CRITIQUE : The Spitfire Grill, Union Theatre ✭✭✭✭✭

Photo : Darren Bell The Spitfire Grill

Union Theatre

24 juillet 2015

5 Étoiles

Prenez un espace vide. Éclairez-le avec perspicacité et compétence. Ajoutez un groupe approprié, à la fois pour la partition et l'espace. Assurez-vous que le groupe est dirigé par un musicien intéressé autant par la partition que par l'accompagnement. Distribuez les rôles avec soin et une compréhension du potentiel. Assurez-vous que tout le monde est dans le même canoë, pagayant en amont avec une vigueur égale. Prenez des risques mesurés et réfléchis. Ouvrir. Croisez les doigts pour que le public voie et entende ce que vous faites.

Si quelqu'un publiait un recueil de "recettes pour de bonnes productions de comédies musicales inconnues ou nouvelles", alors, basé sur sa production de The Spitfire Grill, actuellement présentée à l'Union Theatre, la contribution d'Alastair Knights irait dans ce sens, car c'est le sentiment que sa production astucieuse, vive et totalement captivante engendre.

Basé sur le film homonyme de 1986 de Lee David Zlotoff, cette version musicale de The Spitfire Grill se targue d'une collaboration inhabituelle en son cœur. Le compositeur James Valcq et le parolier Fred Alley ont conjointement produit le livret. La comédie musicale a fait ses débuts Off-Broadway en 2001 après avoir reçu le Richard Rodgers Production Award; cet honneur lui a été accordé par un comité comprenant Lynn Ahrens, Sheldon Harnick et Richard Maltby Jr, et présidé par Stephen Sondheim.

Sondheim était, comme d'habitude, pile dans le mille.

The Spitfire Grill est une pépite musicale. La partition de James Valcq est richement gratifiante et crée une atmosphère musicale véritablement captivante qui aide à façonner et à diriger le récit. Il crée un véritable univers musical pour les personnages et, dans cet univers, chaque personnage a des airs et des phrases qui aident à les éclairer et à définir leur rôle dans l'histoire. Ce n'est pas une partition à la Sondheim, mais elle a un effet similaire. Les chansons sont dérivées de la situation, du lieu, du pouls du récit ; elles ne sont pas greffées comme des pensées secondaires ou des ornements superficiels.

Il y a de nombreux passages musicaux palpitants, certains doux et déchirants, ainsi que des numéros joyeux et colorés (et mélodiques). C'est le genre de partition qui vous enveloppe par son charme et son esprit et, à la fin, vous avez juste envie de l'écouter à nouveau.

En grande partie, c'est grâce à la direction musicale précise de Simon Holt. L'équilibre est souvent un problème pour les productions à l'Union Theatre, mais pas ici. L'orchestre accompagne correctement les chanteurs et prend son rythme d'eux. La diction est primordiale, à juste titre. Le plus impressionnant, c'est que Holt permet et soutient les chanteurs dans des passages occasionnels de chant très doux. Ce genre d'embrassade du son acoustique est si inhabituel de nos jours d'amplification excessive, que l'effet est envoûtant. Des performances honnêtes et pénétrantes imprégnées d'une riche musicalité : rare et gratifiant.

Knights, pour sa part, excelle également. Il est plus rare d'entendre un directeur de comédies musicales qui ne veut pas "imposer sa marque" sur un travail musical. Mais Knights est de ceux-là : une licorne théâtrale. Tout ce qu'il fait avec cette pièce est conçu pour éclairer le texte et le personnage et pour établir l'humeur, la véracité et l'inspiration. Il maintient le rythme, permet doucement aux personnages et aux situations de révéler leur complexité, et évite soigneusement toute sentimentalité excessive. Tout est jugé avec un œil remarquablement clair et surtout, chaque recoin de la production est imprégné de cœur.

Sa décision d'ouvrir la production avec une scène nue est à la fois pratique et inspirante. Au début de l'histoire, le personnage central, Perchance Talbot (Percy) est seule et essentiellement dépourvue de tout, ayant juste été libérée de prison. Donc, la faire apparaître sur scène seule dans un espace nu correspond exactement aux circonstances que le livret et la partition explorent au départ.

Quand Percy arrive à Gilead, Wisconsin, elle n'a toujours rien et, comme elle le découvre, il ne se passe pas grand-chose à Gilead. Donc l'absence de décors à Gilead souligne la nature désolée de la ville. Mais comme Percy influe sur les habitants de Gilead avec lesquels elle interagit, Gilead renaît, trouve son propre sens de la valeur, par et grâce aux interactions des habitants avec Percy. Tel un grain de sable dans la coquille, Percy irrite et transforme. Là où il y avait silence, mélancolie et défaite, il y a maintenant acceptation ouverte, confiance et espoir. Quand Hannah, la propriétaire grincheuse du restaurant éponyme, introduit impulsivement une nappe en vichy fraîche, propre et vibrante dans le monde de Gilead, vous savez que les perles peuvent commencer à scintiller à la lumière.

L'intrigue est imprévisible, c'est rafraîchissant, même si au début, il semble autrement. Knights joue merveilleusement avec cela. Les performances sont pleines de zeste et nuancées, mais elles semblent également familières - il y a une sorte de gestalt appelant des impressions et influences de nombreux spectacles et films américains. Mais rien n'est ce qu'il paraît, et Knights s'assure que les surprises, lorsqu'elles arrivent, sont véritablement maladroites ou confrontantes ou accablantes. Seul le cœur le plus dur ne chercherait pas un mouchoir à un moment donné du deuxième acte - telle est la beauté poignante et la nature fondamentalement porteuse de vie de la vision de Knights ici.

Bien sûr, un bon casting est une qualité essentielle d'un grand directeur, et Knights est au sommet de sa forme en ce qui concerne la distribution ici.

Dans le rôle central de Percy, l'agent transformateur pour Gilead et ses habitants, Belinda Wollaston est captivante à tous égards. Dès les premières notes a cappella, magnifiques et saisissantes dans "A Ring Around The Moon", en passant par le humoristique "Out Of The Frying Pan" et l'exaltant "Shoot The Moon", jusqu'au remarquable "Shine", Wollaston utilise sa voix glorieuse pour donner toute sa puissance à la partition de Valcq. Écouter Wollaston animer chaque phrase et mélodie est un pur délice. Sa connexion émotionnelle avec la musique et le texte est complètement écrasante.

Wollaston est également plongée dans la psyché de Percy. Elle est totalement convaincante en ex-détenue, effrayée par son passé et son avenir possible, désespérée de ne pas offenser qui que ce soit, réprimant ses larmes et ses peurs et maladroitement, timidement, complètement inculte de toutes les façons, trouvant ses repères à Gilead. Maîtrisant un accent difficile et cachant sa beauté naturelle, la Percy meurtrie et audacieuse de Wollaston est exemplaire à tous égards.

Trois scènes se démarquent vraiment : son refus abrupt et dévastateur de la demande en mariage du shérif Joe (avant qu'il ne la formule réellement) ; sa confession à Shelby, sa nouvelle meilleure amie, sur les circonstances tragiques qui l'ont vue purger une peine ; et l'intense scène "de mère à mère" avec l'acariâtre Hannah où les cartes sont mises sur la table. Couvrant tout le spectre, du contrôle fermé et quasi-vide à un cœur brut, exposé et battant, Wollaston s'assure que Percy Talbott est un personnage que vous n'oublierez jamais, et que vous aimerez toujours.

Wollaston bénéficie d'un excellent soutien du reste de la distribution. Chris Kiely rend le shérif Joe complètement crédible et sa frustration devant le Gilead pré-Percy est palpable. Il a une belle voix et bien qu'il n'ait pas une voix de baryton sombre, il possède les chansons qu'il chante et les fait fonctionner. Andrew Borthwick est excellent en tant que visiteur louche; complètement convaincant et déchirant malgré l'absence de dialogue ou de chant. Ses yeux et son langage corporel étaient remarquablement appropriés pour communiquer émotion et intention.

Hans Rye réussit un excellent Caleb, un homme ordinaire frustré par la manière dont le temps et Gilead ont évolué, de sorte que le fait d'être un homme honnête et travailleur ne suffit plus. Il vibre d'angoisse et d'insécurité, notamment parce que les femmes de la ville le connaissent bien. Sa voix est chaleureuse et forte; exactement ce qu'il faut pour son personnage. En tant que commère du village et intermédiaire, Effy, Katie Brennan est une explosion d'intrigue, de bavardages et de charme. Brennan joue son rôle à la limite ; pendant un bon moment, il n'est pas clair si Effy est vile ou non. Cela la rend plus intéressante, un personnage plus complet. Brennan chante avec la même attaque et le même enthousiasme qu'Effy consacre aux ragots.

En tant que Shelby, la sauveuse de Percy dans la cuisine du restaurant et sa plus proche confidente, Natalie Law est douce, chaleureuse et décente à tous égards. Law montre clairement l'émergence de Shelby de sous le joug de Caleb, et sans rancœur. L'épanouissement de son amitié avec Percy est un vrai plaisir à voir. Vocalement, Law est légèrement hésitante dans le premier acte, mais s'affirme vraiment dans le deuxième acte, et son interprétation passionnée de "Wild Bird" est un véritable point fort.

Hilary Harwood complète la distribution en tant que l'impitoyable et insensible Hannah. Harwood commence de manière quelque peu hésitante, mais trouve rapidement son rythme, trouvant une manière claire et directe de donner vie à la doyenne austère de Gilead. Il y a quelque chose de Granny Clampett dans la représentation de Harwood, ce qui est séduisant. Elle semble également légèrement incertaine vocalement par moments dans l'Acte Un, mais elle assure ses numéros dans l'Acte Deux, avec "Way Back Home" un numéro électrisant de onzième heure.

Lee Crowley fournit d'excellentes chorégraphies (du genre doux, pas du genre claquettes) qui convient parfaitement à l'intrigue et l'éclairage de Jack Weir est exceptionnel et économique, utilisant efficacement la lumière pour accentuer et rehausser les émotions et les personnages.

C'est une production véritablement formidable d'une grande mais inexplicablement inconnue comédie musicale. S'il y avait une justice dans le monde, un entrepreneur reprendrait cette production et l'installerait dans le West End. Avec un soutien et une promotion appropriés, cela pourrait être un triomphe fracassant, l'antidote musical parfait au désespoir et à l'austérité de la vie moderne.

C'est une meilleure production musicale que beaucoup jouées dans le West End ces dernières années. C'est un triomphe particulier pour Knights, Holt et Wollaston.

The Spitfire Grill est à l'affiche jusqu'au 15 août 2015 à l'Union Theatre