CRITIQUE : Le Fantôme de l'Opéra, Théâtre de Sa Majesté ✭✭✭✭

Le Fantôme de l'Opéra

Théâtre de Sa Majesté

12 mars 2015

4 Étoiles

RÉSERVEZ VOS BILLETS Pour un spectacle qui a ouvert il y a plus de 28 ans, Le Fantôme de l'Opéra continue de jouer à guichets fermés et, à tous égards, est un exemple, peut-être un sommet, de théâtre magique du genre musical orné. La direction de Harold Prince est aussi efficace, nette et détaillée que jamais; le design extraordinaire de Maria Björnson apporte une riche opulence et une sensibilité profondément romantique à chaque aspect de la narration; la mise en scène musicale de Gillian Lynne, les séquences de ballet et l'éblouissante Mascarade, qui commence l'Acte Deux, sont des réalisations magistrales. Mais au cœur du succès et de la longévité du Fantôme de l'Opéra, qui est joué de manière continue au Théâtre de Sa Majesté depuis le 9 octobre 1986, se trouvent les paroles ingénieuses de Charles Hart (en collaboration avec celles de Richard Stilgoe) et la partition luxueuse et mélodieuse d'Andrew Lloyd Webber. Malgré leur familiarité, des morceaux tels que Music of the Night, Prima Donna, All I Ask Of You, Masquerade, The Point Of No Return et la chanson titre conservent toujours leur puissance et leur beauté théâtrale. Cela est sans doute dû au bon travail du directeur musical actuel James McKeon qui contrôle de manière magistrale l'orchestre de 27 musiciens, assurant un niveau d'accompagnement orchestral que la plupart des comédies musicales du West End ne peuvent que rêver. Bien sûr, il est facile de penser que tout le monde connaît le spectacle, en a vu ses secrets. Mais, comme l'a largement démontré le public de la matinée autour de moi, il y a encore beaucoup de gens qui n'ont jamais vu Le Fantôme de l'Opéra en direct. Voir la production originale présentée par la troupe actuelle offre aux nouveaux spectateurs une chance de découvrir les merveilles de la production Prince/Lynne et aux habitués une chance de voir si la pièce résiste à l'épreuve du temps.

C'est le cas.

Bien qu'il y ait quelques moments où la vieille dame grince légèrement, la mise en scène semble pour la plupart contemporaine et l'intérêt est capté dès le début, lorsque les mots légèrement menaçants du commissaire-priseur annoncent le début des événements. Les séquences dans la tanière du Fantôme, complètes avec bateau, bougies et orgue orné sont presque hypnotiques; des volutes de fumée enveloppent l'imagination, infusant l'action et la musique d'intrigue. La tension dans The Point Of No Return est convaincante et les décisions finales de Christine et du Fantôme semblent aussi surprenantes que jamais.

Le directeur résident Sam Hiller et la chorégraphe résidente Lynn Jezzard veillent à ce que tout soit aussi serré et tendu qu'il le faut pour assurer le fil tendu entre le sérieux du romantisme et la haute farce que le spectacle arpente sans peur. Ils sont aidés par une distribution, pour la plupart, très capable.

Harriet Jones est belle, menue et séduisante, exactement comme Christine Daaé devrait l'être. Elle se sent complètement chez elle avec le corps de ballet de l'Opéra Populaire et transmet facilement le sens d'une jeune artiste talentueuse confuse et surprise par l'attention qui lui est portée. Sa voix est un délice à tous égards, et très uniforme de haut en bas, avec chaleur et couleur tout au long du chemin. Son travail vocal le plus expressif est glorieux et elle ne chante jamais faux ni sans vérité et véritable ressenti. Wishing You Were Somehow Here Again est un pur délice.

Elle est particulièrement impressionnante dans le deuxième acte, à la fois dans la scène où Carlotta et les directeurs la harcèlent au sujet de Don Juan Triumphant (une scène facile à rendre mélodramatique et ridicule, ce qu'elle ne fait pas) et dans le duo sensuel mais mortel, The Point Of No Return. Harriet est en grande forme.

Sa Christine est d'autant plus impressionnante étant donné qu'à la représentation que j'ai vue, ses deux partenaires principaux étaient interprétés par des hommes qui jouent habituellement d'autres rôles dans le spectacle. Mais le fait que Harriet travaille avec des acteurs avec qui elle ne se produit pas régulièrement n'a pas affecté la qualité de sa performance centrale.

Kieran Brown, remplaçant Gerónimo Rauch dans le rôle du Fantôme, était en pleine forme et a égalé l'intensité et le détail de la performance d'Harriet avec habileté. Il existe de nombreuses façons de faire fonctionner le rôle du Fantôme et Brown a trouvé la sienne : une performance physique vigoureuse, agile comme un chat, mais imprégnée de rage, de chagrin né du rejet et de détermination impitoyable. C'est un Fantôme effrayant, de manière séduisante.

Vocalement, le fin baryton-ténor de Brown est soyeux, séduisant et puissant. Il a un excellent contrôle à la fois sur les aigus et les graves de son registre, permettant une réelle richesse dans les notes les plus basses et un son vibrant et tranchant sur les notes les plus hautes. Son attaque, son énergie et sa sonorité mélodieuse ont fait de Music Of The Night un véritable régal et son travail avec Harriet dans ses grands numéros avec elle, la chanson titre et The Point Of No Return, était superbe. Tout en mettant en lumière les aspects défaillants et meurtriers du capricieux Maestro, Brown a également clairement montré son côté tendre. C'est une performance mémorable et touchante à tous égards.

Raoul est un rôle très difficile à réussir. Riche, beau, assuré au point de l'arrogance, mais désespérément amoureux de Christine, sa part dans la pièce est un exercice d'équilibre presque impossible : quelque part entre un dandy arrogant et un héros insolite. La clé d'un Raoul réussi est le charme; tellement de charme que les lacunes et les faiblesses du personnage peuvent être masquées.

Oliver Saville, remplaçant Raoul en raison de l'absence de Liam Tamne, a plus d'enthousiasme juvénile que de charme, mais il attaque le rôle avec une férocité que l'on pourrait attendre chez des dompteurs de lions. Il apporte agitation et angoisse là où il devrait y avoir calme et autorité. Pourtant, il a une belle allure et sa voix est juste et forte, et il est à son meilleur dans les scènes qui ne reposent pas sur son statut d'alternative romantique au mystérieux professeur de Christine : ses scènes avec Madame Giry, le pompier et les administrateurs sont toutes bien jugées. Avec la relaxation que permet le jeu constant, Saville grandira sans aucun doute dans le rôle.

Les femmes Giry sont bien représentées. Jacinta Mulcahy est une Madame merveilleusement mystérieuse et ferme, française de toutes les manières importantes et enroulée au plus serré, comme un serpent attendant d'être charmé. Lorsqu'elle est sur scène, il est difficile de regarder quelqu'un d'autre, tant son intensité brille. Alicia Beck est une magnifique Meg, poise et parfaite dans les séquences de ballet, avec une voix chantante délicieuse et une présence d'actrice formidable.

Lara Martins est une Carlotta exceptionnelle : une voix captivante d'une véritable puissance, lumineuse et brillante quel que soit la note, agile et solidement soutenue. Le contrôle de Martin en tant que chanteuse est exceptionnel avec pour résultat que son statut de Diva Suprême ne fait aucun doute - et très divertissant. Sa caractérisation est parfaite : elle est une boule de délice ravie et rapace, gonflée d'importance personnelle. Délicieuse à tous égards.

Égalant Martins en termes de style, de voix de premier ordre et d'ego gargantuesque (et très drôle), le Piangi de John Ellis est une bombe de joie d'excentricité et de Top C's. Entre de mauvaises mains, Piangi peut être insupportablement ennuyeux, un problème pour l'élan du spectacle; mais pas ici. Ellis est parfait en tant que ténor italien pompeux et à la compétence limitée et la complexité et le détail qu'il apporte à la performance démontre sa propre compétence.

Il y a un excellent travail de Philip Griffiths en tant que Reyer/le commissaire-priseur (peut-être sans surprise étant donné que Griffiths est dans la compagnie depuis 24 ans), et de Joseph Claus, Fiona Finsbury et David Francis comme le trio Il Muto. En effet, l'ensemble est excellent à tous égards, spécialement vocalement.

Un des plaisirs presque indestructibles de Le Fantôme de l'Opéra est le duo comique des Managers, Firmin et André. Ce sont des rôles de joie pure et quand ils fonctionnent correctement, le spectacle fonctionne considérablement mieux. Hélas, ce n'était pas le cas ici. À première vue, on pourrait penser que l'équilibre est incorrect, que le rythme comique est irrégulier, car le Firmin habituel, Andy Hockley, était absent et l'André régulier, Martin Ball, n'était pas habitué à travailler avec son remplaçant, Tim Morgan. Mais étant donné que c'était Morgan qui a donné la performance la plus assurée et généreuse, et Morgan qui essayait activement de faire partie d'un duo, le premier coup d'œil était erroné. Malheureusement.

Néanmoins, et curieusement, les deux scènes principales des Managers ont extrêmement bien fonctionné : la présence d'autres personnes outre Firmin a fait ressortir le meilleur de Ball. Le septuor Prima Donna était un véritable point culminant, tout comme il devrait l'être.

Avec trois rôles principaux joués par des personnes qui ne les jouent pas habituellement, il y avait un véritable potentiel pour que cette production soit sur un terrain instable. Mais la force de la compagnie actuelle, la durabilité des éléments essentiels de la production, la puissance de la partition et des paroles, et la compétence à la fois de Brown et de Morgan ont assuré que, hormis quelques petits problèmes, la performance a été triomphale.

Ne parlez plus de l'obscurité : le Théâtre de Sa Majesté, Haymarket brille intensément.

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