CRITIQUE : La Mégère Apprivoisée, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭✭

La Mégère Apprivoisée

New Wimbledon Studio

27 mai 2015

5 Étoiles

RÉSERVER DES BILLETS Un débauché à la langue bien pendue, une canette de bière à la main, était affalé devant l'entrée du New Wimbledon Studio quand je suis arrivé pour la soirée de presse de cette nouvelle production de La Mégère Apprivoisée. Je n'y ai plus pensé jusqu'à ce que le même individu émerge dans le théâtre avant le lever de rideau, interagissant bruyamment avec le régisseur, renversant quelques chaises et causant de légères perturbations aux spectateurs. Puis la vérité m'a frappé : la pièce avait déjà commencé et nous étions au cœur, non pas d'un incident impliquant la police, mais d'une version brillamment improvisée de « L'Induction », le dispositif encadrant la pièce dans la pièce qui constitue cette comédie initiale de Shakespeare. En tant que Christopher Sly, l'ivrogne à distraire et divertir, Christopher Neels nous a offert la première d'une série de nouvelles et perçantes perspectives sur ce qui est devenu une « pièce à problèmes » dans la tradition des productions récentes, par opposition à une des œuvres légères et pétillantes du début de Shakespeare. Cette pièce a un passé trouble. Datant du début des années 1590, il existe deux versions dont la relation entre elles et la contribution exacte de Shakespeare à chacune reste un sujet de débat académique. Le texte est « impur » au sens littéral car il pourrait provenir de l'un des « mauvais quartos » issus de copies de répétition et publiés avant le Premier Folio. De plus, il a également eu une réception critique défavorable, surtout de la part de George Bernard Shaw, qui l'a décrit comme « une insulte vile à la féminité et à la masculinité du début à la fin ». Et ces dernières années, il a été décrié sous des angles féministes qui voient la confrontation soutenue entre Petruchio et Katerina comme impossible à jouer complètement sans ironie ou dispositifs d'encadrement. À mon avis, ces arguments, ainsi que les arguments parallèles sur l'antisémitisme dans Le Marchand de Venise, peuvent être exagérés et, d'une certaine manière, manquer leur but. Nous devrions d'abord reconnaître que le fait que Shakespeare ait fait de la Mégère une pièce dans la pièce signifie qu'il a lui-même mis un dispositif d'encadrement pour ne pas la prendre au sérieux littéralement, et ensuite que ce sont ultimement les choix faits par le metteur en scène et la compagnie qui détermineront nos réactions à ce texte - il peut être joué de manière ironique, farcesque ou historique (c'est-à-dire comme une expression des idées de la Renaissance sur la hiérarchie sociale et l'homme et la femme post-lapsarien). De nombreuses options sont possibles, et nous devons suspendre notre jugement jusqu'au baisser de rideau final. Arrows and Traps et le metteur en scène Ross McGregor nous apportent une version inversée en termes de genre de la pièce dans le cadre d'une saison intrigante consacrée au thème de l'« Amour en temps de guerre ». À en juger par cette production innovante et vivante, leurs interprétations de Titus Andronicus et de Tout est bien qui finit bien seront des séances incontournables plus tard cet été. Nous sommes plongés dans un décor simple et flexible qui fonctionne bien à la fois pour les scènes de rue et les intérieurs, avec peu de temps perdu en changements de décor. C'est une longue soirée en termes de durée, mais elle ne semble pas l'être en rythme, car les épisodes défilent avec une rapidité et une économie louables, tout en permettant aux quelques discours de réflexion et de repos de prendre tout leur poids. À l'exception des personnages principaux, chaque acteur joue plusieurs rôles et c'est là que l'on voit le bénéfice de travailler avec une troupe régulière qui se connaît bien et qui est à l'aise dans un travail d'ensemble flexible. Il y a de l'énergie, de l'inventivité et de la fluidité dans le déroulement de l'action et un fort sens visuel à l'œuvre pour créer des tableaux efficaces. Cela signifie qu'il importe peu que le budget soit limité : par exemple, le chœur des cuisiniers et servants timorés lors de la scène du banquet est si bien chorégraphié que vous oubliez la présence de très peu d'accessoires sur scène. C'est du Shakespeare où les valeurs et le focus sont au bon endroit, à savoir une réévaluation minutieuse du texte, avec un œil pour la meilleure communication possible de cette vision avec rythme, esprit de d'élocution et un mouvement scénique saisissant. Il y a aussi quelques charmantes interludes chantées qui émergent naturellement de la pièce, dans la meilleure tradition de la comédie musicale, qui servent à encapsuler l'ambiance à plusieurs moments de l'action. Alors, que tirons-nous de l'inversion des genres dans la pièce ? Que nous apprend-elle ? Premièrement, le tranchant des confrontations est en partie adouci, qui semblent d'une certaine manière plus humoristiques et moins cruelles. Les chamailleries des prétendants restent certainement méchantes, avec un excellent travail en particulier de la part de Jean Apps dans le rôle de Gremia ; les mères fanfaronnent et menacent tout aussi efficacement que le feraient des pères - ici, une Vincentia impressionnante, armée de son sac à main (Bridget Mastrocola) se démarque. Bianco (Samuel Morgan-Grahame) est re-casté en garçon chéri et gâté par sa maman, et Trania (Gemma Salter), imitant Lucentia (Remy Moyes) pour la majeure partie de l'action, brille par son invention comique et volage. Mais la pièce repose ou tombe sur l'interaction entre Petruchia (Elizabeth Appleby) et Cajetano (Alexander McMorran). J'ai eu le sentiment que McMorran aurait pu être encore plus difficile et déraisonnable dans son jeu des premières scènes – le voyage de là à son interprétation fine, digne et convaincante du discours de soumission final doit être long, que l'on considère qu'il est une victime ou non. Mais l'interprétation loufoque et enjouée d'Appleby de Petruchia était un pur délice comique. Son refus constant de s'engager avec le point de vue et les souhaits de Kajetano avait quelque chose de Jennifer Saunders à son apogée dans Fini de rire. Et puis, en habitant un monde comique alternatif pendant une grande partie de la pièce, sa reconnaissance finale de l'amour était d'autant plus touchante - et certainement la première fois qu'elle m'avait jamais touché. Cela m'amène à ma deuxième observation sur le concept inversé de la pièce — qui est que l'esprit et la vivacité compétitive des échanges sont en quelque sorte au-dessus du genre, et doivent être joués avec une sorte de précision militaire déterminée d'exécution des revirements d'humeur pour emmener le public avec la plaisanterie et l'action dans un sens d'anticipation impatiente de ce qui pourrait arriver ensuite. Je suppose que c'est une autre version de la remarque de Noël Coward selon laquelle la comédie est à son comble quand elle est jouée avec un sérieux mortel…

Le problème que j'ai toujours eu dans le passé avec cette pièce est le caractère implacable du processus d'« apprivoisement » qui, dans les productions précédentes que j'ai vues, n'était perçu que comme fastidieux, plutôt que cruel, sans parler de drôle. Pour cette raison, j'ai été plus attiré ces dernières années par les charmes pleins d'esprit, urbains et séduisants de la version de Cole Porter plutôt que par l'original de Shakespeare. Le meilleur compliment que je puisse faire à cette excellente production est qu'elle m'a fait penser beaucoup plus gentiment à la pièce originale et a dissipé de nombreuses angoisses que j'avais à propos du matériel. Ne la manquez pas pendant que vous pouvez.

La Mégère Apprivoisée est à l'affiche au New Wimbledon Theatre Studio jusqu'au 20 juin 2015.