CRITIQUE : Le Portrait de Dorian Gray, St James Studio ✭✭✭✭✭

Photo : Evolution Photography Le Portrait de Dorian Gray

St James Studio Theatre

17 juin 2015

5 étoiles

Le 20 juin 2015 est le jour précis où a eu lieu la première publication de la version originale du roman d'Oscar Wilde, Le Portrait de Dorian Gray. Bien qu'il y ait eu plusieurs tentatives pour le transformer en une œuvre de théâtre et de cinéma, il n'existe pas de version accepté pour la scène, et cette nouvelle initiative est donc à la fois opportune et utile. Le schéma du récit est si familier qu'il n'a pas besoin d'être répété ici, mais je dois tout de même commencer par exprimer mon sens de la pertinence continue et captivante de ses principaux thèmes. Étant donné le culte de la célébrité qui s'étend de plus en plus sur nos écrans et dans nos gros titres, une étude de la nature et des conséquences du narcissisme pourrait difficilement être plus contemporaine. Alors que les célèbres aphorismes apparaissent, on ne peut s'empêcher de penser que « Le génie dure plus longtemps que la beauté » serait aujourd'hui une question ouverte plutôt qu'une affirmation, et que Wilde a creusé une vérité plus profonde qu'il ne le savait lorsqu'il a déclaré que « Seules les personnes superficielles ne jugent pas le monde selon les apparences. » La dextérité verbale éclatante et l'obscurité sous-jacente démontrent la vérité et la sagesse d'un autre dicton qui passe au début : « tout art est à la fois surface et symbole. »

Il faut d'abord rendre hommage à la compétence de l'adaptation, réalisée avec un soin scrupuleux par Merlin Holland, le petit-fils de Wilde, et John O’Connor. De manière cruciale, ils sont retournés aux textes originaux du magazine et du roman (plus long) publié et ont rétabli plusieurs lignes clés que Wilde avait prudemment omises du texte standard final. Ces lignes rendent les divers thèmes homoérotiques de la pièce plus explicites et clarifient en particulier le personnage de Basil Hallward, perdu dans une adoration désespérée et impuissante de Dorian Gray, et rendent la manipulation consciente de Dorian sur Basil d'autant plus calculée et choquante. Il y a beaucoup d'autres ajustements mineurs qui lissent ou comblent utilement les aspects des personnages qui ne sont qu'obliquement impliqués dans l'original.

Toute adaptation doit transformer beaucoup de narration, rapportée par Dorian, en drame, dialogues et personnage. Un grand nombre de choix interprétatifs doivent être faits ici, et, pour la plupart, l'équipe créative et les acteurs prennent les bonnes décisions. Par exemple, Sibyl Vane (Helen Keeley) est développée en un personnage beaucoup plus substantiel ici que dans l'original. Un choix est fait pour la présenter comme une bonne actrice qui a une mauvaise nuit cruciale plutôt que comme une piètre interprète que seul Dorian souhaite placer sur un piédestal. Cela ajoute beaucoup de force et de poignance à son rejet. De même, avec la création de Hettie, une autre victime des préoccupations faustiennes de Dorian, qui n'est que brièvement décrite dans le roman.

Le déroulement de l'intrigue est l'aspect le moins crédible et peut-être le moins important de la pièce : tout comme dans n'importe quel roman gothique, la fin semble particulièrement abrupte, un effet fidèlement reproduit dans cette adaptation. Mais alors le déroulement de l'intrigue a toujours été la partie la moins importante de l'art de Wilde dans ses comédies et dans l'ensemble cette adaptation se compare bien avec les grandes pièces qui entretiennent sa réputation. C'est en fait un prototype. Il y a une théâtralité centrale intégrée dans l'original : le dialogue est déjà en phase avec le travail théâtral de Wilde – et en fait certaines parties ont été réutilisées plus tard dans Lady Windermere's Fan. De plus, de nombreuses scènes se rapportent ou sont basées dans le théâtre contemporain. Enfin, toute la lutte bidirectionnelle entre le portrait et le sujet, le héros et l'image, la beauté extérieure et la corruption intérieure de l'âme demande une représentation et une interprétation au-delà de la page imprimée. Nous ouvrons sur une suggestion encombrée d'un studio d'artiste victorien : de grands cadres dorés vides et déformés, du matériel d'artiste, une chaise longue et jardinières, un amas de chaises, et en arrière-plan les lignes insinuantes d'un Nocturne de Chopin. Basil Hallward (Rupert Mason) met les dernières touches à son portrait de Dorian Gray (Guy Warren-Thomas) avant qu'ils ne soient interrompus et subvertis par Lord Henry Wotton (Gwynfor Jones). En plus des rôles principaux, chacun des acteurs (excepté Warren-Thomas) apporte une pléthore de rôles secondaires bien définis, peuplant la scène des serviteurs perspicaces, des duchesses hautaines et des commerçants astucieux qui font partie de la texture sociale des grandes comédies. Dans ce livre le plus sensuel, il est crucial qu'il y ait beaucoup à captiver le regard, et donc un grand crédit revient à l'équipe créative pour s'assurer que le décor est bien habillé et que défile devant nous une magnifique parade de costumes d'époque aux teintes et textures somptueuses. Même un personnage mineur, tel que l'épouse de Lord Henry, semble vraiment porter une robe dont « le design a été conçu dans une tempête et cousu dans un orage. » Beaucoup de réflexion a été consacrée à la manière de séduire l'imagination sensuelle du public, et en particulier le directeur a trouvé des moyens d'intégrer les références au livre de Huysmans À rebours et au livre jaune, tous deux sources d'inspiration importantes pour Wilde, et incarnant l'histoire d'amour de Dorian avec les tissus et les parfums tel que relatée dans le chapitre onze du roman.

Il serait malvenu de distinguer un membre de cette distribution pour ses éloges – il y a beaucoup de formes d'excellence à l'affiche ; mais il suffit de dire que Warren-Thomas ne se repose pas sur ses lauriers de sa beauté – il trace le chemin vers la cruauté impitoyable avec beaucoup d'hésitation et de détails humains. Mason rend Hallward beaucoup plus sympathique et tourmenté que d'habitude, et Keeley crée un véritable personnage, bien campé, à partir de Sybil. Inévitablement, il y a beaucoup de changements de scène et de costume, mais ces derniers sont réalisés habilement et sans interrompre notre concentration. En fait, le mouvement fluide et flexible est une belle caractéristique de toute la production, et difficile à réaliser dans un espace aussi confiné et encombré.

D'une certaine manière, le rôle le plus difficile à réaliser est celui de Lord Henry, qui doit délivrer la majorité des épigrammes précieuses tout en les encadrant dans un discours naturaliste. Trouver le rythme dans le style de Wilde est généralement la clé d'une grande performance et production. Comment créer un flux plausible lorsque les épigrammes vous bloquent le chemin, exigeant du temps et de l'espace pour la livraison et la reconnaissance ? Parfois, il semble que Wilde ait donné à ses acteurs un plateau rempli de confiture et de crème caillée, mais sans scones. Gwynfor Jones surmonte ce défi très délicatement, avec beaucoup de mouvement sur scène, des accélérations et des pauses soigneusement modulées et variées, un peu de la même manière qu'un chanteur d'opéra  structure une aria. C'est une leçon exemplaire de délivrance rhétorique.

Malheureusement, cette belle adaptation a une durée très courte – j'espère qu'un autre théâtre pourra être persuadé de nous permettre de vivre cette pièce avec ce casting une fois de plus - et bientôt… Elle mérite d'être vue pour ses propres qualités, pour les nouvelles perspectives qu'elle apporte à une œuvre que nous pensons connaître trop bien, et pour ce qu'elle nous dit de Wilde également. Elle illustre de manière exemplaire la combinaison conflictuelle, instable et finalement tragique de talents et d'aspirations qui composent la personnalité unique de Wilde. Comme d'habitude, il a perçu la vérité avant tous les critiques : « Basil Hallward est ce que je pense être : Lord Henry est ce que le monde pense de moi : Dorian est ce que j'aimerais être - dans d'autres époques, peut-être. »