CRITIQUE : Le Miroir ne Ment Jamais, Cockpit Theatre ✭✭✭

Le Miroir Ne Ment Jamais

Théâtre Cockpit

18 novembre 2016

3 Étoiles

C'était un plaisir de voir ce nouveau musical fascinant et luxuriant faire ses premiers pas dans le vaste monde du théâtre réel lors d'une production atelier au centre entreprenant pour les nouvelles écritures de Marylebone, Le Cockpit. Ayant assisté à une première manifestation l'année dernière lors d'une lecture répétée aux RADA Studios, c'était une expérience que je ne voulais pas manquer. L'histoire merveilleuse (initialement un roman de Barbara Pym, ici adaptée pour la scène par Joe Giuffre), les personnages fortement dessinés et atypiques, le dialogue vif et spirituel, tour à tour audacieux, coquin, snob et juste un peu sentimental, et – surtout – la musique fabuleuse (paroles de Giuffre et musique de Juan Iglesias), sont restés dans la mémoire agréablement et de manière provocatrice, me laissant toujours en vouloir plus. Et plus, nous en avons certainement eu.

Les auteurs ont remanié l'œuvre de façon approfondie depuis la lecture. Un nouveau casting a été introduit, non qu'il y ait eu quoique ce soit de mal avec la compagnie que nous avons vue à Bloomsbury, mais de nouvelles personnes aident toujours à apporter de la fraîcheur dans l'interprétation de l'histoire, et le processus de développement consiste justement à trouver de nouvelles interprétations. Et la partition a été confiée aux mains plus que capables du sensible et immensément talentueux Joe Finlay. Ainsi, l'œuvre commence à ressembler à un véritable spectacle. Quel merveille.

Pour la mise en scène, nous avons eu droit à quelques projections bien choisies et une poignée de chaises, avec quelques accessoires et des choix de costumes intelligents : l'espace spacieux a été bien utilisé. Aucun metteur en scène n'est crédité dans le programme, donc je suppose que tout cela est le travail des auteurs. D'une certaine manière, c'est une bonne chose, mais d'un autre côté, peut-être que leur bébé est assez grand pour être confié à un dramaturge metteur en scène réfléchi et attentionné qui peut aider à transformer cette réalisation théâtrale intelligente et vive du récit de Pym en un véritable événement dramatique. En l'état, une grande partie du livre reste schématique et littéraire, plutôt que d'appartenir naturellement au théâtre. Un 'montage' filmé d'ouverture semble suggérer que l'œuvre manque d'un 'numéro d'ouverture' approprié pour planter le décor et écrire les règles du monde qu'elle cherche à dépeindre. Je suis sûr que les auteurs l'ont également remarqué et l'intégreront dans le développement ultérieur de cette œuvre.

Bien qu'ils n'aient eu que 40 heures entre eux pour se préparer à cette brève série de 5 performances, les acteurs étaient totalement sans texte et se sont magnifiquement bien acquittés. Dans le rôle-titre de la femme d'âge moyen avec un goût pour les jeunes hommes, Leonora, Fransca Ellis était toujours posée et élégante, construisant progressivement une résignation et une reddition à la Marschalin de son jeune amant inadapté dans l'un des grands morceaux de bravoure de la pièce, le numéro-titre qui clôt encore ses 90 minutes de temps de jeu. Son premier prétendant, le marchand d'antiquités Humphrey (qui est passé de personnage amusant à un sombre prétendu séducteur) est maintenant Jon Osbaldeston, et son jeune assistant innocent – la cible de Leonora – le naïf James (Ryan Frank). La meilleure amie de Leonora, Meg, est Darrie Gardner, et ses ‘amis’ assez superficiels (qui s’enfuient du dîner à la première odeur de ‘quelque chose de mieux’ ailleurs) sont Colin (Spencer O’Brien) et Harold (Greg Keith). La ‘bonne fille’ qui tombe amoureuse du malheureux (on pourrait presque dire sans caractère) James est Phoebe (Jennifer Harraghy) : son rôle est intéressant, car bien qu’elle semble plutôt faible, elle pointe en fait vers le changement juste au coin de la rue.

C'est les années 50, et l'âge des glamoureux transatlantiques est encore parmi nous, mais pas pour longtemps. Pym est une critique sociale dans l’âme, et son détachement froid introduit une véritable menace avec l'esprit révolutionnaire égoïste de Ned (un autre rôle pour O'Brien) ; il était joué doux et subtil à Bloomsbury, mais ici prend une allure beaucoup plus beatnik rockabilly, ce qui, bien que quelque peu en décalage avec son emploi d'universitaire, représente néanmoins une expérience intéressante : peut-être que son emploi pourrait évoluer vers quelque chose de plus ‘branché’, peut-être quelque chose à voir avec le cinéma, ou même la télévision, ou même l'industrie musicale. Tel qu’il est, il séduit James lors de la traversée de l’Atlantique – presque comme un moyen de passer le temps, ou ‘parce que c’était là’ – et s’amuse ensuite à le manipuler autour de son petit doigt de la manière que vous souhaiteriez que Phoebe fasse, mais qu’elle ne semble jamais capable de faire.

Cela cause à Leonora une certaine irritation, mais à peine plus que cela. Son orgueil est blessé plus que tout, et ce n’est pas quelque chose dont un public de théâtre se soucis terriblement. Pendant ce temps, Ned semble agiter une grande pancarte disant : « Les années 60 arrivent ! », et nous avertit du fait que les jours de la domination des Leonoras du monde sont comptés. Mary Quant et Marianne Faithfull n’auront que peu d’utilité pour elle. Mais les révolutionnaires – fumant occasionnellement un joint – ont du pain sur la planche, quand tant d’énergie de l’histoire va ‘sous terre’ : ‘L’Étranger’ (un autre rôle pour Keith), qui apparaît comme un visiteur tardif dans la boutique, semble seulement perpétuer le statu quo. Le message de Pym semble peu optimiste.

Ainsi, des parallèles immédiats sont suggérés avec Pal Joey, une autre histoire de liaisons invraisemblables et impraticables par celles de différentes générations et classes sociales (Leonora est une dame avec de l'argent et du loisir ; James doit travailler dans une boutique). Comme avec ce spectacle, il n'est possible de 's'attacher' aux personnages (et nous devons prendre parti pour eux d'une manière ou d'une autre) que s'ils peuvent nous charmer. Actuellement, les chansons le font amplement. Le scénario, en revanche, fonctionne encore comme s'il s'agissait d'un roman, et il doit chanter comme une pièce. Il est temps de reprendre son souffle, de s'asseoir, et d'appeler un dramaturge-directeur vraiment excitant pour planifier le prochain mouvement !