CRITIQUE : La Tempête, Théâtre Eel Brook ✭✭✭✭

La Tempête

14/10/15

Eel Brook Theatre, Fulham

4 Étoiles

La dernière pièce de Shakespeare ne déçoit jamais. De chaque production ou adaptation que j'ai vue au fil des années, j'ai appris quelque chose de nouveau, même si je n'ai pas aimé le concept directeur. Il y a une telle diversité formelle, densité métaphorique dans le langage, et une expertise dramaturgique dans la construction que chaque occasion offre une nouvelle interprétation d'une idée rare, peut-être même pas voulue ou appréciée par l'équipe créative responsable. Il n'y a pas de gaspillage, pas de remplissage, pas d'excès ou de superflu. C'est un truism, mais toujours bien sûr vrai, que Prospero, le magicien souverain qui finalement enterre son livre, brise son bâton et libère son 'esprit aérien', est Shakespeare lui-même à la fois résumant et disant adieu à son art.

Pour une œuvre tellement travaillée et consciemment créée, elle est également très flexible, capable de nombreuses interprétations différentes… anti ou post-coloniales, Prospero comme magus (Dr Dee) ou impresario (Peter Greenaway). Il n'y a pas de carte unique pour naviguer sur cette île miraculeuse qui n'est pas seulement ‘pleine de bruits’, mais remplie d'un monde de presque infinies suggestions.  Une clé du succès semble évidente cependant. Toute production serait avisée d'utiliser toutes les ressources de l'art scénique – son, lumière, musique, costume, maquillage, design de décor, projection vidéo et mouvement chorégraphié – car cette pièce est aussi proche que possible d'un opéra ou d'un ballet qui cherche à unifier tous les arts dans une cause commune.

C'est l'un des accomplissements les plus remarquables de cette production continuellement intrigante et réfléchie du London Theatre Workshop qu'ils comprennent entièrement ce point, et utilisent la discipline d'un budget minuscule pour créer une expérience sensuelle et cinétique qui vous emmène loin d'une nuit pluvieuse à Fulham vers un monde de suggestion magique que de nombreuses productions généreusement financées manquent complètement.

Le décor impressionne dès le premier regard. Deux voiles carrées dominent, l'une au-dessus d'une vieille palette (qui double en tant que le petit bateau dans lequel Prospero et Miranda sont abandonnés), l'autre placée au-dessus d'une entrée de grotte, encadrée de bois, qui est la cellule de Prospero. Les murs du fond sont remplis de papiers blancs froissés pour symboliser les vagues et les falaises de l'île. Il y a une dispersion de livres et de boîtes en bois autour des côtés et c'est tout.

Pourtant, ces ressources apparemment maigres font un travail remarquable pour évoquer l'atmosphère et la couleur. Les voiles servent d'écrans de projection pour la scène de la tempête, les livres prennent vie sous forme d'oiseaux et de viandes magiques mais pas de manière à imiter Les Livres de Prospero, et la plateforme donne une dimension verticale à l'action et un point de vue pour Prospero et Ariel pour observer la scène. Surtout, il y a encore assez d'espace de proscenium pour des mouvements élaborés qui permettent à tous les personnages d'être présents sur scène offrant une interprétation visuelle du texte à des moments clés. Les concepteurs de décors et de props ont accordé imagination et économie pour produire des résultats très fins – tout le mérite revient à Justin Williams, Harry Johnson, Anna Nguyen et Dominika Visy.

Intégré à cela se trouve une bande sonore bien soutenue qui fonctionne presque continuellement de l'arrivée des dignitaires naufragés sur l'île jusqu'à ce que la magie soit abandonnée. L'île est vraiment 'pleine de bruits' tout au long de manière convaincante et plausible, grâce à la conception sonore électronique d'Edmund Shaw et à la musique et aux chansons envoûtantes de James Neale. L'effet global est à la fois de beauté et de mystère troublant qui semble tout à fait adapté pour un monde de 'magie rude'.

Les designs de costumes et d'éclairage parviennent également à faire beaucoup avec des moyens limités. L'équipe d'éclairage de Jordan Lightfoot et Ben Homer nous offre un début habile avec une tempête et un naufrage très efficaces, et Evie Holdcroft et Ray Rackham donnent à chaque personnage une tenue distinctive et appropriée qui vous dit immédiatement quelque chose sur leur rang et statut tout en trouvant également des touches exotiques. Une torsion de turban pour un noble, une robe magique scintillante convenable pour Prospero, une peau rugueuse pour un Caliban déjà naturellement hirsute….

Passons donc au casting et aux acteurs. Il s'agit d'une production non genrée où il y a six femmes et trois hommes. Les acteurs jouant Miranda et Ferdinand doublent également comme Trinculo et Stephano, et Ariel apparaît comme le maître d'équipage. Cette stratégie n'a posé aucun problème à mon avis et n'a pas gêné des performances convaincantes comme cela aurait pu se produire si Ferdinand ou Caliban avaient aussi changé de genre. Prospero en particulier ne me semble pas être un rôle intrinsèquement genré – ce qui est requis, c'est une autorité naturelle et parfois alarmante, puis la capacité de l'abandonner. Le genre n'est pas la question ici. Ralph Richardson a dit un jour que quand John Gielgud montait sur scène, le public n'avait pas besoin qu'on lui dise qu'il était le Duc de Milan – il l'était évidemment; alors que quand lui (Richardson) montait, ils supposaient qu'il était plombier!

Le Prospero de Karen McCaffrey est une prestation mise en place à la dernière minute grâce à un changement de casting de dernière minute et mérite d'être saluée malgré les limitations inévitables. Sa déclamation du texte était minutieuse, bien articulée et toujours claire, mais manquait de la variété de coloris et de nuance qu'un temps de répétition plus long aurait pu offrir. Elle était plus à l'aise pour céder l'autorité et remettre de l'ordre dans le microcosme de l'île que pour afficher la colère et la souveraineté impérieuse et brusque. Sa relation avec l'Ariel de Joseph Law était touchante et moins manipulatrice que d'habitude – il y avait en fait beaucoup plus de tendresse à l'affiche que d'habitude dans ce rôle, et bien avant que le pardon ne devienne l'ordre du jour dans l'acte final. Les forces et faiblesses de son approche étaient évidentes dans son interprétation de ce discours extraordinaire 'Vous, elfes des collines, ruisseaux, lacs immobiles et bosquets' où la gamme émotionnelle et technique doit passer d'une rage dangereuse à la Lear à une acceptation douce et au pardon. Il y avait trop peu de la première, mais la seconde impressionnait.

En tant que Miranda et Trinculo, Samantha Béart a donné deux performances très impressionnantes et contrastées, avec une énergie effrontée commune et une inventivité débordante, et un soin particulier au texte. Stevie Basaula était moins en phase avec les formalités de la diction soignée de Ferdinand mais pleinement à l'aise avec la comédie au pinceau large de la bouffonnerie ivre de Stephano. Ruskin Denmark était un Caliban constamment bon, jouant avec une audace physique et une grande sensibilité aux mots – vous ressentiez chaque pincement et piqûre avec lui, et quand il le fallait, il n'hésitait pas à embrasser les exigences rhétoriques de certains des plus beaux versets de la pièce. L'Ariel de Joseph Law était tout aussi bon – tellement de l'énergie et de l'orientation de l'action est dévolue à lui par Prospero qu'Ariel doit être un impresario vif-argent pour que les événements ne traînent pas. Ce qu'il était, à la fois vulnérable, mystérieux, et alarmant selon les besoins des circonstances, avec quelques belles touches d'invention comique pour couronner le tout.

Le groupe des naufragés de Sebastian, Gonzalo, Alonso et Antonio a été dirigé très largement comme un groupe, et était présent comme une sorte de chœur pendant une grande partie de l'action, faisant écho à l'ambiance de la scène dans un mouvement bien modulé. Cela a servi à donner à leur sous-intrigue une plus grande visibilité que d'habitude et il y avait beaucoup d'opportunités pour les individus de briller à la fois dans la comédie et l'empathie. Le Gonzalo de Marie Blount était peut-être le plus expressif de tous en tant que conscience du public, nous rappelant les torts faits à Prospero et Miranda.

Le directeur Brandon Force et le directeur du mouvement Liam Steward-George méritent un grand crédit pour avoir créé une production aussi dynamique et détaillée avec une exploration visuelle, chorégraphique et textuelle continue au cœur. De manière cruciale, ils n'essaient pas de dissoudre ou d'expliquer tous les mystères et enchantements de cette pièce infiniment fascinante mais cherchent simplement à les évoquer de manière mémorable. Ainsi, quand les réjouissances s'achèvent et que vous êtes ramené à une nuit d'automne à Fulham, ‘Vous goûtez encore certaines subtilités de l'île, qui ne vous laisseront pas croire aux choses certaines….’

La Tempête se joue au London Theatre Workshop jusqu'au 24 octobre