CRITIQUE : Les Guerres des Roses : Édouard IV, Rose Theatre ✭✭✭✭

Alexander Hanson et Joely Richardson. Photo : Mark Douet Les Guerres des Roses : Édouard IV

Rose Theatre, Kingston

03/10/15

4 Étoiles

« Le buisson d'aubépine n'offre-t-il pas une ombre plus douce

Aux bergers regardant leurs pauvres moutons,

Qu'un riche baldaquin brodé

Aux rois qui craignent la trahison de leurs sujets ? »

La deuxième partie de la trilogie Les Guerres des Roses possède de nombreuses vertus que j'ai déjà mentionnées à propos de Henry VI, et je ne vais pas détailler de nouveau ici. Disons simplement que Barton et Hall tentent de clarifier l'avalanche déroutante d'alliances changées, de promesses brisées et de batailles sans fin qui forment la dernière partie des pièces de Henri de Shakespeare, et ils réussissent en grande partie. La liste des personnages est simplifiée, les scènes sont modifiées ou déplacées, des batailles omises, et le résultat final est bien plus structuré, fluide et captivant que l'original. Toutes sortes de symétries et de connexions qui sont enfouies dans les détails de l'original sont ici mémorablement mises en avant. Cependant, on ne perd pas des sections chéries de poésie ou de personnages centraux au drame, alors que le conflit s'intensifie entre les partisans de la rose blanche ou rouge. Le résultat final n'est pas aussi bien structuré que Henry VI - bien que ce ne soit pas la faute de l'adaptation. Simplement, Édouard IV est une pièce transitoire dans laquelle certains des personnages introduits au début – comme le Duc d'York, la Reine Margaret, Henry VI lui-même, et le Comte de Warwick - sont pleinement développés et partent ; et d'autres rôles – Richard de Gloucester (le futur Richard III), son frère Clarence, et la Reine Élisabeth – font leur entrée. Édouard IV lui-même ne joue un rôle majeur que dans la seconde moitié de la pièce et ne peut donc pas agir comme force unificatrice tout au long, sans parler du fait qu'il est une figure faible et hésitante. La pièce manque donc de la rigueur structurelle que Barton trouve dans Henry VI, et que Shakespeare trouve de manière spectaculaire dans Richard III.

Ce qui vaut le plus dans cette pièce, ce sont donc les rivalités politiques et personnelles qui se développent entre York (Alexander Hanson), Warwick (Timothy Walker) et la Reine Margaret (Joely Richardson), avec la contribution de Henry VI lui-même (Alex Waldmann) ressemblant à celle d'un chœur de lamentation en marge. La force du jeu d'acteur dans ces rôles assure que c'est une vision captivante, bien que les souvenirs de Donald Sinden, Peggy Ashcroft, Brewster Mason et David Warner ne soient pas éclipsés (et peuvent encore être vus dans des extraits granuleux sur YouTube).

Barton et Hall étaient clairs sur le fait que leur principale justification pour cette adaptation était de montrer à quel point le drame de Shakespeare reste pertinent comme commentaire sur la politique contemporaine. Cette pièce est, des trois, celle qui se conforme le plus à la surface à Game of Thrones, et il est donc important pour moi d'illustrer par référence à un certain nombre de scènes comment elle va au-delà de la simple machination historique comme divertissement.

Alex Waldmann en tant qu'Henry VI. Photo : Mark Douet Certains des meilleurs moments sont là parce que Barton a enrichi l'original. Lorsque York parvient enfin à s'asseoir brièvement sur le trône magnifique, un édifice digne de Le Seigneur des Anneaux, il demande « Quel titre royal est une preuve ? » et nous avons par la suite un ensemble merveilleux de méditations, exactement à mi-chemin du triptyque, sur la transitoire de pouvoir, la vanité des aspirations chez tous les personnages, et un moment touchant d'un éclairage pleinement dramatisé aussi - que l'homme qui a travaillé si dur pour atteindre le sommet n'a en fait aucune idée de ce qu'il fera du pouvoir qui semble enfin à portée de main.

Mais les meilleures scènes restent surtout celles de Shakespeare. La mort de York aux mains de Margaret doit être jouée pour l'horreur totale, et c'est le cas ici. La Reine Margaret se venge du meurtre antérieur de son amant, en humiliant son grand adversaire et en essuyant ensuite son visage avec un chiffon imbibé du sang de l'un de ses fils. Son rire hystérique, pleinement mesuré par Richardson, se dresse comme un symbole éclatant de la manière dont la guerre civile dévore et transforme ceux qui la pratiquent.

En contraste délibéré avec ce festival sanglant, le ruminement de Henry VI sur ses malheurs alors qu'il regarde un champ de bataille où un père a tué un fils et un fils un père se distingue comme une scène digne de Beckett. Pourtant, c'est tout le travail original de Shakespeare, pas une refonte. La performance de Waldmann capture une simplicité et une grâce regrette tout en rendant pleinement justice aux formes rhétoriques de l'écriture hautement artificielle. La forme littéraire, la leçon politique et la puissance émotionnelle s'assemblent parfaitement. Shakespeare et Barton sont tous deux conscients de la nécessité de montrer l'implication des gens ordinaires et l'impact de la guerre civile sur ceux qui sont en dehors de l'élite politique. Ainsi, l'épisode dévoué à la rébellion de Cade est crucial comme contraste dramatique aux querelles des barons et comme changement général de ton. Rufus Hound, en tant que Cade, obtient certainement le plus grand rire de la journée avec son injonction de « Tuez tous les avocats ! » Mais il donne aussi une représentation très sympathique, pleinement développée d'un homme non éduqué avec une forte intelligence native et un don de la tchatche déjoué par des initiés politiques. Ici encore, il existe de jolis parallèles contemporains, dignes de House of Cards dans la manière dont la rébellion est réprimée à la fois en invoquant la mémoire de Henry V et en offrant des pots-de-vin pour amener le peuple à détourner ses énergies vers le combat contre les Français.

Alors que nous progressons vers les étapes ultérieures de la pièce, c'est l'ascension de Richard de Gloucester qui attire notre attention plutôt que celle du vainqueur ostensible et du sensuel doux, Édouard IV (Kåre Conradi). Robert Sheehan montre une véritable habileté à montrer comment ‘ajouter des couleurs au caméléon.’ Ses soliloques en avant-scène gagnent en esprit, en malveillance charmante et en flair au point qu'il a interrompu le spectacle avec des applaudissements. Cela nous prépare à l'une des plus belles scènes de la trilogie – le meurtre de Henry VI dans la Tour – la confrontation entre les porte-étendards du bien pur et du mal. Sheehan et Waldmann sont tous deux remarquables ici, mais c'est le doux baiser que Henry donne à Richard juste avant le coup fatal, un geste repris de la production originale, qui fait le point dramatique le plus éloquent de tous.

Trevor Nunn et son équipe créative guident le succès global de la production, mais souvent de manière discrète. Avec tant de changements de scène, les acteurs doivent toujours avancer : ils sont déjà sur scène lorsque le public reprend sa place ; le décor est réduit au minimum ; et dans une touche particulièrement agréable, des épées sont extraites ou insérées dans des trous au bord de la scène en fonction des besoins. Le directeur de combat Michael Ranson s'assure que les batailles sont convaincantes mais pas monotones – les routines sont variées, non répétées, et le sang n'est utilisé que lorsque spécifiquement mentionné dans le texte. L'horreur est évoquée plus subtilement en utilisant l'imagination du public à la place.

Les accessoires sont peu nombreux et le costume est armuré et atténué sauf lorsque les cérémonies exigent plus. Au-delà des scènes de bataille, il y a beaucoup de mouvements et la dimension visuelle n'est jamais négligée avec une bonne utilisation des balcons et des différents niveaux du décor. Nous terminons avec une danse arrangée pour célébrer la montée des trois soleils d'York, mais avec Richard de Gloucester placé et parlant de côté. Le faste faux et la prétention de la cour d'Édouard sont déjà évidents, tout comme la source de sa dissolution imminente.

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