CRITIQUE : Thérèse Raquin, Finborough Theatre ✭✭✭✭

Ben Lewis, Tara Hugo, Matt Wilman et Julie Atherton dans Thérèse Raquin au Finborough Theatre, Londres. Photo : Darren Bell Thérèse Raquin Finborough Theatre, transférant au Park Theatre

30 mars 2014

4 étoiles

Le chef-d'œuvre littéraire érotique et languide d'Émile Zola, Thérèse Raquin, semble un sujet improbable pour une comédie musicale. Mais alors, vous pouvez dire cela à propos de l'histoire de Sweeney Todd, du passé du Magicien d'Oz ou d'un tome de Victor Hugo. La vérité est que si vous trouvez la forme correcte et, surtout, un compositeur en harmonie avec l'œuvre, tout peut devenir une comédie musicale.

Actuellement joué au Finborough Theatre, il s'agit d'une "adaptation radicale" de l'œuvre de Zola par Nona Shepphard, avec une musique de Craig Adams. C'est un chef-d'œuvre.

Bien que Zola soit un défenseur du naturalisme dans la littérature et le théâtre, l'approche ici n'est pas entièrement celle du naturalisme, ce qui ne veut pas dire que les interprétations ne cherchent pas la vérité et l'honnêteté du moment. L'action du roman est raccourcie et condensée, à juste titre, et un chœur de trois femmes est utilisé pour explorer les pensées non révélées de Raquin. Comme un chœur grec, l'ensemble ici observe, commente et note l'action, les pensées, les situations des quatre principaux personnages. Plusieurs fois, les personnages chantent directement au public, mais cela ne fait qu'accentuer l'effet des sections où les personnages se chantent entre eux.

Il y a de nombreux détails extrêmement efficaces : cela commence avec un peu de français avant de se transformer en anglais ; la séquence d'ouverture met en lumière la dissection médicale objective de ce qui se passe ainsi que l'intense concentration sur les émotions intérieures et la psychologie ; le tableau d'ouverture établit instantanément le ton sombre de la pièce tout en créant habilement une fausse impression pour ceux qui ne connaissent pas l'intrigue ; la fourrure de Madame est soigneusement convertie en son chat bien-aimé et prend vie ; Thérèse ne prononce pas un son pendant ce qui semble être une éternité, mais quand elle le fait, c'est un cri animal sauvage et orgasmique de libération qui laisse aucun doute sur ce qui se passe dans l'obscurité.

La musique est complexe et difficile, mais totalement envoûtante. James Simpson fait un travail remarquable en donnant vie à la partition au piano, mais malgré ses formidables compétences au clavier, il est impossible de ne pas aspirer à une orchestration incluant, au moins, des cordes, des percussions et des instruments à anche. Il s'agit d'une partition qui s'épanouirait et croîtrait avec un orchestrateur talentueux.

Plus Stravinsky que Sondheim, plus Guettel que Gershwin, plus Rutherford que Rodgers, plus Berlioz que Berlin, la musique ici n'est pas pour ceux qui veulent des comédies musicales qu'ils peuvent fredonner dans le métro en rentrant chez eux. Ce n'est pas non plus pour ceux qui veulent de grands numéros de production avec du tapage et du brio.

Non. Le but de la partition ici est entièrement axé sur l'illumination de l'intrigue et des personnages, la construction de l'ambiance, de la tension et de l'érotisme, propulsant et donnant vie aux personnages centraux. Et cela le fait de manière remarquablement habile, que ce soit à travers les séquences de l'Orgie Hautement Respectable (impliquant des dominos, du thé et des commérages), ou Sweet Perfume of Violets (la descente de Laurent dans la folie parmi les corps de la morgue) ou If I Had Known (Thérèse et Laurent dans leur dernier lament) ou tout un nombre de moments musicaux remarquables.

Il aide que le talentueux ensemble puisse gérer et interpréter la partition - avec passion, un excellent ton et une excellente oreille pour la justesse des sons et les harmonies et modulations inattendues. Ils sont un plaisir à écouter, même si la musique n'est pas toujours joyeuse.

Julie Atherton est une interprète puissante mais je ne l'ai jamais vue aussi bonne, aussi complètement absorbée dans un rôle, que celle-ci où elle joue Thérèse. L'intensité menaçante qu'elle apporte au premier tiers de la pièce, lorsqu'elle ne prononce pas un mot, est remarquable et son sentiment d'être piégée et désespérément malheureuse est palpable. Son désir pour Laurent, son dégoût pour Camille, sa peur et son irritation envers Madame - tout est simultanément exprimé avec une aisance urgente. Le regard sur son visage la première fois qu'elle aperçoit Laurent vous dit exactement ce qui va se passer. Le contraste entre sa détresse avant son union avec Laurent et son bonheur total après celle-ci est captivant. Elle ne fait pas un faux pas ici et elle chante avec une clarté et une amplitude de gamme qui sont réellement passionnantes.

Ben Lewis, physiquement superbe et vocalement magnifique, correspond à l'intensité et à l'engagement d'Atherton pour la pièce. Lui aussi est silencieux et boudeur pour un certain temps et son introduction, à travers Camille, lui donne le temps de créer une caractérisation riche. Ses scènes avec Atherton sont magiques, mais son solo lorsqu'il cherche le corps de Camille à la morgue l'est aussi. Il y a un engagement total tout au long : à la violence, au sexe, à la hantise de Camille, à la descente dans le désespoir et puis le dernier duo décisif qui met fin à leur relation. Lewis est un homme de tête exceptionnel et ici il est poussé à ses limites, dramatiques et vocales, et il en sort triomphant.

En tant que minable insupportable et tyran geignard qu'est Camille, Jeremy Legat est délicieusement odieux. Prétentieux et snob, il parvient à donner vie à ce personnage des plus fatigants, même une once d'empathie. Il chante bien et est particulièrement impressionnant dans ses apparitions après sa noyade : il est difficile de rendre les apparitions fantomatiques choquantes ou réelles, mais Legat y parvient ici. Et sa merveilleuse relation avec sa mère, Madame, est magnifiquement détaillée et complètement crédible.

Tara Hugo n'a aucune difficulté à jouer les extrêmes qui composent Madame : sa rigidité formelle ; son adoration sans relâche pour Camille ; sa supériorité et sa condescendance envers tout le monde sauf Camille ; son amour pour son chat ; ses commérages joyeux avec sa troupe de dominos ; sa dévastation à la perte de Camille ; sa paralysie lorsqu'elle apprend la vérité ; le venin dans ses yeux lorsqu'elle regarde avec malveillance ceux qui ont volé son bonheur. Elle joue le rôle avec délice, style et une habileté formidable. Mais, vocalement, elle n'est pas à la hauteur des demandes extrêmes du rôle et bien que cela n'affaiblisse pas le spectacle, cela ne permet pas non plus au rôle de s'épanouir comme il pourrait.

Le Finborough est un espace minuscule mais le décor intelligent et inventif de Laura Cordery ne gaspille aucun espace et est remarquablement efficace pour établir la période, le lieu et le sens de concentration émotionnelle intense qui prospère dans l'œuvre de Zola. (J'ai adoré la vitre qui est devenue un chevalet d'artiste.) La lumière de Neil Fraser est également superbe et ajoute incommensurablement à l'expérience.

L'accomplissement de Nona Shepphard ici est vraiment des plus éclatants : c'est une première sensationnelle d'une nouvelle œuvre. Pourquoi cela ne se joue pas au National est un des mystères de la vie.