CRITIQUE: Les Deux Mondes de Charlie F, Théâtre de Richmond ✭✭✭✭

Les Deux Mondes de Charlie F

Richmond Theatre, actuellement en tournée au Royaume-Uni

19 mars 2014

4 étoiles

Il y a eu de nombreuses pièces écrites sur la guerre, les droits et les torts de celle-ci, ses tenants et aboutissants, ses détails et ses conséquences. Certaines pièces réussissent mieux que d'autres à traiter le sujet, et Blackwatch était la dernière œuvre à vraiment entrer dans la peau de la vie d'un soldat dans une unité d'élite.

Actuellement à l'affiche au Richmond Theatre, la production de Stephen Rayne, Les Deux Mondes de Charlie F, une nouvelle pièce écrite par Owen Sheers, s'inspire des expériences réelles de soldats ayant servi en Afghanistan.

Ce n'est pas une pièce sur la guerre. C'est une pièce sur les soldats - les hommes et les femmes qui, pour diverses raisons, s'engagent pour leur pays, vont à l'étranger pour faire la guerre et doivent ensuite vivre avec les souvenirs, les expériences et, dans certains cas, les blessures qui changent la vie.

C'est captivant, remarquable et perspicace ; encore plus lorsque l'on sait que plus de la moitié des acteurs ne sont pas des comédiens, mais des soldats de retour, revivant leurs propres expériences, partageant leurs propres vies, exposant leurs propres blessures cautérisées, dans un effort pour éclairer et éduquer - et divertir - les personnes qui n'ont pas servi dans des zones de guerre sur ce qu'est la vie une fois l'uniforme définitivement retiré.

Il n'y a pas de sentimentalisme ici, pas de quête pathétique de sympathie. Au contraire. D'une certaine manière, la brutalité de l'honnêteté dans les performances est difficile à supporter ; mais, prise dans son ensemble, la pièce est un grand témoignage de la force et de l'humour de l'esprit humain moyen.

La pièce s'ouvre sans compromis : un soldat blessé hurle de douleur, de confusion et de peur, certain d'avoir été capturé par l'ennemi alors qu'il est réellement dans un hôpital de base. La scène est tendue, violente et incroyablement émouvante, surtout après qu'elle se transforme en quelques mois plus tard et que l'on rencontre le soldat, sur le chemin de la guérison, sa jambe perdue à jamais. C'est le Charlie F éponyme, interprété ici avec une merveilleuse aisance par Cassidy Little. Vous ne sauriez jamais qu'il n'était pas un acteur formé classiquement.

Le public est emmené dans le voyage de Charlie, de l'engagement à la réconciliation avec la nouvelle vie qu'il doit affronter - et s'efforcer d'embrasser - après la perte de sa jambe au combat. C'est un voyage inconfortable et confrontant, mais il est plein d'humour, d'esprit et d'espoir. Il y a aussi de grands élans de colère et d'horreur - mais cela ne sonne jamais faux et ne bascule jamais dans le mélodrame ou la farce.

Il y a de nombreuses scènes et performances extraordinaires ici. Certaines qui resteront avec moi pour toujours.

Stewart Hill joue le Major Thomas avec précision et calme glacial, le leader parfait, le mari parfait aspirant à sa famille lointaine. Puis vous découvrez qu'en réalité, une partie de son cerveau a été endommagée au combat et qu'il a perdu la fonction « exécutive », essentiellement la capacité de penser de manière productive, et pourtant, il est là, offrant une performance d'une intensité bouleversante.

En tant que Rifleman Leroy Jenkins, le double amputé Dan Shaw est une révélation. La scène où il décrit la perte de ses jambes et son chemin de retour vers une assistance médicale est l'un des moments les plus puissants que j'aie jamais vus au théâtre. Et il excelle dans toute la gamme : son moment avec Charlie, lorsqu'ils comparent les moignons de jambes, est à la fois vraiment drôle et aveuglément confrontant.

Deux des acteurs formés, Owen Oldroyd et Tom Colley, offrent un autre moment de pure puissance, lorsque Colley se déshabille jusqu'à ses shorts de déflagration (conçus spécifiquement pour protéger la virilité) et Oldroyd, méthodiquement et sans passion, démontre les types de blessures qu'un soldat peut s'attendre à subir s'il marche sur un IED en marquant les blessures potentielles sur le corps de Colley. À la fin de la démonstration, le corps de Colley était une peinture de Pro Hart, éclaboussures et marques partout. La combinaison muette de peur et d'acceptation de Colley, associée à l'assurance ferme d'Oldroyd, rendait la scène vraiment dévastatrice.

Il y a aussi un excellent travail de la part de Gareth Crabbe, Tomos Eames et Darren Swift et Colley est impressionnant tout au long - sa discussion sur le « Pink Mist » était à la fois terrifiante et séduisante. À travers ces performances de qualité, et toutes les autres, un sens clair de l'existence comme soldat se dégage.

Et il y a un travail sensationnel de la part des femmes dans la distribution, toutes jouant une multitude de rôles, de manière vive et merveilleuse. Il n'y avait pas de maillons faibles mais j'ai trouvé Miriam Cooper et Teri Ann Bobb-Baxter particulièrement impressionnantes.

De manière importante, et un vrai témoignage de la compétence des acteurs formés, c'est à quel point tout le monde travaille ensemble de manière homogène, à quel point il est impossible d'être certain de savoir qui a réellement combattu et qui se contente de jouer. Oldroyd, en particulier, excelle dans ce sentiment de cohésion tellement vital pour que l'œuvre réussisse.

Il est trop facile de prendre le travail des soldats de première ligne pour acquis : mais ces performances vous montrent clairement pourquoi il est erroné et égoïste de le faire.

La direction de Rayne est assurée et toute la pièce est à la fois inconfortable et captivante, passionnante et joyeuse. Le design simple d'Anthony Lamble est très efficace et la chorégraphie de Lily Phillips complète et améliore parfaitement l'œuvre.

Jason Carr fournit une musique délicieuse. Des mélodies simples, presque naïves, sont intégrées avec aisance dans cette œuvre théâtrale des plus masculines et servent à soulager la tension, à promouvoir un sentiment d'unité et dans certains cas, comme la chanson de la Médication, à contrer l'horreur intrinsèque du moment textuel. Mais véritablement envoûtante était sa composition sur « revivre » qui aborde deux des questions clés que la pièce explore : la façon dont les anciens militaires revivent les expériences qu'ils ont subies et comment ils doivent réapprendre à vivre sans l'uniforme. Magique.

Les gens me demandent souvent pourquoi je vais voir tant de théâtre, comme si c'était une marque de folie. Peut-être que cela l'est, mais la réponse est simple : parce que de temps en temps, vous rencontrez quelque chose comme cette nouvelle pièce, qui démontre la valeur, la puissance et la pertinence du théâtre et élargit votre compréhension du monde.

Encore une fois, c'est quelque chose que le National Theatre devrait présenter. Une nouvelle écriture vitale et importante et des interprètes talentueux. La question qui devrait être posée est pourquoi le National ne soutient pas ce véritable régal ?