CRITIQUE : Thérèse Raquin, Finborough Theatre ✭✭✭✭

Ben Lewis, Tara Hugo, Matt Wilman et Julie Atherton dans Thérèse Raquin au Finborough Theatre, Londres. Photo : Darren Bell Thérèse Raquin Finborough Theatre, transféré au Park Theatre

30 mars 2014

4 étoiles

Le chef-d'œuvre littéraire érotique et languide d'Émile Zola, Thérèse Raquin, semble être un sujet improbable pour une comédie musicale. Mais on pourrait dire la même chose du conte de Sweeney Todd, ou de l'histoire de fond du Magicien d'Oz, ou encore d'un tome de Victor Hugo. La vérité est que si vous trouvez la forme adéquate, et, surtout, un compositeur en phase avec l'œuvre, tout peut devenir une comédie musicale.

Actuellement au Finborough Theatre, une « adaptation radicale » de l'œuvre de Zola par Nona Shepphard, avec la musique de Craig Adams. C'est un chef-d'œuvre.

Bien que Zola ait été un partisan du naturalisme dans la littérature et le théâtre, l'approche ici n'est pas entièrement celle du naturalisme, ce qui ne signifie pas que les interprétations ne cherchent pas la vérité et l'honnêteté du moment. L'action du roman est raccourcie et condensée, judicieusement, et un chœur de trois femmes est utilisé pour explorer les pensées non révélées de Raquin. Comme un chœur grec, l'ensemble observe, commente et note l'action, les pensées, les situations des quatre personnages principaux. Plusieurs fois, les personnages chantent directement au public, mais cela sert simplement à intensifier l'effet des sections où les personnages chantent entre eux.

Il y a de nombreux éléments extrêmement efficaces : cela commence par un peu de français puis se transforme en anglais ; la séquence d'ouverture met en lumière la dissection médicale objective de ce qui se passe ainsi que l'accent intense sur les émotions intérieures et la psychologie ; le tableau d'ouverture établit instantanément le ton sombre de la pièce tout en créant habilement une fausse impression pour ceux qui ne connaissent pas l'intrigue ; la fourrure de Madame est habilement convertie en son chat bien-aimé et prend une vie propre ; Thérèse ne prononce pas un son pendant ce qui semble être des âges, mais quand elle le fait, c'est un cri désespéré, sauvage, orgasmique de libération qui ne laisse aucun doute sur ce qui se passe dans l'obscurité

La musique est complexe et difficile, mais absolument envoûtante. James Simpson fait un travail remarquable en donnant vie à la partition au piano mais malgré ses formidables compétences au clavier, il est impossible de ne pas aspirer à une orchestration impliquant, au minimum, cordes, percussions et bois. C'est une partition qui s'épanouirait et croîtrait avec un orchestrateur doué.

Plus Stravinsky que Sondheim, plus Guettel que Gershwin, plus Rutherford que Rodgers, plus Berlioz que Berlin, la musique ici n'est pas pour ceux qui veulent des comédies musicales qu'ils peuvent fredonner sur le chemin du retour en métro. Ni pour ceux qui veulent de grands numéros de production avec du tapotement et du spectacle.

Non. Le but de la partition ici est entièrement axé sur l'illumination de l'intrigue et des personnages, la construction de l'ambiance, la tension et l'érotisme, propulsant et donnant vie aux personnages principaux. Et cela se fait remarquablement habilement, que ce soit à travers les séquences de l'Orgie Hautement Respectable (impliquant des dominos, du thé et des potins), ou le Parfum Sucré des Violettes (la descente de Laurent dans la folie parmi les corps à la morgue) ou Si J'avais Su (Thérèse et Laurent dans leur lamentation finale) ou tout autre nombre de moments musicaux remarquables.

Il aide que l'ensemble talentueux puisse gérer et livrer la partition - avec passion, grand ton et une excellente oreille pour la justesse et les harmonies et modulations inattendues. Ils sont un plaisir à écouter, même si la musique n'est pas toujours joyeuse.

Julie Atherton est une interprète puissante mais je ne l'ai jamais vue aussi bonne, aussi complètement consumée dans un rôle, qu'ici en tant que Thérèse. L'intensité sombre qu'elle apporte au premier tiers de la pièce, lorsqu'elle ne prononce pas un son, est remarquable et son sentiment d'être piégée et désespérément malheureuse est palpable. Son désir pour Laurent, son dégoût pour Camille, sa peur et irritation envers Madame – tout est simultanément transmis avec une urgence facile. Le regard sur son visage lorsqu'elle aperçoit Laurent pour la première fois vous dit exactement ce qui va se passer. Le contraste entre sa détresse avant son union avec Laurent et son bonheur tout consommant après est fascinant. Elle ne se trompe pas ici et elle chante avec une clarté et une amplitude de registre vraiment palpitantes.

Ben Lewis, physiquement superbe et vocalement magnifique, Laurent rivalise avec l'intensité et l'engagement d'Atherton envers la pièce. Lui aussi est silencieux et renfrogné pendant un certain temps et son introduction, à travers Camille, lui donne le temps de créer une riche caractérisation. Ses scènes avec Atherton sont magiques, mais son solo, lorsqu'il cherche le corps de Camille à la morgue, l'est tout autant. Il y a un engagement total tout au long : envers la violence, le sexe, la hantise par Camille, la descente dans l'abandon débridé puis le dernier duo décisif qui termine leur affaire. Lewis est un homme de premier plan exceptionnel et ici, il est poussé à ses limites, dramatiquement et vocalement, et en ressort triomphant.

En tant que pleurnicheur insupportable et tyran pleurnichard qu'est Camille, Jeremy Legat est délicieusement ignoble. Maniéré et snob, il parvient à donner vie à ce personnage des plus ennuyeux, même une once d'empathie. Il chante bien et est particulièrement impressionnant lors de ses apparitions après sa noyade : il est difficile de rendre les apparitions spectrales choquantes ou réelles, mais Legat le réussit ici. Et sa merveilleuse relation avec sa mère, Madame, est magnifiquement détaillée et complètement crédible.

Tara Hugo n'a aucune difficulté à jouer les extrêmes qui composent Madame : sa rigidité formelle ; son adoration inflexible pour Camille ; sa supériorité et sa condescendance envers tous sauf Camille ; son amour pour son chat ; ses potins avec son groupe de dominos ; sa dévastation face à la perte de Camille ; sa paralysie lorsqu'elle découvre la vérité ; le venin dans ses yeux lorsqu'elle fixe ceux qui lui ont volé son bonheur. Elle joue le rôle avec gourmandise, style et une incroyable habileté. Mais, vocalement, elle ne répond pas aux exigences extrêmes du rôle, et bien que cela ne nuise pas au spectacle, cela ne permet pas non plus au rôle de s'épanouir comme il pourrait.

Le Finborough est un espace minuscule, mais le décor astucieux et inventif de Laura Cordery ne gaspille aucun espace et est remarquablement efficace pour établir la période, le lieu et le sens de l'intense concentration émotionnelle que l'œuvre de Zola exige. (J'ai adoré la vitre qui est devenue un chevalet d'artiste.) L'éclairage de Neil Fraser est également superbe et ajoute inexorablement à l'expérience.

L'accomplissement de Nona Shepphard ici est vraiment étonnant : c'est une première sensationnelle d'une nouvelle œuvre. Pourquoi cela ne joue pas au National est l'un des mystères de la vie.