CRITIQUE : The Producers, Churchill Theatre puis en tournée ✭✭✭✭

Cory English (Max), Jason Manford (Leo) et Tiffany Graves (Ulla) dans The Producers. Photo : Manuel Harlan. The Producers

Théâtre Churchill, Bromley puis en tournée au Royaume-Uni

11 Mars 2015

4 Étoiles

Quand il a critiqué The Book Of Mormon après sa première à Broadway, le critique du New York Times Ben Brantley a déclaré, à juste titre : « ...The Book of Mormon” accomplit quelque chose comme un miracle. Il se moque de et embrasse ardemment la forme d'art tout américain de la comédie musicale inspirante. Aucun spectacle de Broadway n'a réussi à faire les deux à la fois aussi bien depuis que Mel Brooks a adapté son film “The Producers” pour la scène il y a une décennie."

La satire politiquement incorrecte de Mel Brooks, The Producers, a permis de récupérer la comédie musicale de Broadway en tant que comédie diablement drôle, aussi mélodieuse, impertinente et pleine de spectacle et de couleur. Brooks a visé une large gamme de stéréotypes de personnages de Broadway, les a tous caricaturés, parfois de manière choquante, dans une joyeuse farce où étaient habilement cousus quelques clins d'œil, mais pas plus, à cet ingrédient généralement clé d'une superbe comédie musicale - le cœur.

Ça a marché. Spectaculairement.

Le succès de The Producers a ouvert la voie à d'autres du même genre, mais bien que ceux qui ont suivi aient tous d'excellents attributs (Hairspray, par exemple, propose une partition richement mélodieuse et une narration débordante de cœur), rien n’a vraiment réussi à reproduire la pure joie que Brooks a créée avec The Producers, ni la gamme de personnages principaux variés, chacun ayant son moment au soleil.

Maintenant en tournée au Royaume-Uni, la reprise élégante et impressionnante de The Producers par Matthew White. Compte tenu des contraintes logistiques et budgétaires d'une production en tournée qui se produira dans de nombreux lieux différents, White a réalisé quelque chose de vraiment remarquable.

Tout d'abord, White a utilisé le casting de « stars » avec assurance : les stars qu'il a choisies, à une exception près, peuvent tout faire : musicalement, dramatiquement et chorégraphiquement. Deuxièmement, le décor de Paul Farnsworth embrasse les limites budgétaires et la nécessité multi-sites, les transformant en vertus. Troisièmement, l'ensemble impeccable présente une myriade de vignettes intelligentes et parfaitement ajustées en plus de répondre à toutes les autres exigences de la pièce. Quatrièmement, White introduit de nouvelles affaires scéniques fraîches qui surprennent autant qu'elles ravissent : certaines fines comédies physiques ainsi que des clins d'œil à d'autres comédies musicales. (En plus du jeu habituel que proposent les spectacles en tournée - « Repérer le remplaçant » - celui-ci propose également « Repérer la référence à d'autres succès de Broadway » avec des références à Chorus Line, Gypsy, West Side Story et 42nd Street qui chatouillent l'os drôle de manière inspirée.) Cinquièmement, la chorégraphie habile, exubérante et très tourbillonnante de Lee Proud apporte en permanence du plaisir et de l'intérêt.

Mais, peut-être plus important encore, la clé que White parvient à réaliser dans cette remontée est de surmonter deux obstacles centraux au succès de The Producers : le manque d'un orchestre de taille réelle et le manque d'un gros budget (reflété dans la taille de l'ensemble et les limitations de conception). En son cœur, The Producers est une grande comédie musicale flashy sur, essentiellement, un petit spectacle sordide ; le contraste des styles et de la présentation fait partie du plaisir, une partie de ce qui fonctionne. Ici, la production n'est ni grande ni ostentatoire, mais elle pulse avec inventivité et véritable habileté.

Cory English, un vétéran des productions précédentes de The Producers, est un Max de première classe. Il tombe toutes les blagues, joue le roi vieux briscard de Broadway, sale, espiègle, manipulateur, avide d'argent, avec flair et aplomb. Ironique et fripon, et avec une énergie inépuisable, le Max d'English est toujours fauché et parle en l'air en même temps. Sa diction et son accent sont aussi parfaits que son timing et son chant : Betrayed, dans le deuxième acte, est tout à fait superbe.

English travaille également sans couture avec le chat effrayé, accidentellement déviant, absurdement (et donc, de manière attachante) naïf Leo Bloom de Jason Manford. En tant qu'exercice de casting de célébrité, Manford est un exemple qui répond à la question « Où avons-nous réussi ? ». Il façonne soigneusement un bouffon au cœur de guimauve, est très drôle (physiquement et verbalement) et cloue la passion de Leo pour le show-business avec précision. Il chante doucement et honnêtement, est à l'aise sur scène (difficile de le faire en jouant un personnage mal à l'aise) et, bien que l'on puisse voir la peur, peut-être même la terreur, vaciller dans ses yeux, il se débrouille bien dans le département des pas de danse. Son Leo s'épanouit au fur et à mesure que le spectacle progresse, comme il se doit.

Tiffany Graves est en forme sensationnelle dans le rôle de la tentatrice de 11h, Ulla Nom Imprononçable. Elle a l'air formidable sous tous les angles, produit un accent suédois volontaire impeccable qui est sans ambiguïté hilarant et chante et danse avec enthousiasme. C'est merveilleux de voir l'une des talentueuses membres de troupe du West End briller en mode star complète. Elle l'a et elle le montre.

Le deuxième casting de star concerne le rôle de Franz Liebkind, le fanatique fou et délirant d'Hitler qui vit dans le West Village de New York dans un lederhosen sale et parle aux pigeons ; l'auteur de la « pire pièce » que Max et Leo peuvent trouver à produire dans le cadre de leur stratagème lucratif. Ici, Phil Jupitus est un choix inspiré.

Tel un Bratwurst Behemoth dérangé, le Franz de Jupitus est un triomphe de dysfonctionnement, de dévotion hystérique à une cause perdue et de délusion meurtrière sympathique. Il saisit le rôle à pleines dents et secoue chaque bouchée de drôlerie de l'opportunité. Ses deux grands numéros, mais surtout Haben Sie gehört das deutsche Band?, sont livrés avec panache. Je doute qu'il y ait jamais eu un Franz comme celui-ci : Jupitus préfère la rage renfrognée à l'irascibilité loufoque et cela fonctionne très bien.

Le dernier casting de star voit Louie Spence dans le rôle de Carmen Ghia, l'assistant de droit commun du pire metteur en scène de Broadway, Roger de Bris. Spence fait un Spence spectaculaire, ou peut-être plus précisément, un Spence-jouant-Carmen-Ghia spectaculaire. Ce qui est bien si c'est ce que vous voulez ; au deuxième acte, vous êtes acclimaté à cette notion et cela ne surprend plus.

Mais, en réalité, c'est une sérieuse déception. La dynamique entre Carmen et Roger ne fonctionne véritablement que, et la comédie n'est véritablement révélée que, s'ils travaillent en tant qu'équipe intégrée sans faille. Ils sont un duo ; pas deux performances séparées. Sans la chaleur que la synchronisation apporte, beaucoup est perdu. Cela dit, Spence ajoute une bravoure chorégraphique tape-à-l'œil aux tours de passe-passe de Carmen et obtient des rires dans des endroits et des manières qu'aucun autre Carmen n'a pu ou ne pourrait.

David Bedella est à son meilleur dans la séquence délicieusement exagérée du deuxième acte où Roger entre en scène sous les traits du Hitler le plus extravagant de l'histoire dans la première représentation de Printemps pour Hitler. C'est, bien sûr, le moment de la pièce qui est vraiment un moment solo pour Roger. Bedella est très drôle et semble être le plus à l'aise ici, loin de Spence, où il est incontestablement la star du moment.

Mais, dans presque toutes leurs autres scènes, en particulier la scène Keep It Gay dans l'acte un, les scènes de Roger et Carmen sont froides, plates et déconnectées. La voix de Bedella, curieusement, ne semble pas adaptée au type d'agilité vocale que Roger devrait pouvoir afficher. On ne ressentait pas le sens de la camaraderie entre Roger et son équipe de production non plus, avec seulement le Sabu boudeur de Jay Webb tentant de présenter une image d'intégration et de connexion. Cette déconnexion particulière avec la comédie inhérente à la pièce se reflète à nouveau dans la séquence des vieilles dames qui annonce la fin de l'acte un : Along Came Bialy. Elle n'est curieusement pas célébrative des vieilles dames, reposant plutôt sur la maladie mentale et physique et le trope des hommes-en-robes pour faire rire.

Mais, dans un sens global, ces problèmes n'ont pas tant d'importance. Pour la majeure partie, le casting principal est exceptionnel et l'ensemble travaille sans relâche et avec expertise tout au long du spectacle.

La séquence Springtime For Hitler est magnifiquement gérée et terriblement drôle, avec costumes, danse et performances se combinant en une frénésie d'or étincelant sans retenue, de danse de précision et de chant bienheureux : celui qui a décidé de mettre le soliste aryen magnifiquement chanté de Webb en lederhosen scintillant a été tout à fait inspiré. Il y a des moments merveilleux en chemin : Tosh Wanogho-Maud, hilarant en mode Show Boat en tant que comptable désabusé et ensuite à l'hilarité frappante en tant que très irlandais sergent O’Houlihan ; Rebecca Fennelly et Aimee Hodnett en ouvreuses dynamiques et vocalement percutantes ; Aron Wild, blissnement silencieux en tant que Gardien de Prison ; Andrew Gordon-Watkins, derviche tourneur à chaque apparition.

Andrew Hilton gère efficacement le petit orchestre, et une fois que l'on s'habitue à l'absence lamentable de violons sérieux dans le soutien musical, il y a peu à redire du point de vue musical. Le chant est vigoureux et précis et les tempi et l'équilibre constamment corrects. Le charme inhérent des mélodies de Brooks est pleinement autorisé à s'exprimer.

C'est un grand plaisir au théâtre. Pour les spectacles en tournée, c'est un exemple splendide – drôle, fruité et pétillant en continu.

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