CRITIQUE : Les Miniaturistes, Théâtre Arcola ✭✭

Checkout par Poppy Corbett. The Miniaturists

Arcola Theatre, Studio 1

15/11/15

2 étoiles

Depuis dix ans, The Miniaturists rassemblent des auteurs et d'autres collaborateurs du théâtre pour mettre en scène cinq pièces de pas plus de 20 minutes sur des thèmes divers. L'idée est que ce soient des pièces entièrement mises en scène, et non des ateliers ou des lectures publiques, dans lesquels l'ensemble de l'éclairage, des costumes et du design sont déployés sur le plateau ou la scène du lieu d'accueil – en l'occurrence le Studio 1 de l'Arcola. C'est une excellente idée, mais elle dépend crucialement de la qualité de l'écriture, et cette année, les courtes pièces proposées étaient assez maigres.

Écrire des pièces courtes est comparable à certains égards à la rédaction d'une conférence ou d'une nouvelle. Mieux vaut prendre une idée et la développer de manière suggestive plutôt que de surcharger le cadre avec du matériel qui aspire à un format plus vaste. Donnez au public suffisamment de matière économiquement évoquée et laissez son imagination combler collectivement les lacunes. Pour la plupart, les auteurs de ces petites pièces ont suivi ce principe d'autonomie, mais l'exécution est restée hasardeuse et insatisfaisante à d'autres égards.

Twins par James Fritz

Dans ‘Twins’, deux acteurs sont assis à une table, l'un avec un album photo et l'autre un bloc-notes. C'est l'histoire de jumeaux, dont l'un a vécu jusqu'à un âge avancé, et l'autre meurt peu après la naissance dans les limites de la durée de la pièce, signalée par une horloge numérique sur la table. Phyllis McMahon utilise l'album pour raconter sa vie, et ici l'écriture est affectueuse, colorée et réussie dans la construction des personnages. Simona Bitmate dialogue à travers ce récit, donnant essentiellement un compte rendu médical de la courte vie de son jumeau. Cependant, ce dispositif s'épuise rapidement. Faire parler les deux acteurs en parallèle devient lassant après un moment, surtout lorsque les deux récits ne se fusionnent pas de manière créative. Des lignes parallèles qui ne se croisent pas deviennent ennuyeuses à la longue.

If We Could Get Some More Cocaine par John O'Donovan

La deuxième pièce, ‘If we got some more cocaine I could show how I love you’, l'écrivain John O’Donovan présente un autre duo entre Mikey Shannon (Sean Fox) et Casey Brennan (Mark Conway) perchés au sommet d'une rangée de chaises, représentant un point de vue de toit. Ils s'y sont réfugiés après avoir volé de l'argent pour alimenter une dépendance à la drogue. Le dialogue est drôle, bien développé sur le plan thématique et généreux en opportunités pour les acteurs. Cela ressemble plus à une scène prise d'une narration plus longue et plus vaste qu'à une pièce véritablement autonome, mais elle coule toujours de manière plausible et efficace.

‘Checkout’ est un texte d'écriture à plus grande échelle dans lequel Poppy Corbett revisite le thème du jugement après la mort si célèbrement dépeint dans ‘La vie est belle’ de Frank Capra. Trois clients et trois caissiers dans un supermarché sont engagés dans le passage en caisse des marchandises, mais ce n'est pas un supermarché ordinaire. C'est un jugement éternel lorsque les clients réalisent qu'ils sont évalués pour leurs actions dans cette vie. Tous trois sont jugés insuffisants, avec toutefois quelques apartés astucieux et spirituels sur tout le jargon du supermarché que nous aimons détester (il y a quelques articles très « inattendus » dans la zone d'emballage !). Cependant, la manière dont au moins deux des personnages obtiennent ‘un sac pour la vie’, ou une seconde chance, est curieusement précipitée et inexpliquée, et la pièce semble se terminer un peu trop brusquement compte tenu de ce qu'elle a mis en mouvement.

Damage Done par Owen McCafferty

La deuxième moitié de la soirée a offert de belles performances mais déployées autour de matériaux très schématiques. Karl Johnson et Sue Porrett sont tous deux des acteurs expérimentés, mais ici leurs talents ne sont pas vraiment mis à l'épreuve dans la légère pièce d'Owen McCafferty sur un couple âgé tentant de reprendre contact après une longue période sans communication, avant de se perdre dans la même incompréhension mutuelle et frustration qui avait provoqué leur silence initial. Le public a beaucoup aimé ce dialogue mais vraiment, c'est un territoire si entièrement colonisé par Beckett et Pinter qu'il est très difficile d'ouvrir de nouvelles perspectives.

Kampala par Stephen Jeffrey

La pièce finale, et la plus déroutante du programme, était ‘Kampala’ de Stephen Jeffreys, qui offrait trois vignettes de l'histoire post-coloniale de la capitale ougandaise et de ses citoyens. Elle a été interprétée avec verve et précision verbale, et beaucoup de mouvement énergique par les quatre acteurs ; mais il n'était pas clair pour moi où la pièce se dirigeait. La scène d'ouverture, une évocation des cérémonies d'indépendance en 1962, était plus descriptive qu'évaluative, et le ton des deux scènes ultérieures sous le régime d'Idi Amin était instable, jamais vraiment comique ou tragique, avec peu de résolution. À mon avis, le dramaturge n'a jamais clairement révélé son intention.

Il y a maintenant un an que j'ai commencé à critiquer régulièrement des pièces, et pendant ce temps, j'ai souvent noté l'extraordinaire éventail et la qualité des talents d'acteur et du soutien créatif technique qu'il y a dans le Grand Londres. Presque toujours, il y a une performance à saluer ou un élément de design à souligner, peu importe la distance avec le lieu de la scène, et quel que soit le budget limité. Tout aussi fréquemment, cependant, j'ai remarqué la rareté du talent brut d'écriture. Souvent, les pièces que j'ai vues contenaient des moments de perspicacité ou des concepts intéressants qui auraient bénéficié d'un développement d'atelier supplémentaire ou de l'implication d'un dramaturge. Mais je dois aussi aller plus loin et dire que j'ai également vu beaucoup de travaux qui étaient simplement dérivés ou basés sur une expérience de vie trop limitée ou un concept trop abstrait qui n'éclate jamais vraiment en vie.

Là où j'ai vu un vrai talent, c'est le plus souvent dans le matériel provenant d'auteurs travaillant bien loin de Londres métropolitaine. Cela peut sembler paradoxal, étant donné la grande diversité de la vie londonienne, mais la vie urbaine peut aussi produire un rétrécissement de la portée, surtout si les auteurs se concentrent de manière trop évidente sur la privation spirituelle et matérielle et la rudesse d'une manière prévisible. Avec la disparition du théâtre de répertoire provincial, les liens entre le monde du théâtre de Londres et « les provinces » se sont atrophiés, et là où The Miniaturists pourrait faire une réelle différence, c'est en emmenant leur projet de pièces courtes entièrement mises en scène dans d'autres parties du pays et en rassemblant des œuvres d'auteurs locaux.

La production des pièces de la Lancashire School que j'ai critiquées récemment au Finborough Theatre nous rappelle le travail inestimable effectué par des pionniers tels qu'Annie Horniman pour encourager l'écriture nouvelle hors de Londres à l'ère édouardienne. Nous avons besoin aujourd'hui de la même dynamique entrepreneuriale si le véritable talent d'écriture présent dans le pays doit être pleinement développé et présenté au public.