CRITIQUE : Les Rivaux, Théâtre Arcola ✭✭✭✭✭

Les Rivaux

Théâtre Arcola

16 octobre 2014

5 Étoiles

Critique - Tim Hochstrasser

Les productions des deux grandes pièces de Sheridan, Les Rivaux et L'École du scandale, semblent moins fréquentes de nos jours, ce qui est bien dommage étant donné la merveilleuse gamme d'opportunités que chaque pièce offre pour un jeu de scène de haute qualité de toutes sortes pour des acteurs couvrant tout le spectre des âges, avec des rôles d'égale importance et répartis entre hommes et femmes. Alors que toutes les pièces de Wilde, même les moins célèbres, sont régulièrement montées, il est perplexifiant que ces deux chefs-d'œuvre, pourtant si similaires dans leurs défis stylisés, soient beaucoup moins visibles. C'est donc très agréable de saluer une très belle nouvelle version du premier grand succès de Sheridan, qui continue pendant encore quelques jours au Théâtre Arcola, à Dalston. Ne la ratez pas tant qu'il en est encore temps....

Les Rivaux n'est pas une pièce parfaite. Elle a été un échec lors de sa première production en 1775, et même après des coupes substantielles et des réécritures, la deuxième moitié peut traîner en longueur. Une grande partie de l'intrigue s'est dénouée à ce moment-là, et l'attention du public peut s'échapper si le texte n'est pas joué avec rythme, et beaucoup de mouvement de scène et de gestuels inventifs. Les productions peuvent aussi facilement être trop confortables, les traitant comme un drame en costume fournissant un rôle vedette aux acteurs jouant Mrs Malaprop, Sir Anthony Absolute, et les deux couples dont les manœuvres autour, loin et finalement vers l'autre fournissent le principal contenu. Pourtant, cela devrait être une pièce tendue qui ne s'installe finalement et à contrecœur dans un rythme de mise en couple.

Des éruptions constantes de colère, de frustration sexuelle, de discrimination de la ville contre la campagne et de l'anglais contre l'irlandais, et d'hostilités du fils contre le père, du serviteur contre le maître et la maîtresse comme un ensemble de fils conducteurs à travers chaque scène ; et différentes catégories de vanité genrée, à la fois misogynes et misanthropes, sont à l'origine d'une grande partie de l'humour, dont une partie reste encore dérangeante de cruauté et de moquerie. C'était la crudité de la pièce et non son raffinement en tant que comédie de mœurs qui a dominé sa réception quelque peu scandaleuse à l'origine ; toute production doit saisir ces qualités si elle veut nous faire revisiter la pièce.

Il est grandement au crédit de la distribution et de l'équipe créative qu'ils aient eu le courage de résister à adapter la pièce au profit de la nouveauté et qu'ils aient plutôt creusé profondément dans le texte pour de nouvelles et convaincantes réponses.

La réalisatrice Selina Cadell écrit dans le programme que « les acteurs d'aujourd'hui sont très habitués à imposer l'humeur sur le contenu, leur relation avec la langue étant bien moins sécurisée. Le défi pour l'acteur dans la comédie de la Restauration, donc, est de découvrir comment le personnage existe à travers le langage et uniquement le langage. » Au lieu d'un naturalisme fallacieux, ils relèvent le défi de trouver la nature dans l'artifice comme s'il s'agissait déjà de la « comédie triviale pour gens sérieux » de Wilde. Les acteurs jouent leurs rôles avec un sérieux mortel, et l'humour en est d'autant plus grand. De plus, ils trouvent exactement le bon rythme pour le texte en ne précipitant pas la livraison des discours magnifiquement travaillés de Sheridan. Monter ces longues phrases, avec leur accumulation de clauses de compensation et de qualification, nécessite une habileté comme celle d'un surfeur sur la crête d'une vague déferlante... trop retenir et vous perdez le public ; bredouiller les séquences et vous manquez le point culminant.

Chacun des membres de la distribution ici était exemplaire en prenant son temps quand cela était nécessaire et en se déplaçant au rythme quand la scène nécessitait du dynamisme et de l'interaction physique. En faisant confiance à la langue sur la page et en développant soigneusement le personnage à travers celle-ci, les retombées étaient d'autant plus grandes dans les scènes finales lorsque l'impulsion du complot se relâche : de telles performances détaillées délivrent un humour qui leur est propre à ce stade. Chaque acteur a réalisé que dans une ère où le contact tactile et humain était restreint et formalisé, la langue dans son spectre allant de l'esprit délicat à l'indécence audacieuse doit exprimer l'éventail des émotions, frustrations et jalousies qui, dans une pièce moderne, seraient indiquées par le langage corporel. C'est et c'était parfaitement acceptable de briser fréquemment le « quatrième mur » et de nous rappeler que nous nous trouvions dans une pièce, ce qui était la manière dont un public du XVIIIe siècle percevait cette expérience, mais pour que cela fonctionne, le langage doit être traité avec un respect total et joué pour sa vie. C'était un plaisir rare d'entendre le texte livré avec une telle assurance et un tel plaisir tridimensionnel de ses possibilités imaginatives.

Il n'y a pas de maillon faible dans cette distribution finement aiguisée et il est inévitablement injuste de mettre en avant des performances particulières. Mais pour leur compétence technique à nous faire réfléchir à nouveau à un texte familier, je dois louer Iain Batchelor dans le rôle de Jack Absolute et la performance de Nicholas Le Prevost dans le rôle de son père. En menaçant de colère sans réussir à la livrer jusqu'à ce que vous ne vous y attendiez pas, Le Prevost a donné un cours magistral dans le timing comique ; et Batchelor a développé chaque aspect de son rôle aux multiples facettes en tant que capitaine Jack et enseigne Beverley avec invention désinvolte.

Gemma Jones s'est agitée efficacement en tant que Mrs Malaprop, une boule de soie grise et de tulle rose, et mérite le mérite de ne PAS avoir accentué de manière trop évidente son utilisation créative du langage. « L'ananas de la politesse » trouvait sa place en tant que point culminant d'un paragraphe merveilleux non en tant que blague isolée.

Jenny Rainsford a langui élégamment en tant que Lydia avec plus de mordant et de combativité dans ce rôle qu'habituellement, et Justine Mitchell était un modèle de retenue silencieuse mais précisément sous-estimée dans le rôle de Julia, souvent mise à rude épreuve. Adam Jackson-Smith a joué Faulkland comme s'il était John Cleese, ce qui a aidé à nous fournir un point de référence utile pour les scrupules épuisants et auto-destructeurs du personnage.

Les rôles conservés de l'Irlandais et du fermier de campagne nouveau en ville sont moins bien développés dans l'écriture, mais ont été bien pris pendant la soirée. Tous les domestiques ont pris leurs moments d'intervention et de commentaire avec panache.

Si j'avais une critique, ce serait avec la mise en scène. L'Arcola est un espace de forme maladroite, et nécessite une gestion très soigneuse si les scènes doivent se dérouler facilement les unes dans les autres (comme cela a été fait avec succès dans la récente production de Carousel). Ici, il y avait un peu trop d'affaires entre les scènes, que ce soit dans le déplacement des décors (par exemple une découpe inutile d'une urne soulevée et abaissée pour indiquer une scène extérieure), ou dans les intermèdes musicaux ou les gags récurrents. Dans une pièce qui est aussi longue que celle-ci et où la livraison du langage était si juste, c'était dommage que les scènes n'aient pas pu se dérouler de manière plus fluide et surtout dans la deuxième moitié, structurellement plus faible. Bien qu'elle soit en fait située à Bath, nous n'avons pas besoin de voir Bath en acte, ou du moins pas dans une mesure élaborée.

Cependant, ce point mis à part, cette production est une approche mémorable et stimulante d'un vieux favori et l'une des soirées les plus drôles actuellement au théâtre en ville. Vous n'avez pas besoin d'être d'accord avec mon 'dérangement d'épitaphes', simplement ne la manquez pas….