CRITIQUE : L'Importance d'être Constant, Union Theatre ✭✭

L'Importance d'être Constant Union Theatre 13 octobre 2014 2 Étoiles

Il y a un moment vers la fin du deuxième acte de la pièce lauréate du Prix Pulitzer Comment réussir dans les affaires sans vraiment essayer où J B Biggley et Wally Womper discutent de la mauvaise idée d'une chasse au trésor. Womper est furieux et Biggley tente de détourner la responsabilité en se concentrant sur J Pierrepont Finch en affirmant que lorsque Finch lui a proposé l'idée d'une chasse au trésor, il pensait que c'était une idée stupide. Womper lui demande pourquoi Biggley a poursuivi dans cette voie alors, et il répond : "Cela semblait être une bonne idée."

Alors que je regardais la production de Jaq Bessell du chef-d'œuvre comique d'Oscar Wilde, L'Importance d'être Constant, qui joue actuellement pour une saison limitée à l'Union Theatre (les jours où le théâtre serait autrement fermé pendant la saison de Love Story), cette séquence revenait sans cesse à mon esprit.

Bessell est honnête quant à son intention de "faire quelque chose" avec la pièce, en contradiction avec la récente production de Lucy Bailey dans le West End qui portait le nom de la pièce de Wilde, et c'est admirable. Au moins, le public sait ce qu'il est susceptible de voir.

Le concept de Bessell implique ce qui suit : deux acteurs masculins jouent tous les rôles ; les acteurs ont accès à un script sur scène ; les acteurs semblent tirer au sort pour savoir qui jouera qui avec le groupe de personnages (essentiellement Jack et tous ceux qui interagissent avec Algernon et, largement, vice versa) ; utilisation minimale des accessoires et de la scène ; touches absurdes pour faire ressortir un moment ; anachronismes modernes ; chant en mimant ; la danse étrange (et je veux dire étrange) ; la rupture du quatrième mur ; l'introduction de références sexuelles de mauvais goût.

Et, en réalité, il n'y a pas de raison pour laquelle beaucoup de ces idées ne pourraient pas être efficaces. Le théâtre moderne est plein d'exemples de petites troupes jouant plusieurs rôles au service de l'esprit de l'écriture ou de la production : la production révélatrice de Cymbeline à six personnes du Fiasco Theatre au Barrow Street Theatre à New York ou les représentations très réussies de Potted Potter et Les œuvres réduites de William Shakespeare sont des exemples évidents de ce concept qui fonctionne spectaculairement bien.

Ce n'est pas la première fois que des hommes s'attaquent aux rôles féminins de la pièce – Hinge et Brackett l'ont fait il y a longtemps, et d'autres avant et après – Geoffrey Rush a récemment incarné sa Lady Bracknell à Melbourne.

L'idée de tirer au sort pour obtenir un rôle peut apporter un surplus d'excitation à la performance, mais il doit être clair que le résultat est véritablement une surprise pour les acteurs et non pas juste un élément du spectacle. Ici, on n'était pas en mesure de savoir.

Mais ce n'est pas la vraiment mauvaise idée. Le style, ou son absence, est le bête noir ici, implacable et inflexible.

Wilde a écrit des dialogues qui scintillent, nécessitant une prestation rapide et parfaitement synchronisée pour atteindre ses sommets de plaisir. Inexplicablement, Bessell a permis une prestation réfléchie, presque languissante des répliques, pas toujours, mais presque toujours. Il y a une mélancolie, une fausse profondeur qui étouffe l'humour. Les répliques ne sont pas insignifiantes, Monsieur Bessell.

L'absence de style - ou peut-être l'adoption d'une approche anti-style - ravage les aspects physiques de la production autant qu'Hannibal a ravagé les Romains sur les rives du lac Trasimène. Il n'y a pas de cohésion - c'est le Anything Goes de Wilde. Les vignettes musicales et dansantes sont déroutantes, leur dessein indiscernable. Tout ce qu'elles font est d'interrompre le déroulement du récit.

Les références sexuelles ouvertes sont inutiles, et fatalement compromettantes, pour cette pièce, qui tourne entièrement autour du désir réprimé et des émotions. Une "position semi-allongée" n'implique pas un jeune homme avec son pantalon à mi-jambes, ses boxers serrés attirant l'attention sur un postérieur ferme. Voir Gwendolyn comme une folle de sexe est une totale méprise du personnage. Transformer Miss Prism de célibataire austère et glaciale en l'équivalent du vélo de la maison de retraite à la vue d'un Chasuble estropié, peut-être voûté, vide le charme de ces moments aussi sûrement et aussi complètement qu'un vampire rapace suce le sang vital de ses victimes.

Les costumes n'aident pas. On pourrait voir comment cela pourrait fonctionner en tant qu'idée si chaque acteur était impeccablement présenté en tenue de soirée, avec des accessoires glamour et appropriés pour désigner d'autres personnages : un plateau d'argent pour Lane, une serviette sur le bras pour Merriman, une jupe pour Cecily, un manteau brodé pour Lady Bracknell, une col rabattu pour le Révérend Chasuble, des pince-nez pour Prism et des bijoux et des gants pour Gwendolyn (par exemple). Mais non. Ici, les acteurs sont curieusement pieds nus, avec des chemises de soirée froissées et des pantalons de smoking, avec des chapeaux, des écharpes, des cannes et des visages soyeux grimaçants indiquant les différences entre les personnages.

Rien dans la production ne fonctionne. Elle manque de cohésion, de fraîcheur ou d'intérêt. Ainsi, comme c'est trop souvent le cas, le fardeau repose carrément sur le cast.

Simon Stallard prouve être le performeur le plus talentueux, avec légèreté et charme perplexe et sardonic qui convient à la palette de rôles qu'il interprète. Son Cecily était son meilleur travail, mais il y a eu des aperçus d'un vrai Jack aussi. Dans les limites de la vision de Bessell, il luttait virilement pour trouver un chemin qui fonctionne pour le texte et le personnage, ses yeux toujours vivants avec la possibilité, son corps chargé d'énergie. C'est un acteur à surveiller.

Bryan Hodgson, hélas, n'est pas un diplômé de l'approche "moins c'est plus" de la caractérisation comique, a tergiversé quelque peu, mais principalement à cause de la production. Le faire incarner Algernon lors de la première scène en boxer soyeux a assuré que toute compréhension du personnage était perdue, comme si avalé par un trou noir, et les tentatives (peut-être compréhensibles) de Hodgson pour dépasser ses jambes nues par le volume et la férocité de sa prestation n'ont pas aidé. Il était à son meilleur en tant que Lady Bracknell, bien qu'il ait manqué les nombreuses opportunités de silence comique que ce rôle offre, et à son pire en tant que Prism lubrique.

Des deux, Hodgson a le meilleur timbre vocal théâtral mais Stallard utilise sa voix avec plus d'efficacité. Pourtant, ils semblent clairement apprécier de travailler ensemble et leurs tentatives sans retenue et sans réserve de réaliser la vision de Bessell sont pleines de vivacité et de vigueur.

Deux acteurs prometteurs, une mauvaise idée et une grande pièce. Ma chaise est devenue complètement froide de chagrin.

L'Importance d'être Constant est jouée le 19 et 20 octobre.

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