CRITIQUE : Le Canard Sauvage, Théâtre Barbican ✭✭✭✭✭

Le Canard Sauvage : Richard Piper dans le rôle d'Ekdal senior dans la production de la Belvoir Company de Sydney Photo : Alastair Muir Le Canard Sauvage (après Ibsen)

Théâtre Barbican

23 octobre 2014

5 Étoiles

Les placeurs couvrent les panneaux de sortie, la grande foule bavarde ; puis les lumières s'éteignent. Seuls les moniteurs de télévision restent actifs dans l'obscurité soudaine, exhortant le public à éteindre ses téléphones portables (un message qui, hélas, reste trop souvent ignoré par quelques ignorants et imbéciles). Une explosion de lumière. Ça commence. Mais que regardons-nous ? Une grande forme rectangulaire en verre... comme un aquarium... est-ce un aquarium ? Et là, un vrai canard vivant. Dans l'aquarium. Il observe le public avec scepticisme, bat des ailes, semble vouloir s'envoler et émet un semblant de coin-coin. Puis l'obscurité.

Ainsi commence la production du Belvoir Street Theatre de "Le Canard Sauvage par Simon Stone avec Chris Ryan après Henrik Ibsen", dirigée par Stone qui, après avoir remporté des prix à Sydney, en Australie et avoir joué au Festival International d'Ibsen à Oslo et au Festival de Vienne, joue maintenant pour une saison limitée au Barbican.

C'est, à tous points de vue, un triomphe théâtral complet ; une réinvention merveilleuse d'Ibsen, solidement ancrée dans un idiome australien, résonnant d'une puissance captivante et d'une imagination perspicace et glaçante. Si vous avez ne serait-ce qu'un intérêt passager pour le théâtre, faites-vous une faveur et allez le voir immédiatement. Il se passera longtemps avant que vous ne voyiez quelque chose de semblable, si jamais cela arrive.

Dans ses notes de programme, Stone dit :

"Cette version du Canard Sauvage élimine le besoin de justifier le fait que tous les événements de la pièce se déroulent commodément en un ou deux lieux sur quelques jours seulement. Elle expose l'épine dorsale de l'intrigue et reconnaît le caractère fondamentalement artificiel de la présentation des événements dramatiques au théâtre. Nous voyons une semaine tragique dans la vie de six personnes. Les événements de l'histoire se déroulent dans un espace vide - partout et nulle part. Il ne reste que les interactions des personnages entre eux. Nous utilisons un cadre à la fois voyeuriste et médico-légal. Nous disséquons une tragédie... L'intrigue révèle son propre jeu et libère les personnages de leur besoin d'arriver à temps et de révéler les bonnes informations, afin qu'ils puissent être entièrement eux-mêmes dans leur propre lutte."

Quand j'ai lu ce passage, avant que la représentation ne commence, mon cœur s'est serré. Pourquoi quelqu'un aurait-il besoin de justifier où se déroulent les événements de la pièce ? La tâche du metteur en scène est de faire en sorte que la pièce fonctionne, d'illuminer le texte. Un vide ? Vraiment ? N'en avons-nous pas fini avec cette approche avant-gardiste démodée du drame réaliste ? Voyeuriste ? Pas de séquences filmées qui apparaissent sur les écrans de télévision, s'il vous plaît ! Comment l'intrigue peut-elle révéler son propre jeu ? Comment des personnages dans un drame peuvent-ils être libérés de leur obligation d'arriver à l'heure et de dire leurs lignes ? Cela semblait être surtout mon problème.

Mais ces craintes se sont avérées infondées et, bien que Stone doive évidemment croire ce qu'il écrit, la production n'a pas répondu (ou soulevé, selon votre point de vue) à cette discussion.

Premièrement, ce n'est pas la pièce d'Ibsen et, heureusement, elle ne prétend pas l'être. Qu'il s'agisse d'une réinvention complète est parfaitement clair d'après l'annonce. Une étoile pour cela. L'intrigue est très différente à bien des égards clés et ces différences offrent une expérience sombre, lugubre et finalement horrible. L'original aurait peut-être débattu des points sur la vérité et les mensonges qui guident les gens tout au long de leur vie, mais cette adaptation montre la vérité et les mensonges en action et les conséquences vives et vicieuses que la vérité peut apporter.

Deuxièmement, l'action ne se déroule pas dans un vide. Elle se déroule dans une prison transparente et confinée ; un lieu où les mensonges vous piègent mais vous permettent de vivre. Tout comme le canard au début de la pièce pense être libre et heureux et aimé, il en va de même pour tous les personnages qui existent à l'intérieur de la prison de verre, d'une manière ou d'une autre. Ce n'est que lorsque la vérité dissipe les mensonges qu'une existence à l'extérieur de la prison de verre est possible, bien qu'une vie où ceux qui la vivent souhaitent pouvoir retourner aux temps plus heureux à l'intérieur de la prison de verre. Une autre étoile pour le design - Ralph Myers.

Troisièmement, les personnages arrivent toujours à l'heure et révèlent les bonnes informations. Ils le font simplement d'une manière différente de ce qu'Ibsen aurait pu envisager et pas en petite partie parce que l'intrigue est radicalement différente et que des personnages entiers n'apparaissent tout simplement pas dans cette version épurée. Mais il y a certainement une fluidité dans le mouvement qui est captivante et qui souligne le fait que les choses se produisent à un endroit mais ont des répercussions ailleurs. Parfois, les personnages prolongent leur présence dans la prison de verre, même après avoir fini leurs lignes, créant une sorte d'effet de halo de leur présence. Lorsque la mère s'effondre après que son mari l'a quittée, ayant appris la vérité sur le géniteur de "leur fille", Hedvig, elle reste en position fœtale sur le sol tandis que d'autres scènes se déroulent autour d'elle. Sa présence illustre parfaitement la place qu'elle occupe dans l'esprit de ceux qui interagissent alors qu'elle est là, prostrée, pleine d'agonie et de désespoir, incapable de faire face. Une autre étoile pour le mouvement inspiré et fluide qui caractérise la direction ici.

Quatrièmement, si ce n'est que, comme cela se produit naturellement, les acteurs sont observés alors qu'ils jouent, il n'y a rien de particulièrement voyeuriste dans cette production. Mais cela ne veut pas dire qu'elle n'est pas absolument captivante et entièrement prenante ; connaître le texte original d'Ibsen ne vous aidera pas particulièrement ici - il y a des chocs sérieux, graphiques et horrifiants à vivre. La précision chirurgicale de chaque scène, de chaque geste, de chaque vérité, de chaque récrimination douloureuse tranche jusqu'à l'os. Lorsque la pièce commence, plusieurs personnes vivent dans le mensonge et toutes, sauf une, sont heureuses ; à la fin, aucune ne vit dans le mensonge, une est morte et personne n'est heureux. La vérité peut vous libérer, mais la liberté a un coût immense. Une étoile de plus.

Mais lorsque Stone dit que sa vision permet aux personnages d'être "entièrement eux-mêmes dans leur propre lutte", il n'y a rien à redire à cela. Chaque acteur a une occasion magnifique de jouer un personnage mercurial, complexe, fragile et intensément humain. Et chacun d'entre eux est extraordinairement bon.

Sara West est une dynamite en tant que l'audacieuse et brillante Hedvig. Elle est totalement convaincante en tant qu'adolescente de quinze ans et le sentiment d'harmonie familiale qu'elle établit avec ses parents est profondément assuré. Ses scènes avec les hommes plus âgés de sa vie sont toutes merveilleusement complexes et la scène où elle pense par erreur que Gregers, joué par Dan Wylie, pourrait être attiré par elle est époustouflante. Et elle ne manque absolument rien, dans le terrible pas de deux avec son père lorsqu'il la rejette avec colère, stupidité et impérdonabilité.

Anita Hegh est sublime dans le rôle de Gina, la mère d'Hedvig. Jouée sans faute, un portrait parfait de méfaits dissimulés, de regrets douloureux et de bonheur volé par les ravages de la vérité. Son immobilité est étonnante tout comme le kaléidoscope de degrés de douleur et de peine qu'elle peut afficher. Il y a une perfection dans l'ordinaire féminine de son personnage qui est difficile à expliquer mais impossible à ne pas admirer.

Brendan Cowell, dans le rôle de l'archetype "bloke australien", est parfait. La qualité d'homme ordinaire qu'il apporte au rôle de Hjalmar ici est aussi perspicace qu'elle est douloureuse à regarder. Un bon gars détruit par sa fierté masculine et la tendance de son meilleur ami à dire la vérité. Cette version rend Hjalmar difficile à aimer pour le public, mais le sens du réalisme dynamique de Cowell, sa performance courageuse et intelligente, garantissent que son Hjalmar est vu, cru et compris, mais peut-être pas pardonné. C'est une performance consistante et puissante.

John Gaden est parfaitement dans la peau du vieux coquin lisse Werle, qui a fait des millions et a menti et manigancé toute sa vie. Devenu aveugle, sur le point d'épouser une femme de 28 ans qui pourrait être de l'âge de sa petite-fille (s'il en avait une), ce vieux, horrible et égoïste bâtard est le ver qui ronge la pomme. Gaden le joue avec un délice savoureux et juste le bon degré d'autodérision et de culpabilité écrasante. Sa scène avec Hedvig est magique - comme allumer la mèche bleue et avec les mêmes résultats en feux d'artifice.

Dans le rôle du père de Hjalmar, Ekdal, Richard Piper est magnifiquement bourru et abattu, sombrant dans la démence. Il a gardé ses secrets et prend maintenant soin de ses animaux dans l'habitat factice et amusant mis en place chez son fils. Il a sauvé le Canard titulaire, tout comme ses actions non reconnues ont sauvé tous les autres personnages, d'une manière ou d'une autre. Un autre tour parfaitement jugé, mêlant douleur, désespoir et pensées souhaitant.

Le rôle le plus difficile dans cette version de Le Canard Sauvage est celui de Gregers, le fils de Werle, qui ne veut rien avoir à faire avec son père ou la fortune de son père. Sa mère l'a appelé avant son suicide, lui a révélé certains faits, et il est donc amer et rancunier. Il connaît un secret, ou une partie d'un secret, et détermine de le révéler, en partie pour punir son père, mais au moins en partie, parce qu'il croit sincèrement que c'est la bonne chose à faire. Ce n'est pas le cas, et les conséquences de sa franchise sont vastes et cataclysmiques. Wylie trace un chemin charmant à travers la voie rocailleuse que parcourt son personnage et bien que, dans un sens, il soit le méchant de l'histoire, dans un autre, il est la principale victime : il n'a jamais vraiment expérimenté l'amour en tant que membre d'une famille.

Le jeu d'acteur est vraiment de classe mondiale. Une étoile de plus pour cela.

Stevan Gregory propose de la nouvelle musique, des arrangements spéciaux et des effets sonores qui ajoutent beaucoup à l'effet global de la performance. Particulièrement bonnes sont les bribes de musique classique qui commencent magnifiquement mais se délient au fur et à mesure ; et il y a un son d'effet incroyable, presque celui de l'Univers qui crie, au point où la première grande vérité est révélée et que le monde d'Ekdal est déchiré. L'éclairage délicat de Niklas Pajanti établit des changements d'atmosphère et, tout particulièrement, des conséquences des actions de manière vive et surprenante.

Aucune question - c'est un événement théâtral palpitant. La vision de Stone est claire, ambitieuse et électrisante. Et cela fonctionne - cela fonctionne vraiment. Excellent jeu d'acteurs, excellente mise en scène, un excellent texte. Comme l'a dit Sweet Charity : Tout ce que je peux dire c'est "Waouh !"

Faites tout ce que vous devez faire - mais ne manquez pas votre chance d'assister à cette production magistrale.