CRITIQUE : La Visite, Théâtre Lyceum ✭✭✭✭✭

La Visite à Broadway. Photo : Joan Marcus La Visite

Théâtre Lyceum

12 avril 2015

5 Étoiles

On ne remarque pas vraiment le cercueil au début. Les bagages impeccables sont empilés haut dessus, donc au départ, cela semble juste être une pièce de bagage très chère. Mais ensuite, votre attention est délibérément attirée ailleurs. Vers le grand homme avec des lunettes de soleil, et les deux autres hommes, leurs visages peints d'un cercle blanc opaque ; ils portent des gants et des chaussures jaunes et sont impeccablement vêtus de costumes matinaux traditionnels. Et, bien sûr, la visiteuse. Impeccablement habillée de blanc, un long manteau bordé de fourrure, avec un chapeau en fourrure assorti, soulignant son allure élégante. Ils pourraient être présents à un mariage.

Ils entrent par le côté droit de la scène, dans une procession majestueuse. La scène est magnifiquement dressée. Autrefois, il y avait une grande maison ici, mais elle est maintenant en ruine. La forêt envahit les supports défaillants, les racines d'arbre, les feuilles et les branches sont partout, soulignant la décomposition et les forces incessantes que sont le temps et la nature. Les habitants de Brachen, un lieu quelque part en Europe, pâlissent, la couleur et la vie se dissipant de leurs joues, vêtements et sensibilités. La visiteuse est vivante. Vividement vivante.

Puis vous voyez que c'est un cercueil. Définitivement. Un cercueil.

Pendant 90 minutes de récit extatique, vous êtes transporté à un endroit où l'amour, la mort et la conséquence dansent ensemble et où une victoire pour le véritable amour pourrait ne pas être ce que vous pensez au départ qu'elle sera.

C'est la mise en scène exceptionnelle de John Doyle du dernier musical de l'illustre duo John Kander et Fred Ebb, La Visite, désormais en avant-première au théâtre Lyceum à Broadway, avec l'indomptable et réellement inspirante Chita Rivera. Avec un livret de Terrence McNally, c'est l'un des meilleurs musicals de Kander & Ebb. Certainement, c'est le meilleur, le plus important, musical actuellement à l'affiche à Broadway - et cela en dit long, vu la concurrence actuelle.

Ceci n'est en aucun cas un musical typique. Il étire et joue avec la forme de manière inhabituelle, provocante et inventive. Je ne me souviens pas de la dernière fois où le numéro de onze heures dans un musical impliquait que la star ne chante pas - mais c'est précisément ce qui se passe ici : la pièce atteint son zénith inoubliable et déchirant quand Chita Rivera, la visiteuse titulaire, danse avec son moi plus jeune (l'elfe Michelle Veintimilla) dans un moment de réalisation personnelle brute et intense. C'est aussi puissant que délicat. Inexprimablement beau.

Doyle utilise la mise en scène pour souligner les thèmes qui sont saillants dans la musique et le texte. Le passé est un personnage constant dans l'action. La visite titularisée se produit à cause du passé et détermine l'avenir. Les jeunes images fantomatiques des personnages centraux, Claire (Rivera) et Anton (Roger Rees et John Riddle comme versions actuelle et passée) sont toujours présentes, donnant soit vie aux souvenirs, soit fournissant un écho constant du passé et de ses conséquences.

De la même manière, quand ils ne participent pas à l'action immédiate, les habitants restent dans l'ombre, regardant, contemplant, jugeant. Ils représentent la société et les cultures partagées, le prisme du 'respectabilité' et de 'tradition'. Les actions au centre de la scène, qu'elles soient présentes ou passées, les affectent, les façonnent; et, par leur simple présence, ils façonnent et affectent le passé, le présent et l'avenir.

Chaque fois qu'elle entre en scène, Claire fait partie d'une procession formelle. Le schéma est implacable et rigide. Superficiellement, Claire représente le passé rattrapant le présent; mais la vérité est plus intrigante. Elle et son entourage presque militaire incarnent la Justice. Comme toutes les formes de justice, celle de Claire vient avec des conséquences réverbérantes. Elle peut être habillée tout en blanc, mais son but en faisant cette visite est de révéler les vraies couleurs des autres.

L'histoire est à la fois simple et complexe. Claire et Anton étaient désespérément amoureux quand ils étaient plus jeunes, mais Anton a choisi d'épouser Matilde et de gagner la sécurité du magasin familial. Claire, pour des raisons révélées au fur et à mesure que la pièce progresse, quitte la ville, forge une nouvelle vie. Elle se marie souvent et "devient veuve avec succès", devenant la femme la plus riche du monde.

Alors que les fortunes de Claire s'améliorent, la ville où elle est née décline régulièrement. L'industrie cesse, la pauvreté s'enracine. Puis, un jour, le maire reçoit la nouvelle que Claire revient à Brachen et lui et les autres habitants espèrent la convaincre de se séparer d'une partie de sa fortune pour permettre à la ville de se rétablir. À l'enthousiasme des villageois, Claire offre à Brachen 10 milliards de dollars.

Mais elle a un prix particulier en tête. Et que la ville soit ou non prête à le payer est central à la narration qui se déroule. Être plus précis sur l'intrigue serait nier les véritables - et souvent surprenants ou sidérants - rebondissements du livre de McNally. Vraiment, moins on en sait sur La Visite, plus la première expérience de la voir sera grande.

Chita Rivera est inoubliable en Claire ; une étoile incandescente de la scène Broadway en toute sa gloire, Rivera est irréprochable. Elle a l'air étonnante, chaque centimètre étant la veuve incommensurablement riche. Son maintien et sa stature sont hypnotiques ; quand elle est sur scène ou qu'elle arrive sur scène, vous êtes contraint de la regarder. Alors qu'elle révèle lentement mais sûrement les vérités et les douleurs qui ont forgé sa nature et motivé sa visite, Rivera est une étude dans la vengeance exigeante et l'équilibrage des comptes qui met son Claire à égalité avec Médée ou Électre.

Également, Claire de Rivera est toute femme, avec un souvenir clair de son adoration d'il y a longtemps pour Anton et des résonances de la ville où elle est née. Elle est également spirituelle, et peut livrer une observation, une menace ou une analyse aiguisée avec une précision infaillible. Sa volonté d'acier, son sourire connaisseur, sa démarche gracieuse, son sourire contagieux, son intelligence rapace - ce ne sont là que quelques-unes des facettes brillantes du diamant que Rivera crée en Claire.

À 82 ans, il n'est pas surprenant que Rivera ne puisse pas chanter et danser comme elle le faisait autrefois, mais elle peut encore faire les deux mieux que beaucoup. Son travail dans "Toi, toi, toi", "L'hiver", "L'amour et seulement l'amour" et "Dans la forêt à nouveau" est extraordinaire, captivant et sensuel. Son rapport avec Rees est sans ambiguïté profond - si Roméo et Juliette avaient vécu, ils auraient été comme Rees et Rivera ici. Totalement engagée dans chaque aspect du personnage et du musical, Rivera est constamment un plaisir.

Roger Rees s'accorde continuellement à son engagement. Son Anton est un personnage mercuriel, partagé entre le monde qu'il a laissé derrière et celui qu'il a créé, mais constamment à la recherche d'un moyen d'avoir le beurre et l'argent du beurre. À la fois hanté et opportuniste, Rees fait d'Anton un candidat presque shakespearien pour la rédemption. Sa voix est riche et vraie, et correctement usée lorsque l'ampleur de la tâche qui lui est assignée s'installe. Comme il se doit, le public voit et entend deux extrêmes de la gamme de Rees dans l'interprétation de "Je connais Claire" et "Peur". C'est une performance puissante à tous points de vue.

En tant que Frederich Kuhn, le professeur, Jason Danieley est complètement méconnaissable, sauf quand il chante et alors sa splendide voix le trahit. Il est entièrement immergé dans le personnage, déchiré par le dilemme moral auquel il doit faire face. Cela est le plus évident dans son solo, "Le seul" mais aussi continuellement dans l'ensemble.

Mary Beth Peil, en tant qu'épouse d'Anton depuis de nombreuses années, Matilde, donne une masterclass dans l'interprétation de la douleur et du ressentiment. Avec très peu de mots, elle brosse un tableau très clair du genre de femme qu'elle est et dans ses silences elle est particulièrement éloquente. Lorsqu'elle s'assoit ou se tient dans l'ombre, immobile et vigilante, ses yeux parcourant l'espace, évaluant, calculant, intriguant, elle est captivante. Vous réalisez que vous voulez revoir la production juste pour vous concentrer entièrement sur le travail remarquable de Peil.

Également superbes, à tous points de vue, sont John Riddle et Michelle Veintimilla, qui jouent les jeunes versions de Claire et d'Anton à l'époque de leur grande romance passionnée. Tous deux prennent grand soin d'imiter des aspects de leurs versions plus âgées (et vice versa) et démontrent clairement les enjeux, du moins pour Claire. Le sentiment d'une passion langoureuse, durable mais accablante est presque tangible. Ils chantent et dansent avec l'aisance et l'engagement de deux faits un, avec grâce, avec une conviction totale.

Il n'y a pas de maillons faibles dans la distribution de seize. David Garrison, Matthew Deming, Chris Newcomer et Elena Shaddow sont particulièrement exemplaires, offrant des performances détaillées et nuancées qui sont constamment engageantes et provocantes.

Musicalement, la partition est inlassablement fascinante. Plus dans la sphère de Kiss Of The Spiderwoman que de Chicago, Kander crée un son spécifique pour la ville et les époques de Brachen et utilise différents types de chansons pour souligner des points de développement de personnages ou d'intrigue. "Yellow Shoes", peut-être le morceau le plus évidemment Kander de la partition, est joyeux et entraînant, mais il bouillonne au-dessous d'un développement d'intrigue sérieux. Plusieurs des numéros renforcent l'ambiance, expliquent des points d'intrigue, développent des personnages - mais certains sont simplement magnifiques. "Un tour en voiture" et "Dans la forêt à nouveau" sont des moments musicaux extraordinaires dans une partition parsemée de gemmes.

On soupçonne que si la partition avait été composée par Sondheim, des éloges auraient rapidement été décernés au compositeur. Le fait qu'il soit possible de penser qu'une partition de Kander pourrait avoir été composée par Sondheim en dit plus sur la gamme de Kander et sa volonté d'explorer de nouvelles formes que toute autre chose. Son utilisation de deux chœurs ici est un territoire neuf pour lui mais extraordinairement efficace. En effet, le spectacle n'est jamais meilleur que lorsque l'ensemble chante à pleine puissance, ravivant l'harmonie et la mélodie tout en communiquant, très clairement, le torrent d'émotions et de réactions souterraines.

C'est une partition glorieuse de Kander, l'une de ses meilleures. Qui d'autre a tenté une tragédie de vengeance musicale et a réussi si bien?

Les paroles d'Ebb sont aiguisées et habiles, parfois suffisantes, parfois désinvoltes, parfois romantiques, parfois alarmantes - toujours parfaitement ajustées. Pas une minute n'est perdue. Le conte dévastateur est raconté à un rythme effréné, la pression ne relâche jamais, les révélations et les rebondissements arrivent à la chaîne alors que l'échéance de Claire pour l'acceptation de son offre approche impitoyablement. L'horloge tourne et se reflète dans le dialogue, les paroles et la partition. Il en va de même pour le changement et l'acceptation.

Scott Pask, sûrement le scénographe le plus occupé de Broadway, fournit un cadre parfait pour le récit - un coup d'œil à la grandeur desséchée en dit plus que de nombreuses pages de dialogue sur l'état actuel de Brachen et ce que seraient les souvenirs de Claire à son sujet. Japhy Weideman éclaire chaque recoin de l'espace quand c'est nécessaire et crée des changements d'ambiance importants avec des teintes qui semblent faire partie de la partition. Les costumes d'Ann Hould-Ward sont tout à fait parfaits.

Doyle et la chorégraphe Graciela Daniele veillent à ce que les images de la scène soient toujours enchanteresses. Daniele n'a pas de grands numéros à mettre en scène, mais elle parvient à imbuir ceux qui nécessitent de la danse de mouvements stylés et entièrement appropriés. Les tourbillons séducteurs et ballets des jeunes Anton et Claire et la routine "Yellow Shoes" sont à l'opposé, mais saisissants dans leur vérité.

La direction musicale de David Loud était exemplaire. La musique est jouée avec verve et ferveur, et il veille à ce que le chant soit impeccable et la diction cristalline. L'orchestre de dix musiciens couvre de nombreux instruments et la variété tonale était bienvenue; si l'on ne peut pas avoir un orchestre plus grand, alors un tel ensemble est un excellent compromis.

Ne vous méprenez pas : ce n'est pas une comédie musicale. C'est quelque chose d'entièrement différent. Si vous l'embrassez et la laissez vous submerger, vous serez richement récompensé. C'est de première classe à tous points de vue et, plus important pour la vie de la forme musicale, une direction nouvelle - mais dévastatrice - et invigorante.

RÉSERVEZ VOS BILLETS POUR LA VISITE À BROADWAY