CRITIQUE : Dommage qu'elle soit une putain, Théâtre Sam Wanamaker ✭✭✭✭

Photo : Simon Kane 'Tis Pity She's A Whore

Théâtre Sam Wanamaker

4 Novembre 2014

4 Étoiles

Il faut le dire : ce n'est pas très amusant d'être une femme dans la grande tragédie de John Ford 'Tis Pity She's A Whore. Il y a quatre femmes dans la distribution et toutes ont un destin tragique. L'une est envoyée dans un couvent (elle s'en sort légèrement). Une est empoisonnée et meurt dans l'agonie. Une se fait crever les yeux et est ensuite brûlée vive. Une commet un inceste (volontairement, il faut l'admettre) avec son frère (admettons, beau) qui la tue ensuite et lui arrache le cœur qu'il promène, façon kebab, empalé sur son poignard. Pas de doute : ce n'est pas une pièce qui fait grand-chose pour la condition féminine.

Le vilain Cardinal impie termine la pièce avec ces lignes célèbres :

Mais jamais encore inceste et meurtre ne se sont rencontrés aussi étrangement.

D'une âme si jeune, si richement douée par nature,

Qui ne pourrait dire, « C'est dommage qu'elle soit une putain? »

Dans cette production, c'est un discours sur le corps du jeune Giovanni mort, le jeune homme d'or qui aimait sa sœur, à la fois charnellement et de manière familiale. Pourtant, le message final est que la femme était le problème. L’argument habituel est que le Cardinal est la personnification de la corruption et « bien sûr, il dirait ça n'est-ce pas ? »

Et, bien sûr, la pièce a été écrite autour de 1630, lorsque les attitudes envers les femmes n'étaient pas éclairées. Mais, dans le monde moderne où les castings sont indifférents à la couleur ou au genre, il semble y avoir quelque chose de répugnant dans cette pièce, du moins si elle est jouée en respectant le texte original. Si Ford avait écrit 'Tis Pity She's a Nigger ou 'Tis Pity She's a Dyke, le monde moderne serait-il aussi désinvolte à propos du titre ?

Pourquoi ne pas changer la ligne, en faire et le titre 'Tis Pity He's A Whore? Après tout, c’est Giovanni qui fait le premier pas et le monde a certainement évolué au point de reconnaître l’existence des hommes prostitués.

C'est un témoignage de la profondeur de réflexion et de soin qui ont permis ce renouveau de la pièce de Ford par Michael Longhurst, maintenant joué au théâtre Sam Wanamaker, que ces pensées occupent l'esprit à la conclusion de la pièce, plutôt qu'un sentiment de révulsion totale et d'horreur face aux événements qui se sont déroulés.

Longhurst aborde la pièce en sections. La première partie de la pièce, où Giovanni déclare son amour pour sa sœur, Annabella, cherche la bénédiction du Frère pour leur union, est conseillé de se repentir mais n'y parvient pas et avoue son amour à sa sœur, ce qui entraîne son aveu d'affection réciproque, a beaucoup du sentiment tourmenté et désespéré, si amoureux, de Roméo et Juliette. Leur premier baiser hésitant, mais tendre et tremblant, est hautement chargé. Puis, nus, faisant l'amour sous des draps blancs et croustillants, enroulés de manière séduisante autour de leurs corps, leurs jeux amoureux sont tellement érotiques, sensuels, électriques qu'ils font paraître Roméo et Juliette comme de simples détenteurs de mains.

De même, il y a beaucoup de divertissement et d'intrigue à avoir avec la perspective des divers hommes affreux qui pourraient être son mari si son père, Florio, avait son mot à dire. Cela a une sorte de sentiment de Marchand de Venise, mais cela arrive à une conclusion choquante lorsque (très efficacement, dans l'obscurité totale de cet auditorium) le bouffon Bergetto est tué par erreur.

La section finale de la pièce est une orgie d'hémorragie, de trahison et de bile, et Longhurst l'embrasse viscéralement et à plein régime. De l'agonie de la mort par empoisonnement d'Hippolita, à Annabella écrivant sa lettre avec son propre sang, l'assassinat inattendu de sa sœur-amante enceinte par Giovanni et sa vengeance sanglante sur ses principaux bourreaux (y compris son mari violent et abusif), Longhurst déploie un jeu cauchemardesque de conséquences. Le sang imbibe la scène, s'accumulant dans des ombres épaisses et visqueuses autour des acteurs tombés.

En ne faisant pas de Giovanni le vil séducteur de sa sœur vierge (il jette presque le mensonge selon lequel l'Église approuve l'union qu'il propose), en donnant aux deux frère et sœur un désir fou l'un de l'autre en chair et en âme, Longhurst rend la perspective, puis la réalité, de leur union incestueuse, d'une manière ou d'une autre, non monstrueuse. Vous voulez qu'ils soient ensemble, qu'ils soient heureux. C'est un exploit remarquable.

Et rendu d'autant plus efficace par la toile d'intrigue, de corruption et de vengeance qui constitue l'aristocratie italienne et la hiérarchie religieuse. Ce sont clairement eux, les malfaiteurs ici, et non les jeunes amoureux. Si l'inceste entre frères et sœurs reste un des plus grands tabous (et le succès de Games of Thrones peut suggérer le contraire) alors, dans cette production, Longhurst opte pour l'opinion selon laquelle Ford n'a cherché à porter aucun jugement moral : Annabella et Giovanni sont les figures tragiques, consumées par les jugements de gens plus soucieux de l'intérêt personnel et de la richesse personnelle que de ce qui est juste ou vrai.

Un noyau de performeurs talentueux fournit à Longhurst des outils élégants pour rendre viable sa vision de 'Tis Pity She's A Whore.

Max Bennett est superbe dans le rôle de Giovanni, obsédé par l'amour. Son désir pour sa sœur l'a presque rendu fou à l'ouverture de la pièce, et Bennett insuffle au personnage un caractère sauvage, une frénésie, une touche de jeune garçon perdu qui s'épanouit en folie totale. Ses scènes, trempées dans le sang de son amante massacrée, sont d'une agonie incandescente et d'une immobilité née de la normalité abandonnée.

Mais les scènes entre lui et l'alléchante Annabella incarnée par Fiona Button sont fragiles, délicieuses et imprégnées du plaisir et de la douleur d'un amour intime, désespéré, irrésistible qu'ils savent tous deux ne pas pouvoir durer. Il manie la langue avec aisance et clarté et rend un rôle souvent surjoué ou démesurément insatiable totalement compréhensible, complet. L'image effrayante de lui, souriant comme un dément, tenant le cœur embroché d'Annabella est terrifiante ; une parfaite réalisation de la beauté juvénile et de l'envie complètement détruite.

Dans le rôle d’Annabella, Fiona Button est magnifique, éthérée et blessée, dès le tout début jusqu'à sa mort soudaine et inattendue. Elle est aussi captivante dans l'étreinte nue avec Bennett, le moment le plus heureux de son personnage, qu'elle est courageuse et intrépide dans la scène difficile où son nouveau mari, Soranzo (Stefano Braschi) la maltraite physiquement. Elle montre également un flair comique excellent, dans les échanges avec l'excellente Putana de Morag Siller, sur la question des prétendants qui font la queue pour sa main. Elle ne tombe pas dans le mélodrame, trouvant toujours la vérité du moment – sa scène avec la lettre écrite dans son sang est poignante. Et la scène entre elle et le Frère Bonaventure (un excellent Michael Gould) est magnifiquement jouée alors qu'il la convainc d'épouser Soranzo, malgré sa grossesse par son frère. Une interprétation touchante et complète.

James Garnon est en forme exceptionnelle dans cette production. Son bouffon Bergetto est un pur délice, un joyau comique. Il se débrouille aisément avec l'esprit du langage et il y a des moments de comique physique remarquables également. Cheveux ridicules, tenue ridicule, personnage ridicule – tout fonctionne à merveille – si bien que lorsque il est assassiné accidentellement, c’est profondément choquant. Dans le deuxième acte, Garnon change complètement de registre et produit un Cardinal de répulsion manifeste. Huileux et onctueux, d’une importance prodigieusement accordée à lui-même, ce Cardinal vêtu de rouge incarne la haine, l’intolérance et le pur mal du monde qui condamne Giovanni et Annabella. C’est un excellent tour – et dans une soirée remplie de moments horrifiques, que son appropriation des terres des morts et des dépossédés pour l'Église doive ressembler au plus horrible en dit long sur l'intensité et la justesse de sa performance.

Dans le rôle du paon masculin Soranzo, Stefano Braschi est en forme exemplaire. Cassant et pugiliste, une tornade de testostérone, il insuffle une véritable vie à ce personnage duplice. La scène où il tente d’extirper l’identité de l’amant secret d’Annabella est brutale et choquante ; complètement convaincante. Hippolita, un tour merveilleux, gracieux et passionné de la talentueuse Noma Dumezweni, est une autre femme détruite par ses relations avec Soranzo, et le mépris et l'arrogance de Braschi pour elle sont palpablement joués. Sa mort prolongée et douloureuse a été exécutée de manière experte, tout comme les échanges rapides et cassants de condamnation qui ont scellé son sort.

Hippolita et Putana souffrent toutes deux terriblement des mains du vil Vasquez, ici joué par Philip Cumbus. Bien qu’il ait le regard « maigre et affamé » d’un assassin et qu’il n’ait aucune difficulté avec les aspects physiques du rôle, Cumbus a crié trop souvent et trop fort. Une présence imposante ne nécessite pas d'être un grenade vocale. Si Cumbus pouvait contrôler correctement sa voix, sa performance aurait été impressionnante.

Alice Haig a fait un excellent travail (une Philotis douce et apaisante), Edward Peel (le premier Florio que j'ai vu mourir de manière convaincante de choc lorsqu’il est confronté à la réalité de son fils imbibé de sang portant le cœur embroché de sa fille bien-aimée) et Dean Nolan dans le rôle du maladroit Poggio.

Le design d'Alex Lowde convient parfaitement à l'espace magnifique du théâtre Sam Wanamaker. L'utilisation des accessoires de mariage au début de l'acte deux est parfaite et souligne l'horreur de ce qui suit. Les costumes pastiche curieux fonctionnent bien aussi. Les mouvements d'Imogen Knight et les scènes de combat de Bret Young fonctionnent tous efficacement ; en effet, certains des combats semblent alarmants. Le moment où un poignard est laissé dépassant du torse nu de Max Bennett est aussi impressionnant que les flaques de sang qui coulent des corps assassinés. D'un autre côté, il semblait incongru, pour le moins, de voir des pas de danse de Single Ladies de Beyoncé incorporés dans la routine finale de l'ensemble ; peut-être que c'était censé être ironique.

La musique métallique et tintante de Simon Slater est étrange, parfois assez dérangeante, mais elle est jouée avec un talent consommé par le petit orchestre. Les chansons et danses plus traditionnelles fonctionnent bien. Aucune personne n'est créditée de l'éclairage, mais l'utilisation des bougies qui sont la marque de fabrique de ce théâtre était exceptionnellement bonne, renforçant l'atmosphère et suggérant brillamment à la fois la sensualité et les manigances sinistres.

C'est une production extrêmement efficace d'une pièce difficile. Elle capte l'attention dès le début et ne la lâche que rarement, mais elle ne prend jamais position sur la question centrale de l'inceste. Comme tout grand théâtre, elle peint des tableaux, raconte des histoires, pose des points – et sur la question de l'inceste fraternel, elle laisse au public le soin de lutter avec lui-même sur ce qui est bon et ce qui est mauvais.

Et qui est vraiment la prostituée qu’il faut plaindre. Celle qui est nommée ou celle qui nomme?