CRITIQUE : Le Chef de Gare, Théâtre Tristan Bates ✭✭✭

Le Chef de Gare

Théâtre Tristan Bates

11 Novembre 2015

3 Étoiles

Les comédies musicales exigent une suspension d'incrédulité intégrée ; chanter au lieu de parler le garantit dans une certaine mesure. Ainsi, les ateliers ou lectures mises en scène de nouvelles comédies musicales ont souvent une avance - les gens s'attendent à faire des concessions et le font. Mais il y a un revers à cela : la musique peut être jugée trop sévèrement, par exemple, parce qu'il n'y a pas d'orchestrations orchestrales ou de soutien ou que toutes les voix ne sont pas idéales comme elles pourraient l'être dans une production complète. À moins que l'on puisse orchestrer dans sa tête, cela peut être un gros problème ; imaginer un meilleur chant n'est généralement pas un problème.

Ces problèmes peuvent sembler accentués ou éclipsés par le livret. Lorsque le livret est une quantité connue ou attendue, la partition reçoit un soutien inhérent ; lorsque le livret est nouveau ou inattendu, la partition peut être noyée par l'attention accordée au livret ou à ses paroles. Les adaptations d'œuvres connues peuvent exacerber ces problèmes : si l'adaptation ne suit pas l'esprit ou la forme de l'original, le mystère quant au "pourquoi du changement ?" peut tout submerger.

Ces réflexions se concentrent vivement lorsqu'on considère la production de Bronagh Lagan de Le Chef de Gare jouant actuellement au Théâtre Tristan Bates dans le cadre de la saison annuelle Page To Stage d'Aria Entertainment, qui vise à encourager le développement et le raffinement du nouveau théâtre musical. Avec une partition et des paroles de Tim Connor et un livret de Susannah Pearse, il s'agit là d'une adaptation très libre de la célèbre pièce allemande, Le Jugement Dernier, d'Ödön von Horváth.

Dans sa forme originale, la pièce est un thriller psychologique construit sur des émotions réprimées, des sentiments atténués, des passions réveillées et une culpabilité avec un grand C. Un chef de gare méticuleux, dont l'épouse aigrie s'éloigne de lui, est momentanément distrait de ses fonctions par les attentions sensuelles d'une jeune femme attirante. Distrait, il omet de stopper un train de passagers à sa gare, ce qui entraîne un accident où des vies sont perdues. Le couple ment sur ce qui s'est passé, mais la femme du chef de gare a été témoin de l'événement et en parle. S'ensuivent un torrent de chagrin, de reproches, d'excuses, d'acceptation et un autre décès accidentel. Les villageois laissent leurs sympathies osciller comme un cerf-volant dans le vent. Alors que le chef de gare décide que le suicide est la réponse appropriée, sa femme intervient.

La pièce est conduite par les pensées, actions et comportements de la femme du chef de gare. Ce qui la pousse à dire et à faire ce qu'elle fait, comment elle change et s'adapte, comment elle affecte le comportement des autres est le véritable pouls de la pièce. Le sens germanique de la précision est palpable aussi, tout comme les notions de classe et une présomption que la passion est contenue, contrôlée.

La version musicale adopte une partie de cela, mais l'accent n'est jamais vraiment mis sur la femme ou ses actions. Plutôt, le prisme est déplacé pour être plus nettement réfléchi sur le chef de gare lui-même. De plus, l'action est relocalisée dans l'Angleterre rurale, le Lake District, un endroit où la précision des horaires ou la sexualité réprimée (du type présent ici) ne sembleraient pas des caractéristiques évidentes. Bien que rendre le cadre plus local facilite l'accès aux types de personnages et à une certaine comédie large, il y a une perte disproportionnée des sous-courants évocateurs de l'original.

En partie, cette perte est due à la mise en scène et au casting. La mise en scène de Lagan est au mieux sommaire, et au pire, sans imagination et trop compliquée. Même en tenant compte, comme il se doit, du manque de ressources ici disponibles, il n'y a pas grand-chose dans la production qui appelle l'attention.

Les trois personnages centraux nécessitent des performances assez spécifiques pour faire en sorte que la comédie musicale, eh bien, chante. Le chef de gare, adoré et sur un piédestal aux yeux des villageois, est un type John Proctor - un homme charismatique et viril qui peut devenir ami avec n'importe qui et obtenir la confiance de tous. Sa femme est un genre de Femme du Boulanger, perdue et en quête, principielle et souffrante. Et Anna, la jeune femme du village, qui tue des gens avec un baiser mal chronométré, est jolie, populaire et désireuse de s'échapper, quelque peu assimilable à une figure de Raiponce. Trouvez ces trois rôles parfaitement castés et la pièce prendra tout son sens.

Ici, aucun de ces rôles n'est joué tout à fait correctement, bien que chacun ait ses moments et que tous puissent chanter. Les tonalités presque opératiques, mais pas constantes, de Jessica Sherman ont mis sa Catherine en contraste frappant avec le ténor plus Broadway du Chef de Gare de Nigel Richards, mais ce n'était pas une mauvaise chose. Séparément, ils ont bien servi l'œuvre musicalement et narrativement. Anna d'Emily Bull gagnerait à être une sous-brette plus séduisante ; des tonalités vocales idiosyncratiques aideraient à renforcer le pouvoir, la tentation séduisante que le personnage représente, à fleurir plus vivement.

Bien sûr, ces interprètes auraient eu relativement peu de répétitions et la partition de Connor est techniquement très exigeante. Mais le travail acharné qu'ils font montre clairement que si Julian Ovenden, Jenna Russell et Anna O'Byrne (pour ne citer que quelques suspects évidents) étaient lâchés sur ce matériel, quelque chose de spectaculaire pourrait en résulter.

La partition de Connor doit une dette considérable à Sondheim, mais, cela dit, elle emprunte des chemins très intéressants. Complexes et intriquées, les mélodies et harmonies récompensent une écoute attentive, mais il n'y a pas de danger d'une "mélodie fredonnable" pour la plupart, même si les numéros individuels et les lignes vocales sont assez séduisants, instantanément agréables.

La chanson qui ouvre le deuxième acte est mal conçue et doit être remplacée. Au milieu d'une bataille autour de l'intégrité, de la vérité et des conséquences, un pauvre cousin du Lonely Goatherd n'est pas seulement discordant mais incompréhensible. De même, l'enfant d'amour flagrant de "Being Alive" qui concluait le premier acte devrait être remanié ; quelque chose de plus proche de Climb Every Mountain en sentiment pourrait être plus persuasif.

Vocalement, le reste du casting était excellent dans les numéros d'ensemble plus larges et certains travaux individuels étaient solides. Annie Wensak, en tant que Margo Leadbetter du village, la fabriquante de confiture de framboises, élitiste moralisatrice, Mme Deakin, a apporté quelques touches de comédie fines (bien nécessaires étant donné l'obscurité du récit) mais manquait de cohérence.

Cependant, le but de cette production est de mettre en valeur une œuvre de théâtre musical comme travail en cours, et, par conséquent, il ne fait aucun doute qu'elle réussit : malgré des défauts évidents et un besoin de raffinement dramaturgique, Le Chef de Gare a clairement du potentiel. Les rumeurs de la mort de la nouvelle comédie musicale britannique sont grandement exagérées.

Bravo à Aria Entertainment pour avoir fait le gros du travail pour s'assurer que ces rumeurs restent exagérées. From Page To Stage se poursuit jusqu'au 21 novembre et vaut bien le temps de quiconque s'intéresse au théâtre musical.

Le Chef de Gare se joue au Théâtre Tristan Bates jusqu'au dimanche 15 novembre 2015