CRITIQUE : Les Guerres des Roses - Henri VI, Théâtre de la Rose ✭✭✭✭✭

Joely Richardson, Alex Waldmann et Michael Xavier. Photo : Mark Douet Les Guerres des Roses : Henry VI

Théâtre Rose, Kingston

03/10/15

5 Étoiles

Réservez des billets ‘La gloire est comme un cercle dans l'eau, Qui n’arrête jamais de s'élargir Jusqu'à ce que, par sa vaste étendue, elle se disperse en rien.’ Henry VI, Première Partie Quand le metteur en scène Trevor Nunn a été appelé sur scène à la fin de Richard III, neuf heures après le début du marathon Les Guerres des Roses, il a simplement dit : ‘Je vous donne cinq mots – John Barton et Peter Hall.’ C'est là où nous devons commencer toute critique de cette extraordinaire reprise – par les intentions et la réussite des deux créateurs de cette fusion du récit shakespearien des guerres intestines ayant précédé l'accession de la dynastie Tudor au pouvoir. Comment ce pilier de 1963 apparaît-il en 2015, et nous parle-t-il aussi puissamment qu'il le faisait aux publics théâtraux des années 60 et à ceux qui ont vu l'adaptation télévisée qui a suivi ? Ce n'est pas une exagération de dire que ce texte et cette production ont mis le nouveau RSC sur la carte. Il incarnait une approche de Shakespeare qui combinait le respect de la tradition et de l'authenticité (lorsqu'elle pouvait être plausiblement découverte), avec une détermination de rendre Shakespeare aussi accessible que possible à un public aussi large que possible. Il y avait aussi une suprême confiance que même les pièces qui semblaient les plus historiquement et thématiquement éloignées et étrangères pouvaient être révélées pour s'adresser à des dilemmes humains éternels. Hall et Barton ont tous deux été influencés par la thèse du livre de Jan Kott, Notre Contemporain Shakespeare, et pensaient qu'il pouvait y avoir une véritable synergie entre des techniques de déclamation de vers historiquement informées d'une part, et les méthodes théâtrales de Brecht et Beckett d'autre part. Par conséquent, la réputation de ceux qui avaient prospéré dans un théâtre plus traditionnel - tel que Peggy Ashcroft et Donald Sinden - s'est vue renforcée, et de nouvelles étoiles - tel que David Warner et Ian Holm - ont été créées. Le RSC est devenu bien connu pour ses productions ensemble à grande échelle, dont plusieurs ont rivalisé avec celle-ci, mais ne l'ont jamais éclipsée. Peut-être plus important encore, le succès de Les Guerres des Roses à rendre accessibles des pièces qui avaient auparavant pris la poussière a établi une manière de ‘jouer Shakespeare’ qui est devenue une orthodoxie pour une génération ou plus, encapsulée dans le livre influent de Barton et le programme télévisé de ce nom. Une recherche minutieuse dans les propriétés rhétoriques et l'ancrage historique du vers, mais placée dans une esthétique visuelle moderniste dépouillée, est devenue la norme. Ce n'est que progressivement que cela a été érodé par un focus technique sur le ‘naturalisme’ vocal et une approche plus expérimentale et éclectique de la scénographie qui est désormais l'orthodoxie actuelle.

Joely Richardson et Michael Xavier dans Les Guerres des Roses - Henry VI. Photo : Mark Douet Donc l'un des grands avantages de cette reprise est de fournir une opportunité de nous rappeler les forces et les faiblesses d'une méthode théâtrale influente autant qu'une production majeure. Cela nous parle-t-il encore comme une manière de faire du Shakespeare autant qu'une trilogie épique de narration ? Pouvons-nous ou devrions-nous comprendre cette façon de présenter Shakespeare ou a-t-elle été complètement dépassée ou absorbée par Game of Thrones ?

Le Théâtre Rose de Kingston est un lieu très approprié pour cette reprise. Construit sur le même modèle et avec les mêmes proportions que le Théâtre Rose original de Southwark, où les pièces d'Henry VI ont été initialement jouées, il offre un espace qui s'approche bien des contours de la scène Tudor tout en fournissant tout ce que l'art théâtral technique moderne peut apporter. Pour cette production, il y a une avant-scène peu profonde pour des soliloques intimes et un balcon avec double escalier décoré de trophées de bataille qui ajoute des dimensions supplémentaires, notamment lors des nombreux sièges et parlements. Une table en forme de cercueil monte et descend du centre de la scène pour servir de table de conseil ou de bière, selon le besoin. Les costumes, les armes et l'armement sont d'époque, et il y a volontairement peu de mobilier de scène pour que l'action puisse se dérouler aussi fluidement que possible d'une scène à l'autre. Lorsqu'il y a appel à une déclaration plus importante – comme un trône - c'est une chose de beauté majeure – pas de demi-mesures. Il y a beaucoup de fanfares et d'interventions musicales, toutes dans un style traditionnel, mais peut-être avec un geste vers ‘un morceau de Mahler’.

Henry VI se distingue comme la pièce de ce triptyque qui bénéficie le plus des coupes et clarifications de Barton. Les personnages et les scènes sont coupés en abondance pour révéler un focus sur la nature de la bonne et de la mauvaise gouvernance. Nous commençons avec les ‘barons criards’ rassemblés autour du cercueil de Henry V dans une apparence d'unité et finissons avec la tête coupée du duc de Suffolk sur la scène, victime de la loi de la foule dans les rues de Londres. Entre-temps, nous avons une étude de cas lucide, dans ce que nous appelons maintenant le bon style de la série ‘House of Cards’, de la façon dont il suffit d'une seule rivalité cancreuse pour dénouer un royaume si l'individu souverain clé est absent ou incapable.

L'ensemble avance avec un rythme captivant et croissant et prend d'un pas collectif les complexités de temps et de lieu impliquées dans une action qui alterne rapidement entre la France et l'Angleterre. La qualité de la déclamation des vers n'est jamais moins que claire avec une mise en relief et une phraséologie pour chaque discours qui est une leçon sur comment donner vie même au matériel politique le plus aride. Aucune jonction n’est visible entre l’original shakespearien et le pastiche bartonien, et aucune bataille, lit de mort ou débat n’a excédé son accueil.

Dans une grande compagnie comme celle-ci, avec la plupart des acteurs doublant les rôles majeurs et mineurs, il est impossible d'identifier et de commenter toutes les performances remarquables, mais aucune ne déçoit et plusieurs se distinguent.

Parmi tous les barons rivaux, le duc Humphrey, le Lord Protecteur, (Andrew Woodall) offre un exemple d’étude exemplaire du bon politicien abattu comme un sanglier ou un ours par une accumulation de torts et de petites piqûres de la part d'hommes moindres. Un point tournant, habilement montré dans le jeu de Woodall, est quand Henry admet qu'il ne peut pas faire ‘volonté propre’ et Woodall se tourne vers le public avec une expression de choc (comme dans l'un des apartés confiants de Kevin Spacey) qui signale en un instant qu'il sait que tous ses efforts pour maintenir l'empire de Henry V en France et à la maison seront vains, et pourtant il doit continuer jusqu'à sa propre perte.

Imogen Daines dans le rôle de Jeanne d'Arc. Photo : Mark Douet

L'interprétation d'Henry VI par Alex Waldmann est une pièce de théâtre délicieuse, tout à fait à égalité avec la célèbre originale de David Warner. Il doit passer d’un enfant timide, aux yeux écarquillés, impressionné par son entourage à un adolescent geek, maladroit et égocentrique qui culmine avec la sévérité sainte et les souhaits pieux de l’âge adulte. Il le fait avec un charme et une grâce sans artifice qui sont à la fois captivants et déconcertants. Nous le voyons en tailleur et pieds nus sur le trône, jouant avec son sceptre et les roses qui sont les symboles de la division, et essayant en vain de réconcilier les nobles aigres comme un travailleur social idéaliste, désespérément au-dessus de sa tête.

Il convient de dire qu'il y a beaucoup de licence dramatique ici. Nous savons maintenant que le véritable Henry VI souffrait d'une forme de maladie mentale catatonique plutôt que d'un saint dédain et d'une aversion pour l'affirmation de soi. Mais la solution de Shakespeare est dramatiquement beaucoup plus engageante car elle nous oblige à réfléchir à la fois sur la façon dont les bons hommes peuvent être et sont souvent des dirigeants désespérés, et sur le problème de ce que faire dans un système personnel de règne lorsque le roi ne peut remplir son rôle assigné.

Il est très important pour toute représentation réussie - comme c'était les intentions de Shakespeare - qu'au milieu d'un monde dominé par les hommes, il y ait aussi quelques rôles féminins vifs et fougueux incorporés dans l’action à chaque point, tout à fait égaux en passion et poids politique aux hommes. Nous sommes ici entre de bonnes mains. Il y a au départ une démonstration de bravoure d’Imogen Daines en tant que Jeanne La Pucelle, visionnaire, défiant, exultant, et enfin vulnérable et digne de la défaite. Jeanne passe ensuite le témoin à la reine Margaret et elle à la reine Elizabeth et à Lady Ann à mesure que les trois pièces progressent.

En tant que reine Margaret, Joely Richardson est le seul personnage présent dans les trois parties de l’épopée. L’actrice qui joue ce rôle doit traverser non seulement une vaste gamme d’émotions mais aussi vieillir de la fiancée vierge, quoique avertie, à la harpie et mégère. Le rôle est généralement joué par une femme d'âge moyen, et donc les premières scènes ‘les plus jeunes’ peuvent être délicates à négocier. Richardson gère bien ces aspects, et ses manigances avec Michael Xavier’s Suffolk ont montré une ruse et un magnétisme sexuel qui ont donné un avant-goût de ce qui est à venir, mais pas trop, et lui a laissé être son mentor en malignité séduisante.

Au risque d'ajouter une longue litanie d'honneurs de bataille et de titres comme les personnages, je devrais également mentionner quelques scènes de lit de mort notables (seulement une par Shakespeare !) avec Mortimer (Geoff Leesley) et le cardinal Beaufort (Oliver Cotton) maudissant leur sortie de la vie dans un fauteuil roulant d’époque superbe inspiré par celui utilisé par le roi Philippe II d'Espagne ; et également l’interprétation de James Simmons de Lord Talbot, le leader militaire qui poursuit le mieux les actes héroïques de Henry V, et qui est la première victime des querelles intestines entre les barons qui sapent la domination anglaise sur la France.

Pour éviter que l’on pense que la majorité des crédits appartient aux éditeurs et interprètes du dramaturge, je voudrais finir cette critique initiale en soulignant combien il y a néanmoins d’instances du génie unique de Shakespeare déjà à l'œuvre - notamment dans le ton et la teneur de certains des poèmes, mais aussi dans l'habileté dramaturgique avec laquelle il mêle la haute politique aux expériences des gens ordinaires pour créer quelque chose d'unique.

Vers la fin de la pièce, il y a quelques scènes brèves qui annoncent et résument la chute de Lord Protecteur Humphrey de manière magnifiquement économique. Tout d'abord, il y a une scène comique avec une sorcière engagée pour exposer les prétentions royales de la femme de Gloucester (une acerbique Alexandra Gilbreath). C’est à la fois une interlude humoristique et une parabole élégante sur la façon dont les puissants sont souvent abattus par les vanités de ceux qui les entourent autant que par leurs propres erreurs. Et puis, encore mieux réalisé, il y a une scène où le duc Humphrey découvre un mendiant infirme cherchant l'aumône et la guérison de Henry comme un imposteur. Trivial en soi, cela sert tout de même à tourner Henry contre son oncle parce que sa propre vanité a été piquée par la mise en évidence de sa crédulité. Même les dirigeants saints peuvent être influencés par les menaces envers leur propre estime de soi ; et Shakespeare nous dit si habilement que sur de telles petites choses le grand commerce du royaume peut se tourner.

Et donc, avec la France perdue, les barons en désaccord, et le principal soutien à l'ordre à la maison retiré, le décor est planté pour la véritable guerre civile à venir entre les partisans des roses blanches et rouges - le chef-d'œuvre de la trilogie - Edward IV.

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