CRITIQUE : Le Diable Blanc, RSC, Swan Theatre ✭

Photo : Keith Pattison Le Diable Blanc 16 août 2014 1 étoile

Il y a quelques semaines, la RSC a pris l'initiative sans précédent, du moins dans mon cas, d'écrire à leur public au sujet de la prochaine production de Maria Aberg sur la pièce de John Webster, The White Devil (actuellement jouée au Swan Theatre) et d'avertir :

« La brillante, satirique et violente pièce de Webster a historiquement défié les spectateurs avec sa série graphique de meurtres, et en travaillant sur le spectacle dans la salle de répétition, il devient clair que notre production ne sera pas différente...

Avec Maria Aberg, nous avons engagé une metteuse en scène qui aborde la pièce avec un fort désir de connecter ce texte vieux de 400 ans avec un public contemporain... cela implique de situer la pièce dans un cadre moderne qui a le potentiel de rendre les scènes de violence plus immédiates pour le public.

Étant donné cela, je voulais vous écrire pour vous informer que notre production contiendra des scènes de violence et de nature sexuelle que certains spectateurs pourraient trouver choquantes. Aucun nouveau matériel n'a été ajouté au texte, c'est simplement qu'en situant la pièce dans un cadre contemporain, la pièce nécessairement violente et passionnée de Webster semblera aussi immédiate et stimulante qu'elle l'était pour son public initial en 1612. »

Paraphraser le Barde : me semble que la RSC prévient un peu trop.

Ou, plus précisément : me semble que la RSC prévient à propos de la mauvaise chose.

Cette version moderne, aux surfaces blanchies et épurées et aux écrans multimédias dominants de Webster par Aberg ne se noie pas dans le sang, n'est pas chargée de violence (sexuelle ou autre) et est plus insondablement incompréhensible qu'elle n'est confrontante. Oui, il y a un étranglement (et ailleurs une torsion de cou) qui est difficile à regarder mais rien de plus lugubre que des scènes d'autres productions récentes sur les scènes de la RSC.

À l'ouverture de chaque acte, Kirsty Bushell (jouant l'adultère charnelle, Vittoria) se dirige vers l'avant de la scène, établissant un contact visuel délibéré avec des membres particuliers du public, un contact qu'elle maintient juste assez longtemps pour être inconfortable. Elle est à peine vêtue : soutien-gorge, culottes matronnes (le genre qu'un écolier pourrait imaginer qu'une Nonne pourrait porter), cheveux dans un bonnet de perruque, pieds nus. Vulnérable. Mais d'acier. Lentement, elle s'habille, piégeant le public dans une complicité intime. Quand la perruque est en place, « l'action » commence, le quatrième mur est brisé et irrémédiable. Dans le deuxième acte, elle prend le temps d'insérer une poche médicale pleine de faux sang dans sa culotte, signalant, de manière conspiratrice, qu'elle saignera « là en bas » à un moment donné de l'Acte Deux. Tout en gardant un regard froid dans les yeux des spectateurs de « Pourquoi moi ? ».

Inquiétant et intriguant.

Mais l'effet, chaque fois, est fugitif car la performance est submergée par de la musique bruyante et pulsante, des projections vidéo se centrant sur le sang ou des aspects du corps féminin, des « danses » saccadées curieuses par la compagnie, une ambiance Euro-trash de boîte de nuit envahissante du décor et le sentiment que cela pourrait être un épisode fantastique de Footballers' Wives. Il y a une surcharge sensorielle, désorientante et, franchement, bizarre.

Ce qui souffre le plus de tout cela, c'est la narration. Les motivations, la subtilité de l'action et de la réaction, la profondeur de la corruption, les motifs imbriqués de vengeance et de meurtre : tous sont oblitérés sous couvert d'une notion que situer dans un cadre contemporain garantira immédiateté et défi.

Une autre décision clé de la mise en scène, de changer le genre du frère de Vittoria, est désastreusement insensée. Il n'y a aucune difficulté avec de grandes actrices jouant des personnages masculins ; mais il doit y avoir une très bonne raison pour justifier de modifier le sexe d'un personnage créé par l'auteur. Aberg a de l'expérience dans ce domaine : sa production de King John avec un Bâtard féminin. Ce n'était pas efficace alors et c'est catastrophique ici.

Élément essentiel de la pièce de Webster est le sentiment des personnages masculins utilisant et abusant, contrôlant, « protégeant » et, finalement, massacrant Vittoria et Isabella, l'épouse de l'amant de Vittoria (ici jouée par Faye Castelow). De manière simpliste, Isabella représente la notion patriarcale de la « bonne épouse » et Vittoria de la « mauvaise épouse ». Ajouter un personnage féminin central supplémentaire n'éclaire en rien la pièce et ses points. Cela ne semble pas non plus avoir quelque chose d'utile à dire sur la misogynie.

La performance saccadée, terne et largement monotone de Castelow enfonce un autre clou dans le cercueil du concept. Si vous choisissez de faire de Flaminio une femme, elle doit être remarquable ; une rivale forte, intrépide et calculatrice, différente des hommes de la pièce qui sont exaltés par le pouvoir traditionnel, patriarcal ou religieux, mais aussi une femme très différente de sa sœur. Castelow opte pour une ambiguïté discrète, presque androgyne. Le résultat est pratiquement inutile à tous égards et prive la pièce d'une grande partie de sa puissance.

Pour une pièce dont chaque chemin est construit sur la luxure et la trahison, cette production manque singulièrement de tout sens de la sensualité ou de la passion viscérale. Il y a beaucoup de discussions ennuyeuses mais peu d'action ou d'interaction. Et pas de tension ou d'immédiateté.

C'est comme regarder un film de propagande censuré : vous avez une idée claire de ce à quoi vous attendre, mais il est présenté d'une manière qui laisse perplexe ces attentes. Les acteurs masculins sont, en général, à court de force et peu impressionnants. Cornelia de Liz Crowther est exaspérante et David Rintoul imbu Monticelso de toute la finesse et la nuance d'un Dalek portant un crucifix.

Bushell est la meilleure d'un casting décevant, mais elle n'a jamais l'occasion de briller comme elle le devrait en raison des cadres choisis par Aberg pour cette production riche en métaphores sportives.

C'est déconcertant. La dernière production dirigée par Aberg pour la RSC était un Comme il vous plaira simplement glorieux. Si seulement la compétence et la perspicacité qu'elle y a montrées pour raconter une vieille histoire de manière fraîche et captivante avaient été mises en œuvre ici.