CRITIQUE : The Medium et The Wanton Sublime, Théâtre Arcola ✭✭✭✭

Hai Ting Chinn dans The Wanton Sublime. Photo : Robert Workman The Medium et The Wanton Sublime

Arcola Studio 2

26/08/15

4 Étoiles

Et ainsi, nous arrivons à l’apogée de la section d’opéra contemporain du Grimeborn Festival, un programme double sous la forme de The Medium de Peter Maxwell Davies et The Wanton Sublime, une nouvelle œuvre de Tarik O’Regan, sur un livret d'Anna Rabinowitz. Robert Shaw a dirigé les deux opéras et l'Orpheus Sinfonia sous la direction d'Andrew Griffiths a accompagné la seconde moitié. La salle était comble dans l’attente d’une soirée de haute qualité musicale – une attente qui a été largement comblée.

Maxwell Davies a écrit à la fois les paroles et la musique de ce monologue non accompagné de cinquante minutes en 1981, et il reste l'une de ses œuvres les plus durables sur scène. Il n'est pas souvent joué, sans doute en raison des grandes exigences qu'il pose au chanteur/interprète, mais il est difficile d'imaginer qu'il puisse recevoir une meilleure interprétation que celle offerte ici par la mezzo-soprano Hai-Ting Chinn.

En entrant dans Studio 2, la chanteuse est déjà en place et en rôle, assise très droite, portant un corsage en dentelle soigné et enroulée dans un châle, le genre de style costumé de bohémienne-victorienne affecté par les médiums et les chiromanciens. Il n'y a pas de décor au-delà d'une passerelle blanche surélevée placée en diagonale dans l'espace de performance. Nous supposons que nous sommes dans une tente de fête foraine alors que le médium attend ses clients.

C'est ainsi que le spectacle commence, avec la chanteuse ciblant trois membres du public pour lire leurs paumes. Mais il devient vite clair qu'elle n'est pas un médium ordinaire. Parallèlement aux banalités conventionnelles de son métier, vient un arrière-discours très peu flatteur sur les clients... sommes-nous vraiment dans une fête foraine ? Ou sommes-nous plutôt dans un monde de ses propres imaginations ? Peu à peu, le médium revient sur ce qui est manifestement un passé très troublé et livre de longues séquences de chant mélismatique décrivant à la fois l’extase religieuse et sexuelle. Elle semble canaliser les voix de son ‘imagination somnambuliste.’ À différents moments, cela inclut un enfant métamorphe, un chien, une domestique, une victime de viol et une novice, ainsi que d'autres personnages. La voix doit couvrir une énorme gamme de notes et aussi de styles, du chant direct au chant-récitation. Ces sections sont extraordinairement exigeantes à la fois vocalement et physiquement. Par moments, Chinn se tordait au sol à quelques mètres de mes chaussures tout en produisant encore un ton absolument précis. C'était immensément impressionnant, mais aussi inconfortable et troublant, comme cela était sans doute voulu.

Les thèmes de la folie, de la damnation et de la transgression et des chemins entre eux sont centraux pour ce compositeur, et cette œuvre est peut-être mieux vue aux côtés de Eight Songs for a Mad King (1969), son étude de la désintégration de la santé mentale de George III. Ce n'est pas une œuvre que l'on voudrait entendre souvent, mais elle a profondément impressionné le public et il n'était pas surprenant, compte tenu du stress visible de la performance, que la chanteuse soit partie dans le noir final sans saluer afin de se préparer pour son prochain rôle solo après l'entracte. Selon n’importe quelle norme, c'était une performance cinq étoiles fantastique, avec une diction cristalline et une flair comique ainsi qu'un pathos tragique.

Hai Ting Chinn dans The Medium. Photo : Robert Workman Si les choses étaient moins satisfaisantes pendant la seconde pièce, ce n'était en rien la faute de Chinn qui nous a offert une autre performance sans égale. The Wanton Sublime demande un groupe de chambre assez important de cordes, flûte, guitares et percussions, et malheureusement, assis derrière les guitares amplifiées, peu du texte complexe m'était audible dans l'espace confiné de Studio Deux. O’Regan est sans doute mieux connu pour son opéra sur Heart of Darkness de Conrad. Les caractéristiques de son style étaient très présentes dans cette nouvelle œuvre lors de sa première européenne. Son écriture est fortement influencée par la polyphonie de la Renaissance, et la ligne vocale est peut-être mieux vue comme une ligne parmi les nombreuses tissées ensemble avec une complexité rythmique croissante dans l'ensemble. Certes, comme je ne pouvais pas entendre les paroles, c'est ainsi que je devais les considérer. Simplement comme une expérience auditive, cela a présenté des moments de grande beauté tonale cumulative qui étaient quelque peu un antidote à la nature intransigeante de la première moitié. Au cours de l'œuvre, Chinn, jouant la Vierge Marie, proteste contre les rôles qu'elle est tenue de jouer par Dieu. Sa ligne vocale est entrecoupée de sa propre voix enregistrée chantant une gamme de textes sacrés. Elle progresse le long de la passerelle blanche, se déshabillant de son tailleur d'affaires pour ses sous-vêtements et réassume progressivement une robe de cocktail bleue et des bijoux... le schéma traditionnel pour la Vierge Marie, mais sans indiquer une docile soumission en tant que servante du Seigneur. C'est dommage que nous n'ayons pas eu un dépliant avec le texte (comme nous l'avons eu plus tôt dans le festival pour Pierrot Lunaire), et alors il serait possible de dire davantage sur le livret et sa relation avec la musique.

Il y avait de nombreuses ressemblances thématiques entre ces deux pièces qui rendaient une association entre elles plutôt sensée en surface ; mais celles-ci ont été rendues discutables par les difficultés pratiques liées au placement d'une pièce aussi imposante dans un espace minuscule. Assortir des doubles programmes est notoirement difficile pour le théâtre et l'opéra et dans ce cas, il aurait sans doute été préférable de relocaliser celui-ci dans l'espace Arcola plus grand, pendant les soirées où le spectacle principal ne tournait pas.

Il me reste un peu de place pour des commentaires sur les thèmes plus larges des offres contemporaines au Grimeborn cette année. Elles ont montré que l’aspérité ou l’inaccessibilité apparente de certaines musiques n’est pas un obstacle à une excellente soirée opératique si d’autres valeurs créatives sont pleinement en place et que l’on a pris soin des besoins plus larges du public. Si le drame et la caractérisation sont lucides, alors des barrières plus élevées ailleurs seront acceptées. Cela a été démontré à son meilleur avantage dans la double programmation d'ouverture Clown of Clowns qui a offert une méditation vraiment profonde sur les possibilités tragiques et comiques du pierrot, clown et traditions de cirque qui était exigeante dans le meilleur sens et très amusante de surcroît.

Il est très souhaitable qu'il y ait beaucoup de nouveaux opéras présentés lors du festival de l'année prochaine. Les publics se sont vraiment déplacés pour ces œuvres, ce qui est très encourageant à voir, tout comme l'occasion de retour d'information et de commentaires après, que j'espère se poursuivront.