CRITIQUE : La Mouette, Théâtre en Plein Air de Regent's Park ✭✭✭✭

La Mouette

Théâtre en plein air de Regent's Park

24 juin 2015

4 étoiles

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C'était en 1895 que La Mouette d'Anton Tchekhov fit ses débuts peu remarquables. Elle fut considérée comme un échec lors de sa première représentation, mais sa destinée fut transformée lorsque Stanislavsky et Nemirovich-Danchenko ouvrirent la saison du Théâtre d'Art de Moscou avec une reprise de la pièce.

Pour célébrer le 120ème anniversaire de la pièce, Torben Betts a été chargé par le Théâtre en plein air de Regent's Park de rédiger une nouvelle version du premier succès de Tchekhov et l'un de ses 'grands quatre' (les autres étant Oncle Vania, Les Trois Sœurs et Le Verger de cerisiers). La production de cette adaptation par Matthew Dunster est actuellement en cours et il est probable qu'une chose fasse consensus : personne n'a jamais vu une production de La Mouette tout à fait comme celle-ci.

Dans le programme, la Professeure Émérite de Théâtre Russe Cynthia Marsh prétend au sujet de l'original :

"C'est une vision critique et interrogative de ce demi-monde qui entoure écrivains, théâtre et actrices, le chagrin d'amour et la tragédie souvent ressentis là-bas. Avant tout, une interrogation est soulevée sur ce qu'ils font tous : qu'est-ce que l'art ? qu'est-ce que le théâtre ? et une question bien plus vaste mais implicite et non pleinement développée : qu'est-ce que la vie ?...Sa compréhension intime des mécanismes du théâtre, son rejet du style mélodramatique encore si populaire...lui ont permis de décrypter les prétentions au réalisme que le théâtre avait commencé à adopter. La pièce est imprégnée de débats contemporains sur les objectifs de l'art en général et du théâtre en particulier."

L'adaptation de Betts (réimagination est peut-être plus précis) essaie certainement d'évoquer le même effet que Tchekhov devait avoir sur ses publics originaux. Il y a une modernité robuste à propos du langage qui rend les situations et personnages instantanément compréhensibles, accessibles et reconnaissables. Cela se fait au détriment du lyrisme que Tchekhov a écrit, mais, en fin de compte, la clarté de la compréhension en vaut la peine. Pour certains, sans doute, le texte sera trop grossier, trop vulgaire - mais il distille l'essence de l'intention de Tchekhov d'une manière cohérente et tangible.

La vision de Dunster en tant que directeur, cependant, obscurcit quelque peu l'habileté de Betts. Ce n'est pas fatal, par aucun moyen, mais il y a des choix stylistiques étranges qui sont bizarres : chaque scène est ponctuée par un bruit extrêmement fort et amplifié (qui pourrait être ou non le son amplifié d'un revolver armé - si quelqu'un sait, s'il vous plaît, faites-le savoir) qui gêne et perturbe ; le décor est dominé par un miroir incliné qui, tard dans le deuxième acte, devient un étrange phare de lumière vive, brisant le sens du réalisme obtenu par le jeu et la mise en scène ; le lac, très présent dans la vision de Tchekhov, devient tangible et, dans le premier acte, les serviteurs y nagent, nus et défiants, et dans le deuxième acte il devient une référence interpolée supplémentaire et inutile à Hamlet.

Plus que cela, et avec de plus grandes conséquences, c'est la fusion idiosyncratique de styles par Dunster. Heureusement, son approche générale est comique ; à juste titre, il rejette cette approche ennuyeuse du "Tchekhov est morose et digne". Le premier acte, en particulier, est extrêmement agréable. Mais dans le deuxième acte, peut-être en hommage aux différentes formes de théâtre qui sont importantes pour les personnages centraux, le réalisme cède la place à des styles disparates : l'art de la pagaille, l'avant-garde et le mélodrame. Rien n'est rendu plus clair ou meilleur par ces choix étranges qui, en fin de compte, nuisent à la fois au travail de Betts et à celui de Tchekhov.

Pourtant, toutes les décisions de mise en scène ne résonnent pas faussement. L'utilisation des voix enregistrées en tant que représentation des sentiments intérieurs des personnages est surprenante et efficace. Il y a une énergie pétillante dans le rythme et les performances qui rendent le sens et l'humeur des personnages faciles à comprendre et à suivre. La brièveté nette est l'approche fondamentale, de sorte que lorsque les pauses et les passages hésitants arrivent, ils sont particulièrement frappants. Dunster éclaire les espaces sombres que Tchekhov et Betts tissent dans le récit : de nombreuses façons, c'est le récit le plus clair de cette histoire depuis bien des années.

L'égoïsme et l'égocentrisme des personnages sont magnifiquement transmis. Une grande partie du dialogue est parlée par-dessus les répliques des autres, démontrant le manque d'attention ou de considération du locuteur à l'égard de la personne ou des personnes au-dessus desquelles on parle. La familiarité piquante des associations de longue date est habilement transmise, ainsi que l'amour non partagé douloureux de tant de personnages. Frénésie ardente, passion folle, regret silencieux, et désir contenu - la direction de Dunster dessine soigneusement les différentes douleurs ressenties par les différents personnages.

Pour la plupart, le casting est excellent et cela, également, contribue à l'efficacité et à l'immédiateté de la pièce - et à l'humour.

Simon aime Masha qui déteste Simon mais aime Konstantin. Konstantin adore Nina et ne remarque pas Masha ; Nina aime brièvement Konstantin mais tombe lourdement pour le plus âgé Boris, qui est l'amant d'Irina, la mère de Konstantin. Le Dr Dorn aime également Irina et il est aimé par Paulina, qui est mariée à Ilia (ils sont les parents de Masha). Peter possède le domaine où Masha et ses parents vivent (Ilia est le gestionnaire de la ferme) et il y a d'autres serviteurs là-bas - Yakov et Natasha. Quand la pièce commence, Konstantin prépare la première d'une de ses pièces, qui mettra en vedette Nina, et qui sera jouée dans les jardins du domaine pour le groupe rassemblé d'amants mal assortis et non partagés.

Colin Hoult est exceptionnellement bon dans le rôle de Simon, le professeur qui adore Masha mais qui ne cesse de discuter de son manque d'argent. Hoult est une perfection comique, apportant une combinaison exacte de méticulosité, de lourdeur et de naïveté à sa performance. Son malaise social est délicieux et il est impossible de ne pas ressentir de la sympathie pour lui.

Dans le rôle de Masha, Lisa Deveney est merveilleuse : acerbe, intelligente, en deuil sans fin, défensive et désespérée. Son désir pour Konstantin est tangible, et elle passe ses frustrations sur Simon, sans amabilité, mais avec un bon effet comique. Deveney a une qualité fascinante et rauque à sa voix, et peut l'utiliser efficacement, que ce soit pour la rage ou la frustration. Elle et Hoult forment une combinaison magnifique.

Janie Dee est entièrement dans son élément en tant qu'actrice superstar en déclin, et elle rend Irina insupportable et adorable en même temps. La scène où elle compare son attitude envers la vie à celle de Masha est une pure joie comique, et Dee la fait s'envoler. Plus tard, il y a une scène presque insupportablement belle avec son fils éloigné, où elle passe de mère attentionnée et caressante, bandant une blessure, à prima Donna ennuyée et agacée en l'espace d'un battement de cœur. Dee est une fine actrice et son travail ici est assez exquis.

Parce que Dee est si forte et vivante en tant qu'Irina, le Konstantin pâle, féerique mais merveilleusement brillant de Matthew Tennyson fonctionne parfaitement contre elle. Il est absolument l'enfant de sa mère et Tennyson est habile à le montrer. Mais il est hanté par l'insuffisance et son désir pour Nina, et Tennyson le montre clairement aussi - il est également amusant. Son travail dans la scène où il met en scène sa pièce est hilarant.

Ian Redford est magnifique en tant que Peter Sorin ; croustillant, belliqueux, résolument triste, submergé par l'horreur d'une vie non vécue. Il apporte une splendeur dyspeptique à chaque mouvement. Le Dr Dorn de Danny Webb est tout aussi bon - un homme sage et solitaire avec un passé secret. Il apporte une ouverture d'esprit aux positions ancrées sur le théâtre et l'art, ce qui en fait un véritable allié pour le Konstantin en difficulté. Webb parvient à une affabilité facile et une profonde tristesse en même temps. Ses derniers mots ont été très puissants.

La seule erreur sérieuse réside dans le rôle pivot de Boris Trigorin, l'écrivain établi qui brise les esprits d'Irina et Konstantin par sa liaison avec Nina. Alex Robertson semble appartenir à une pièce tout à fait différente - peut-être était-ce une décision de mise en scène délibérée, car Boris est le véritable outsider du domaine et du lac. Mais, même ainsi, la contribution de Boris à la pièce est cruciale - c'était le rôle que Stanislavski a pris, et est souvent considéré comme l'un des plus grands rôles masculins que Tchekhov ait écrit. Mais pas ici. Il n'y a pas de sentiment de puissance masculine et d'intelligence dans la représentation, et il est impossible de comprendre pourquoi le rôle est joué de cette manière.

Tant Sabrina Bartlett en tant que Nina et Dee en tant qu'Irina souffrent en raison de l'étrange tournure de Robertson, Bartlett plus que Dee. Nina devient définie par son adoration enivrante pour Boris et sans une forte ancre de sa part, elle est quelque peu laissée à se débattre. Mais Bartlett fait de son mieux, et ses scènes avec Tennyson sont excellentes. Sa voix est légèrement trop aiguë trop souvent, mais elle a une présence douce et engageante. Le désir de Konstantin pour elle n'est jamais incompréhensible.

Le reste de l'équipe est très compétent, bien que le rôle d'Ilia par Fraser James soit légèrement ennuyeux avec le trope de rire de ses propres blagues.

Le décor de Jon Bausor est remarquable. La sensation du domaine et du lac est magnifiquement transmise et semble incroyablement réelle, aidée considérablement par le cadre de Regent's Park. Il y a des jardins et des arbres, et le gazon semble efficace à la fois sur le sol et dans le reflet du miroir géant. Lorsque les scènes intérieures se déroulent, l'herbe est retirée et un parquet splendide apparaît, créant proprement l'effet de sensibilités de la classe moyenne. À part le moment où il devient un phare lumineux, le miroir est une idée astucieuse. Les réflexions sont importantes dans la pièce et le miroir le symbolise, tout en permettant des perspectives intéressantes sur l'action.

Il y a beaucoup à admirer et à être ébloui par cette production intelligente et réfléchie. Mais Dunster devient légèrement trop astucieux vers la fin de la pièce et la scène finale, en particulier, est mal gérée, bien trop mélodramatique pour être aussi douloureuse et triste qu'elle devrait l'être. Pourtant, c'est une version de La Mouette à savourer.

LA MOUETTE EST JOUÉE JUSQU'AU 11 JUILLET 2015 AU THÉÂTRE EN PLEIN AIR DE REGENT'S PARK