Barr l'Olivier du Meilleur Second Rôle dans une Comédie Musicale.

James Sinclair et Miranda Wildford sont splendides en tant que parents de Tommy, leur désespoir face à l'état de Tommy étant tempéré par leur propre culpabilité, désir et responsabilité. Tous deux ont d'excellentes voix et s'attaquent sans effort à la partition difficile. Wildford est particulièrement bonne dans sa robe rouge lors de la scène où tout change pour Tommy.

Il y a aussi un soutien solide de Giovanni Spano (le cousin vicieux de Tommy), Carly Burns (dont l'interprétation de la Reine de l'Acide iconique est remarquable pour sa retenue), Danny Becker (une voix extraordinaire de véritable puissance), Carrie Sutton (dont la Sally condamnée est essentielle) et Scott Sutcliffe qui, dans une variété de rôles, fournit un excellent soutien et un détail brillamment observé - sa réaction à l'effroyable Père Noël aux doigts baladeurs d'Ernie est, par exemple, délectable.

L'ensemble de l'équipe, y compris Alice Mogg, fait un travail formidable avec la chorégraphie de Smith et il y a une énergie sexuelle blessée à tout ce qui se passe qui reflète tout le récit, non seulement à cause du parcours de Tommy, mais aussi de celui de ses parents et de l'oncle Ernie. Le sentiment des années cinquante et soixante est écrasant.

En tant que groupe, le cast maîtrise les défis de la chorégraphie. Les routines de groupe sont serrées, précises, parfaitement rodées et totalement synchronisées. Le travail individuel est exemplaire, et lorsque les gens sont censés être à l'arrière-plan, ils le sont; mais quand ils sont au premier plan, ils profitent pleinement de l'occasion. Le jeu de flipper est brillamment représenté, et la brume effilochée, épuisée et épuisée à la conclusion du récit est aussi importante, aussi révélatrice que l'énergie tendue qui commence les festivités.

Le design d'éclairage de David Howe est une partie intégrante de la structure du spectacle. Des états de lumière altérés reflètent l'humeur et l'expérience et ajoutent au frisson créé par le casting et la chorégraphie. Sa Lune est magique. Le groupe d'experts de quatre musiciens, dirigé par Kevin Oliver Jones, offre un soutien acoustique parfaitement jugé, incendiaire, électrisant et galvanisant. Musicalement, c'est un pur délice. « Pinball Wizard », « I'm Free » et « We're Gonna Take It » sont époustouflants.

C'est une réimagination exceptionnelle d'une œuvre rarement jouée sur scène. Vocalement, dramatiquement et artistiquement, c'est un triomphe sans réserve. Birchall est une étoile montante, Barr une étoile confirmée. Smith est un génie et la vision de Strassen est ici absolument exceptionnelle. Quel que soit le nom que vous donnez à ce Tommy, Opéra Rock, Comédie Musicale ou Rock Bopera, il est magnifique d'une manière inconditionnelle.

Tommy se joue au Greenwich Theatre jusqu'au 23 août 2015