CRITIQUE : Les Chagrins de Satan, Théâtre Tristan Bates ✭✭✭✭

La Compagnie de Les Douleurs de Satan

Théâtre Tristan Bates

21 février 2017

4 Étoiles

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Ce délicieux nouveau musical est le spectacle le plus spirituel, le plus élégant et le plus extraordinaire actuellement en ville.  Installé dans l'intime Théâtre Tristan Bates pour une durée inédite de six semaines, la production intelligente d'Adam Lenson sur le remarquable quatuor de Luke Bateman et Michael Conley est un divertissement merveilleux qui séduit et ravit tous types de publics.  La mise en scène musicale est également assurée par le metteur en scène.

Inspirés par le roman à succès de Marie Corelli du même nom à la fin du 19e siècle, les auteurs ont mis à jour le matériel pour les années 1920 plus audacieuses, et transposé son conte édifiant d'ambition littéraire dans le glamour du West End des nouvelles comédies musicales brillantes, le monde d'Ivor Novello, Noel Coward, H M Tennant et C B Cochrane.  Bateman est aisément leur égal en écrivant des airs mémorables : trois jours après la soirée de presse, je les chante encore – et je ne peux pas dire cela de toutes les nouvelles compositions que j'ai entendues dernièrement.  En tant que compositeur de théâtre, Bateman a un grand avenir.  Corelli, admirée par Oscar Wilde, possède un joli répertoire de bons mots et d'aphorismes magnifiquement construits, et Conley en a extrait le meilleur de son livre pour parsemer ingénieusement son script avec.  Le dialogue est merveilleusement bien rythmé et génère une véritable tempête de rires.  En tant que parolier, il est à la hauteur des meilleurs Cole Porter ou E Y Harburg : il y a une maîtrise et un contrôle magnifique du langage dans ses textes méticuleusement élaborés : 'Tartarus' est un succès particulièrement notable qui vous enchantera autant qu'il vous fera sourire.  À la vue de cette partition, je défie tout public de ne pas placer Bateman et Conley à la pointe du nouveau talent d'écriture de comédies musicales dans ce pays.

Dale Ripley en Lucio

Cette production est bénie par des interprètes en parfaite harmonie avec leur style.  Dans cette réinterprétation comique de l'histoire de Faust, Satan est représenté sous la forme corporelle du Prince Lucio Rimanez, et interprété avec nonchalance urbaine par Dale Rapley.  Sa cible, l'échec désespéré d'un écrivain de comédies musicales, Geoffrey Tempest, est interprétée de manière séduisante par Simon Willmont.  L'intérêt amoureux opportun, un trio de rôles contrastés identifiables collectivement comme 'La Femme', est joué par Claire-Marie Hall, qui s'amuse beaucoup avec ses changements de rôle.  Et enfin, la musique provient du piano à queue de salon sur scène joué par l'acolyte infernal de Rimanez, Amiel, superbement interprété par Stefan Bednarczyk.  Ce quatuor de charmantes personnes, en fait, est chargé de faire une 'lecture' au format revue de la dernière (horrible) œuvre de Tempest, qui d'une manière ou d'une autre a attiré l'attention de notre hôte, le Prince Lucio, qui remplace progressivement l'injouable ineptie de Tempest par une œuvre de beaucoup plus grande valeur artistique et théâtrale.

Simon Willmont, Claire Marie Hall et Stefan Benarczyk

Conley a également conçu le magnifique décor expressionniste, presque monochrome de l'appartement du foyer de Rimanez : je suppose, mais la vue par la fenêtre me fait penser à Belgravia.  En fait, l'ensemble de la conception de la production (Associé, Craig Nom Chong) est réalisée dans une palette stricte de noir, gris, blanc et orange crocus, avec la confection des beaux costumes fournie par S. Newman & Son.  Sam Waddington – ce génie en devenir du théâtre – éclaire le tout avec sa brillance et son économie coutumières, et est particulièrement doué pour ouvrir les différentes 'couches' du script.

Dans ces environnements sophistiqués, bien que sombrement magnifiques, le script lu prend pour sujet – le croiriez-vous ? – les tribulations entourant la production d'un spectacle appelé 'Les Douleurs de Satan'.  En effet, si j'ai bien compris toutes les couches, nous avons un spectacle sur un spectacle sur un spectacle.  Nous avons une histoire où tous les personnages existent pour jouer d'autres personnages, et sont – en eux-mêmes – simplement des projections d'archétypes d'un mythe ancien et souvent raconté.  Par conséquent, malgré son apparence pastiche, une sensibilité résolument postmoderne sous-tend l'œuvre, la rendant comme un objet de l'instant et lui conférant beaucoup plus de pertinence contemporaine qu'il ne paraît au premier abord.  Elle exerce une fascination intellectuelle, tout en ayant un attrait plus directement théâtral.  Néanmoins, ce sont encore des gens que nous voulons connaître davantage, et il y a un moment – parfois difficile à localiser, mais un moment néanmoins – où nous voulons vraiment les entendre à un niveau rehaussé, lyrique.  On ne souhaite pas être trop cool et détaché dans une histoire qui est, après tout, sur les passions humaines et les difficultés que nous rencontrons tous à les négocier.  Possiblement, parfois, le script s'éloigne des moments clés de l'intrigue qui pourraient être plus efficaces s'ils atterrissaient plus avec insistance : par exemple, la décision de Tempest de vendre son âme au diable pourrait davantage convaincre si elle était présentée avec plus de préparation et d’une manière moins désinvolte – c'est un moment axiomatique.

Claire Marie Hall

Cependant, une décision délibérée a été prise de présenter l'ouverture du spectacle de telle manière que le public devienne des observateurs objectifs des conversations qui se déroulent sur scène.  Plus tard, l'action devient beaucoup plus énergique et dynamique, et nous sommes certainement plongés bien plus profondément dans leur monde qu'au début.  On peut dire que ce dernier est une position plus agréable dans laquelle le public se trouve que la première, et je n'exclurais pas quelques ajustements au fur et à mesure de l'avancement de la production.  Quant au positionnement et à l'effet des numéros musicaux, lorsque les personnages individuels ont des moments valables pour révéler et explorer leurs situations en chanson, nous – le public – aimons y prendre part.  Cependant, lorsqu'ils doivent chanter les trucs (délibérément) affreux que le personnage de Tempest a concocté pour eux – avant que Son Altesse n'intervienne si utilement pour fournir des compositions infiniment meilleures – nous sommes moins ravis.  En effet, il semble y avoir au moins trois moments dans le premier acte qui semblent exiger une chanson révélatrice de caractère ou de développement d'intrigue de ces personnages intéressants.  Je ne serais pas surpris d'apprendre qu'à un moment au cours du développement de l'œuvre, de telles chansons étaient présentes.  Maintenant que le spectacle est monté et devant le public, je pense qu'il est peut-être possible qu'elles – ou des choses similaires - puissent revenir.

Après trois ans de développement, nous devons ce projet au formidable directeur et encourageur de nouveaux musicals, Lenson, qui a incité les auteurs à aborder l'œuvre au départ.  Ayant établi une excellente relation de travail avec eux sur leur projet précédent, 'Personality', Adam a demandé s'ils pouvaient proposer quelque chose de plus petit qui pourrait être plus facile à mettre en production complète.  Le résultat est ce spectacle.  Initialement prévue comme un duo, elle a été autorisée à grandir quelque peu, mais reste une réalisation bien concentrée, où nous sommes coincés dans une expérience claustrophobe qui nous demande sans cesse de considérer non seulement qui sont vraiment les personnages, mais qui nous sommes nous-mêmes.  Offrant le soutien financier au processus minutieux de développement est le producteur exécutif, Alfie Taylor-Gaunt, et Joel Fisher, son autre moitié chez FTG Productions, qui ont dirigé la croissance de ce projet depuis sa création.  Je les ai tous rencontrés lors d'une présentation d'une grande partie du premier acte de ce spectacle il y a plus d'un an au St James’s Studio.  Et maintenant, ils continuent de tracer une nouvelle voie audacieuse avec cette aventure révolutionnaire au Tristan Bates.

Le théâtre fait partie du Centre des Acteurs, juste à côté de Seven Dials à Covent Garden.  Le Directeur du Programme Créatif du Centre, Michael John, est désireux d'élargir les utilisations auxquelles le théâtre est destiné, et maintenant, travaillant aux côtés du producteur de théâtre, Matthew Keeler, ils ouvrent le lieu à des représentations beaucoup plus longues que le programme habituellement en constante évolution.  Des représentations de six semaines sont essayées, dans le but de permettre aux nouvelles œuvres de trouver et de construire un public : comme objectif, c'est ambitieux, mais si la qualité de la première production est un indice, il est fondé sur les plus hauts niveaux artistiques et professionnels.  Avec l'Apollo, Shaftesbury Avenue, qui poursuit sa lancée avec son menu de représentations courtes et moyennes, The Other Palace qui ouvre ses portes au même, le Arts Theatre et le Trafalgar Studios qui continuent de produire un roulement rapide de nouveaux produits, et un tout nouveau développement théâtral dans le West End par Cameron Macintosh sous examen sérieux, les choses semblent s'améliorer pour l'industrie.

Tel qu'il est maintenant, 'Les Douleurs de Satan' est un divertissement splendide, où nous pouvons voir un grand nouveau talent 'in vitro'.  Il sera fascinant de voir le type de publics qu'ils attirent pour ce travail.  Quant à moi, je chante encore la valse 'diabolo in musica' qui obsède tant Tempest dans la première partie, et le brillant 'Tartarus' qui arrête le spectacle !  Je reviendrai les entendre, ainsi que le reste de cette partition merveilleuse, correctement à nouveau dans le cadre de cette grande nouvelle comédie musicale – avec une touche satanique.

Jusqu'au 25 mars 2017

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