CRITIQUE : The One Day Of The Year, Finborough Theatre ✭✭✭✭✭

Fiona Press, Mark Little et Paul Haley. Photo : Mark Douet The One Day Of The Year

Finborough Theatre

21 mai

5 étoiles

Il approche de l'aube. Le père est irritable, s'habille et ordonne à sa femme patiente et terre-à-terre de récupérer ses médailles. Il doit assister à un service de l'aube. Elle se met à la recherche de celles-ci. Le père crie à son fils qui dort. Lève-toi, il faut partir pour le service. Le fils, coupable mais défiant, crie qu'il n'y va pas. Le père entre furieusement dans la chambre du fils. Le garçon, impassible, en chemise et sous-vêtements, est debout sur son lit, défendant sa position. Pas de service de l'aube pour lui. Le père y réfléchit, se rend compte que cette bataille ne peut être gagnée, prend les médailles de sa femme, la laisse l'habiller et part. Rien ne l'empêchera de profiter de sa journée.

Le fils ressent... quelque chose. Peut-être ineffable, mais quelque chose. L'ancien compagnon de guerre de son père arrive à la maison, prêt à regarder le service de l'aube et le défilé à la télévision louée avec la mère. Le fils allume la radio. Il ne se rendra peut-être pas au service de l'aube, mais il l'écoutera. Pourquoi ? Habitude ? Ou autre chose ? En s'habillant, il écoute le Dernier Appel. Le vieil homme se met au garde-à-vous, se remémorant ; le fils s'arrête, songeur.

Le contraste entre ces deux hommes, divisés par génération, éducation et expérience, mais captivés par la puissance d'une pièce de musique, et tout ce qui l'accompagne, s'inscrit de manière permanente, inexorable, dans l'esprit et l'âme du public. Aussi évocateur et émouvant que le théâtre peut l'être.

Gregory Doran a récemment déclaré que Mort d'un commis voyageur était la plus grande pièce américaine du XXème siècle. Bien que beaucoup discuteront avec lui à ce sujet, la question qui me vient sans cesse à l’esprit est quelle serait la plus grande pièce australienne du XXème siècle ? Les scènes de Londres sont rarement bénies avec des pièces australiennes, bien que les acteurs australiens soient des habitués de ces scènes, certains en mode expatrié, d'autres non. De nombreux spectateurs londoniens sont surpris que les Australiens écrivent même des pièces.

Mais ils le font. Et, souvent, de très bonnes.

Dans toute liste sensée des dix meilleures pièces écrites par un Australien, The One Day Of The Year d'Alan Seymour figurerait assurément.

En 1960, lorsqu'elle fut produite pour la première fois en Australie, elle fit sensation, fut interdite et fit l’objet de mépris vitriolique et manifeste. Des policiers ont maintenu l'ordre dans les théâtres où elle fut jouée. Elle a été étudiée par des générations d’écoliers en Australie, a connu des fortunes diverses, a atteint un statut iconique, et a été presque oubliée. Il est donc tout à fait approprié que le théâtre acharné Finborough ait choisi de la raviver en l'année du centenaire de la campagne de Gallipoli ; le Finborough a une réputation bien méritée pour redécouvrir des joyaux théâtraux perdus, négligés ou oubliés, et la pièce de Seymour y a sa place idéale.

Car, ne vous y trompez pas, c'est un joyau.

Aussi bien conçue que n’importe quel drame naturaliste ou "kitchen sink" de l'époque, la pièce perdure car elle porte sur des concepts universels qui ont la capacité de toucher et d'affecter la vie de tous ceux qui la voient, qu'ils soient australiens ou non : la futilité de la guerre ; l'idée de valoriser le point de vue de l'autre ; les conséquences de l'éducation ou de son absence ; et la fragilité et la difficulté particulière du lien entre un père et un fils, une mère et un fils, un mari et une femme.

Malgré ses apparences et sa narration, ce n'est pas une pièce sur l'Anzac Day, le jour férié en Australie où l'on rend hommage à ceux qui ont combattu pour leur pays dans les guerres, ceux qui ont été tués ou mutilés, ou pire encore, ont survécu. Non. De la même manière que Mort d'un commis voyageur parle fondamentalement du rêve américain, The One Day Of The Year évoque le rêve australien, ou peut-être plus exactement, le rêve de ce que c'est d'être un Australien aspirant.

Il existe d'autres parallèles évidents avec la pièce de Miller : la figure centrale du père sait qu'il est un échec mais le surmonte de différentes manières ; la tension de la pièce vient du père et du fils, et atteint son apogée dans une confrontation où le fils force le père à affronter la réalité ; il y a une femme fidèle, usée, tentant de maintenir sa famille unie ; et il y a un ami du père, sage et réfléchi, qui tente de stabiliser la situation et d'éviter la catastrophe.

Mais là s'arrêtent les similitudes (à part la grandeur inhérente). Miller a écrit une pièce sur de grands thèmes et sur l'état de la nation sous forme de drame domestique ; Seymour a écrit un drame domestique sur la classe, les valeurs et le compromis, sous forme de lutte épique sur une pierre angulaire fondamentale de l'identité australienne.

Le metteur en scène Wayne Harrison, dont la reprise de The One Day Of The Year a ouvert ses portes hier soir au Finborough, comprend cela parfaitement. Il a collaboré avec Alan Seymour sur cette version de la pièce, la mettant à jour de manière subtile mais efficace. Il est fort regrettable que Seymour soit décédé en avril de cette année et n'ait pas pu assister à la renaissance de sa pièce la plus célèbre.

Car cette reprise est parfaitement adaptée d'une grande pièce. Harrison a minutieusement étudié le travail, trouvé les vérités, les repères, la profondeur, et l'a fait vivre de manière vibrante et extraordinaire. C'est de loin la version la plus drôle de cette pièce que j'ai jamais vue et, par conséquent, c'est aussi la version la plus émouvante, touchante et perspicace que j'ai jamais vue. Et, au fil des ans, j'ai vu des dizaines de productions de cette pièce.

Harrison, judicieusement, utilise les limitations de l'espace du Finborough à son avantage. Le décor simple (Catherine Morgan) établit précisément la vie frugale et sans complication que mène la famille Cooke. Il y a une cuisine et la chambre de Hughie, avec son lit simple escamotable. Il n'y a pas d'extravagance dans le ménage des Cooke. Harrison tire parti du cadre spartiate - les personnages peuvent se déplacer d'un espace à l'autre pour l'effet. Quand Hughie explique sa gêne à propos de sa famille et de leurs travers, il peut errer dans l'espace où ils se trouvent et ils peuvent démontrer son affront.

De manière inattendue, il y a une utilisation intelligente des projections dans le langage de la pièce. Peu importe les éloges que l'on pourrait faire du coda ajouté par Jonathan Munby à The Merchant of Venice actuellement à l’affiche au Globe, la nouvelle fin de cette pièce est tout simplement brillante, reflétant clairement et concisément les thèmes de la tradition, du sacrifice et de la perte que Seymour tisse dans le texte.

C'est aussi magnifiquement et soigneusement mise en scène qu'aucune autre pièce dramatique actuellement à l'affiche sur scène à Londres. Elle n'a pas les ressources de Mort d'un commis voyageur du RSC, mais elle surpasse cette production en termes de sensibilité dramatique et de cohérence théâtrale.

Le casting, généralement très précis, est pour beaucoup dans la vision d'Harrison.

Mark Little, dans probablement la performance de sa vie, est un Alf assuré, complexe et très drôle, très humain. Vétéran de la Seconde Guerre mondiale, Alf est un type traditionnel, inlassablement de la classe ouvrière (il travaille comme ascensoriste pour payer les factures) mais qui a épargné pour assurer à son fils, Hughie, une éducation et des opportunités auxquelles Alf n'avait pas eu droit. Bruyant, très amateur de boisson et archétype du râleur (il pourrait probablement prendre quelques pintes avec Nigel Farage), Alf frôle presque la parodie de lui-même.

Presque. En vérité, c'est ce merveilleux vieux voyou ivrogne qui boit trop et devient trop ridicule, mais que tout le monde pardonne car, en fin de compte, c'est juste un gars ordinaire qui fait de son mieux. Il y a aussi un sous-entendu de violence en lui et cela établit son pire aspect, les limites extérieures de ses excès. C'est une pièce écrite à une époque où la masculinité était définie différemment. Alf traite tout le monde qu'il aime également mal, principalement parce qu'il a eu son propre chemin pendant si longtemps, mais, de même, il les aime vraiment, et il le montre. Quand il peut.

Alf est un rôle immense, et Little accorde à chaque aspect du personnage une attention bonne et détaillée. L'exubérance exubérante, l'éclair soudain de colère imprévisible, les silences las, la mauvaise humeur insistante, la détermination farouche, l'air perplexe, le sens de l'humour malicieux, la stupeur alcoolique, le récit falstaffien, le dévouement inavoué - Little joue tout de manière cohérente, sensible et incroyablement efficace. C'est une performance courageuse et audacieuse ; Little n'a pas peur de révéler le côté sombre d'Alf, et il a bien raison. Sans cela, la partie et le rôle n'auraient pas d'impact.

Little reçoit un soutien exceptionnel et sans faille de Fiona Press (sa femme de longue souffrance, Dot) et de Paul Haley (Wacka, le vétéran des deux guerres mondiales, qui a été compagnon de guerre d'Alf et de son père).

Press incarne Dot, épouse de longue date etment endurante, avec une acuité infaillible, une sagesse inégalée et une sincérité profondément ressentie. Press transmet sans effort toutes les qualités de Dot ; son immobilité est inspirée, mais ses yeux et sa bouche ne cessent de retranscrire ses émotions. En tant qu'incarnation d'un amour véritable et indulgent, capable d'une franchise brutale et d'une désinvolture ironique, Dot incarnée par Press est magistrale en tous points. Un plaisir absolu à regarder.

Le rôle de Wacka est un piège pour les mauvais acteurs ; il y a risque de surjouer le vieux vétéran qui aime les Cooke comme sa propre famille et ne veut pas se vanter de ses exploits. Mais pas ici. Haley est exquis en tant que vieux vétéran, aimant les Cooke comme si c'était sa propre famille, ne souhaitant pas se vanter de ses exploits militaires. Taciturne, mais serviteur assidu, vous vous croyez vraiment à Gallipoli, face aux canons, et ensuite, un longue vie à pousser calmement les souvenirs de côté. Quand, enfin, Dot le persuade de révéler son histoire, il pare son caractère de vérité encore plus pétillante. Vous croyez vraiment qu'il était là-bas à Gallipoli. Quand, enfin, Dot le convainc de parler de ses souvenirs, il n'en tire ni vantardise ni fierté. Vous restez convaincu qu'il a assisté aux horreurs de la guerre. C'est une performance minutieusement réglée, parfaitement calibrée.

James William Wright incarne Hughie, le fils unique de Dot et Alf, avec talent et aplomb. Grand, élancé, beau et perdu, Wright montre clairement la soumission de Hughie aux charmes féminins de sa petite amie, Jan, et les conséquences presque catastrophiques que cela a pour sa famille. Sa relation avec ses deux parents est finement jugée, de l'adoration douce envers sa mère, qu'il respecte avec tendresse, aux réactions vives de répulsion qu'il réserve à son père, qu'il méprise momentanément, mais qu'il sait avoir trimé toute sa vie pour qu'il ait des opportunités dont lui-même fut privé. C’est un jeune homme qui exprime à la fois crainte et mépris pour son père à qui il doit quand même reconnaître avoir sacrifié sa vie pour son bien-être, à lui, Hughie.

Deux moments particulières marquent largement la gamme de compétences de Wright ici. Il rend sublime l'agression vicieuse d'Alf, vous ressentez presque les ecchymoses se former sur votre propre corps en voyant Wright, craintif, jeter un regard craintif, ou lorsque enfin, il saisit la main de son père dans une démonstration ouverte et sans équivoque de l'amour filial, c'est une autre marque. Bien qu'il ait besoin de se relâcher davantage et de faire confiance à sa performance pour permettre des pauses et des moments réflexifs qui soutiennent la tension, Wright offre une performance de première classe d'un rôle difficile.

Il ne fait aucun doute que le rôle le plus difficile de toute la pièce est celui de Jan, la jeune fille de la haute société qui flirte avec Hughie pour ses propres fins, tant sexuelles que professionnelles. C'est un rôle ingrat à bien des égards, mais crucial. Jan représente l'aspiration que les Cooke trouvent à la fois méprisable et désirable en elle. Sans elle, il n'y a pas de friction dans la coquille et Hughie ne peut évoluer de l'huitre à la perle. Elle doit être suffisamment attirante pour éblouir non seulement Hughie, mais aussi l'audience et Dot qui la questionne aussi.

C'est presque une demande impossible pour une actrice, le rôle de Jan, mais Adele Querol s'efforce vaillamment. Elle n'a aucune difficulté avec le côté épineux et odieux de Jan, celle qui utilise Hughie à ses propres fins. Mais elle doit mettre en avant cet atout qui va lui permettre de charmer Hughie, de l'envouter, plus résolument, plus vibrante, plus incontrôlable.