CRITIQUE : Titus Andronicus, Théâtre Globe ✭✭✭✭

Flora Spencer-Longhurst et William Houston dans Titus Andronicus au Shakespeare's Globe, Londres. Photographie : Tristram Kenton Titus Andronicus,

Globe Theatre

10 Juillet 2014

Titus Andronicus, l'un des premiers succès populaires de Shakespeare, est rarement monté de nos jours. La production la plus récente était celle de Michael Fentiman au RSC l'année dernière, à propos de laquelle, en partie, j'ai pensé :

“C'est une pièce curieuse, pleine de vengeance, de meurtres, de viols et de trahisons - cela fait de la scène sanglante à la fin d'Hamlet une fête joyeuse. De nombreux personnages sont, pour la plupart, peu aimables, bien que cela aide à concentrer l'attention et l'empathie sur ceux qui le sont. Elle a toutes les caractéristiques de la haute tragédie et devrait sûrement être jouée comme telle ; cependant, elle pourrait également être interprétée comme une comédie noire richement absurde. Peut-être plus que toute autre chose, elle bénéficierait d'un traitement Grand Guignol... Fentiman cherche à avoir le beurre et l'argent du beurre (Haute tragédie et comédie noire) avec pour résultat qu'il n'y a pas de cohérence dans la conception et l'exécution globale de la production. Des esprits plus sages pourraient attribuer cela, du moins en partie, au fait qu'il s'agit d'une des pièces "collaboration" (c'est-à-dire, pas entièrement l'œuvre du Barde) mais il est plus probable qu'un metteur en scène plus sûr et plus intelligent aurait trouvé un moyen d'atteindre une cohérence passionnante.”

Je ne peux pas dire que chaque pièce qu'elle met en scène est passionnante ou cohérente, mais la remarquable reprise de Lucy Bailey de sa production de 2006 (toutes les deux au Globe Theatre) l'est indubitablement.

Le décor simple et noir de William Dudley, semblable à une crypte sous le velarium noir qu'il a construit au-dessus de la scène et des spectateurs debout (pour créer un effet de Panthéon ; il y a aussi un oculus) est complété par des rampes qui amènent l'action sur le sol du Globe où de petites tours sur des chariots sont poussées en tous sens à travers les spectateurs debout. Le design transforme l'espace, l'électrise et en fait un terrain de jeu simultanément. La peur, les rires, la perplexité et l'agacement des spectateurs debout alors qu'ils sont bousculés et éclaboussés de liquides de divers niveaux de viscosité et avilissement enrichit considérablement la pièce.

Contrairement à de nombreuses productions au Globe, tout dans le design est rehaussé par les costumes (qui équilibrent magistralement le classique et le moderne) et la merveilleuse partition fournie par Django Bates. L'humeur s'établit facilement grâce à la cohérence auditive et visuelle, et quand le sang commence à couler, vous savez que Bailey a opté, à juste titre, pour la carte du Grand Guignol.

La manière de jouer m'a rappelé un mélange de Moi, Claudius et Game of Thrones ; exubérant, mais imprégné de sang, de trahison, de vengeance, de luxure et d'honneur, avec des personnages richement dessinés joués à pleine vitesse, mais avec une honnêteté et un fil conducteur qui en font des personnages entiers et compréhensibles. C'est tour à tour hilarant et horrifiant – mais il y a une cohérence dans l'approche qui atteint le cœur de la cible. Bailey trouve le moment où chaque personnage se brise/change et utilise cela comme point de transition entre honneur et vengeance, santé mentale et folie, luxure et désespoir – et pas toujours dans cet ordre.

Il y a de nombreux moments difficiles à regarder, mais c'est le but. Le meurtre empalant et atroce de la sage-femme de Tamara est absolument horrifique, égalé par l'étouffement câlin de Titus de sa fille brutalement défigurée. L'auto-amputation de la main de Titus est également magistralement réalisée, tout comme la coupe de gorge de Demetrius et Chiron. Et la célèbre scène de tarte, où Tamara se voit servir un festin des corps hachés de ses fils, est véritablement un plaisir abominable.

Le plus grand succès de Bailey, cependant, est la clarté du récit. Les vers sont livrés avec précision, netteté et une grande intensité d'émotion lorsque c'est nécessaire. Certains passages sont magnifiques, d'autres lyriques, certains féroces, mais il n'y a jamais aucun doute sur ce qui se passe.

Il y a aussi de remarquables performances d'acteur. Matthew Needham est inspiré en Saturnin et l'incarne comme une sorte de figure caligulesque, distant, absurde mais malveillant, lâche et violent. Il est intensément amusant et violemment désinvolte ; un plaisir à écouter et à regarder. Dyfan Dwyfor, répétant le rôle qu'il a joué à Stratford Upon Avon, Lucius, est encore meilleur qu'il ne l'était là-bas. Un vrai guerrier, un fils et un frère fidèle, une personne sincère et honnête, le Lucius de Dwyfor est précisément correct en tout point. En tant que titulaire et futur empereur, chaque acteur est magnifique.

Au début, le Titus de William Houston est légèrement insondable mais à mesure que la pièce progresse, le travail préliminaire prend tout son sens. Voici un Titus qui commence loyal et débordant d'honneur et de devoir. Il tue le fils aîné de Tamora non par méchanceté, mais parce que c'est ce qu'il est censé, tenu de faire et sans empereur pour lui ordonner le contraire, il refuse de compromettre son devoir. L'erreur fatale qui commence cette descente de Titus, semblable à celle de King Lear, dans le désespoir et la folie n'est pas l'assassinat du premier-né de son ennemi capturé, mais sa décision (encore une fois motivée par l'honneur) de suivre la voie traditionnelle et de désigner le sadique Saturnin comme empereur devant le populaire et sain Bassianus (un charmant Steffan Donnelly), malgré le fait que Bassianus aime sa seule fille, Lavinia.

Malgré les excès de Saturnin, sa demande de la main de Lavinia et ensuite son mariage avec Tamara, Titus reste fermement attaché à son devoir – même au point de tuer un de ses propres fils pour faire respecter