CRITIQUE : The Sum Of Us, Above The Stag Theatre ✭✭✭✭

The Sum Of Us

Above the Stag

11/09/15

4 Étoiles

Une partie de la mission de Above the Stag est de nous rappeler des pièces notables sur des thèmes gays qui n'ont pas toujours reçu l'attention qu'elles méritaient, ou dont l'actualité continue et la valeur universelle ont besoin d'être réaffirmées. The Sum of Us de David Stevens entre parfaitement dans ces deux catégories, et bénéficie maintenant d'une nouvelle mise en scène bienvenue pour le lancement de la saison d'automne.

Cette pièce est à la fois connue et moins bien connue. Dans ce pays, elle est beaucoup plus familière dans sa version cinématographique de 1994, avec Russell Crowe et Jack Thompson, plutôt que dans son incarnation antérieure et en quelque sorte très différente pour la scène. Le film élargit considérablement l'action d'une manière que la pièce ne peut égaler et contient des performances très fines qui ont eu tendance à inhiber d'autres productions en dehors de l'Australie ; c'est donc une occasion rare et intrigante de revoir une œuvre qui a été un moment déterminant non seulement pour le théâtre gay australien, mais plus largement pour le théâtre australien au début des années 90.

L'action se déroule dans le salon à aire ouverte d'un appartement meublé dans le style des années 90. Je ne peux pas garantir l'exactitude du détail australien, mais l'ambiance générale de l'époque semblait provenir de la bonne ‘chambre de mémoire’. C'est la maison du veuf Harry (Stephen Connery-Brown) et de son fils Jeff (Tim McFarland). En 1992, un public s'attendrait sans doute à un scénario antagoniste d'incompréhension mutuelle entre un père hétéro et un fils gay, mais David Stevens déjoue et impressionne habilement en défiant les hypothèses faciles et en écrivant une pièce sur une relation de profonde empathie et de soutien mutuel. Harry non seulement est à l'aise avec la sexualité de son fils d'une vingtaine d'années mais est également décontracté au point d'acheter une sélection de magazines pour s'assurer que Jeff est informé des dangers du SIDA/VIH, et accueille ses rendez-vous et ses aventures d'un soir chez lui, parfois de manière intrusive.

La pièce se divise globalement en trois sections. Dans la première, le ton est largement comique, explorant cette dynamique de ‘drôle de couple’ à travers les péripéties d'une vie domestique inattendue. Dans la deuxième partie, d'autres personnages sont introduits. Le père et le fils fréquentent chacun d'autres personnes, avec Harry explorant les possibilités par l'intermédiaire d'une agence de rencontres et Jeff rencontrant des gars dans les pubs et clubs locaux. Nous assistons à leurs expériences mutuellement malheureuses avec Joyce (Annabel Pemberton) et Greg (Rory Hawkins), bien que le matériau soit encore joué plus pour l'humour que pour le pathos. Dans la section finale, le ton est beaucoup plus sombre, bien que la fin offre une certaine attente modeste d'une issue positive pour au moins deux des quatre personnages.

On peut imaginer pourquoi et comment cette pièce a eu un tel impact il y a plus de vingt ans. La pièce offre une déclaration fière et confiante selon laquelle les vies gays concernent des hommes et des femmes profondément impliqués dans des familles comme tout le monde ; et que ces familles sont autant aimantes et solidaires qu'atomisées ou dysfonctionnelles. Ce sujet était nécessaire et important à l'époque et il l'est toujours, bien qu'à un moindre degré, aujourd'hui. Dans les années 90, on racontait que des hommes emmenaient leurs parents voir cette pièce comme moyen de faire leur coming-out, et je pourrais imaginer que cela pourrait toujours être vrai, surtout lors d'une tournée en dehors des centres métropolitains.

La pièce contient de très beaux, riches, authentiques passages de dialogue tout au long qui couvrent une large palette émotionnelle – tour à tour poétiques, naturalistes, subtilement drôles et véritablement tendres. Les échanges entre père et fils ont l'aisance, le flot et le charme qu'on attendrait de ce scénariste vétéran. Il y a plusieurs monologues dispersés tout au long où les acteurs abandonnent le réalisme, et ceux-ci ont une qualité cinématographique, picturale dans l'écriture et la visualisation qui est des plus impressionnantes. Ils servent à souligner l’ambiance de l’écriture et à remplir le passé des personnages de façon très émouvante - surtout, peut-être, le récit abstrait d’une femme en deuil dans un train comme symbole des ‘larmes des choses’.

La question la plus pressante que la pièce soulève pour le critique est de savoir si la quantité pure de bonté affichée inhibe le rythme dramatique et la tension. Bien qu'il y ait une réelle tristesse sombre, notamment dans les dernières étapes, il n'y a pas beaucoup de complot et vous devez vous demander, parfois, si c'est un autre cas de paradis étant ennuyeux, laissant au diable un monopole sur toutes les meilleures mélodies. Quand Greg quitte la maison prématurément dans la première moitié, il se plaint en sortant que l'atmosphère est trop ‘domestique’ en toute sécurité, et pas assez sexy ou animée. Devrait-ce être notre position également ? Quand Jeff appelle Harry ‘le meilleur papa’, il y a eu un soupir empathique collectif de la part du public, mais cela a-t-il vraiment été dramatiquement mérité, ou juste une partie du ton général feel-good ?

En équilibre, la pièce s'élève toujours au-dessus de ces préoccupations. L'empathie bien intentionnée entre les générations a également son côté plus rude. Par exemple, nous ressentons profondément l'embarras de Jeff face à l'intrusion de son père dans son espace romantique même à travers la comédie, et nous apprenons que la compréhension actuelle de Harry n'était pas toujours la sienne. Il y a un moment exceptionnel vers la fin lorsque nous entendons l'histoire de la mère âgée de Harry et de son partenaire lesbien de longue date, et combien son engagement positif actuel a été péniblement acquis à leurs dépens.

Briser le quatrième mur est une partie importante de l'approche de l'auteur dans cette pièce, mais cela fonctionne moins bien maintenant que cela n'aurait pu le faire à l'époque de la première production. Il y a un sentiment, surtout au début, que cette stratégie est ici en partie pour séduire un public original qui pourrait être sceptique ou hostile, et cela n'est guère nécessaire maintenant. C’est le seul point où la pièce semble vraiment datée et c’est dommage donc que David Stevens ne soit pas revenu sur cet aspect dans l’intervalle. Il aurait peut-être pu plutôt jouer davantage avec les séquences temporelles, étant donné la force de son écriture monologique, pour créer et évoquer des ambiances contrastées, qui compenseraient le manque relatif de développement de l'intrigue.

Les deux performances centrales sont magnifiquement détaillées, techniquement solides et très touchantes dans leur exécution. Les deux principaux acteurs forment une combinaison père-fils plausible et chacun d’eux réussit très bien à transmettre une belle gamme d’émotions, y compris la frustration et l’incompréhension l’un envers l’autre, ainsi qu’un amour durable.

Les deux rôles plus petits offrent moins d'opportunités pour établir un personnage nuancé, mais néanmoins les deux acteurs saisissent bien leurs meilleurs moments. Pemberton a le seul rôle antipathique, et si quelque chose sa prestation sous-joue les bords durs qui doivent être là dans une pièce où l'empathie chaleureuse est la norme. Elle a également un point puissant à faire valoir au-delà de sa réaction homophobe à l'égard de Jeff – à savoir que si Harry ne partage pas la vérité de sa vie familiale avec elle, comment peut-elle lui faire confiance d'autres manières ? De même Hawkins trouve l'embarras physique et verbal nécessaire pour transmettre la difficulté qu'un étranger rencontre en entrant dans un cadre domestique cosy établi, malgré toute sa grâce inattendue.

Les valeurs créatives sont généralement fortes avec un crédit particulier au designer David Shields pour une transformation merveilleuse du décor dans la scène finale qui a mérité une salve d'applaudissements et au directeur Gene David Kirk qui a utilisé son expérience du Jermyn Street Theatre pour tirer pleinement parti de l’espace physique restreint à Above the Stag.

C’est un début notable pour la nouvelle saison et a été beaucoup apprécié par un public venu en nombre.

THE SUM OF US EST À L'AFFICHE DE ABOVE THE STAG JUSQU'AU 4 OCTOBRE 2015