CRITIQUE : La Maison de Bernarda Alba, Théâtre National ✭✭✭✭

Paul T Davies critique La Maison de Bernarda Alba de Lorca au National Theatre.

Harriet Walter. Photo : Marc Brenner La Maison de Bernarda Alba. National Theatre.

28 novembre 2023

4 Étoiles

Commencant le jour des funérailles de son mari, Bernarda Alba annonce huit ans de deuil et enferme ses cinq filles dans leur maison étouffante. Le dernier chef-d'œuvre de Lorca, mis en scène quelques semaines avant sa mort par peloton d'exécution, Bernarda est perçue comme une métaphore du fascisme espagnol et de la guerre civile de 1936. La scénographie de Merle Hensel crée littéralement une prison, répartie sur trois niveaux, où chaque pièce est effectivement une cellule, et peu de choses sont cachées, cela ressemble à un croisement entre Lorca et Prisoner Cell Block H. Pour moi, c'est la plus grande faiblesse de cette production. La réalisatrice du moment Rebecca Frecknall, (Cabaret, Un Tramway nommé Désir), jette littéralement une lumière fluorescente sur les choses et les émotions qui sont normalement cachées, suggérées, et subtiles. Habituellement, aucun homme n'est vu, et les villageois locaux sont tous hors scène. Ici, Frecknall amène le bel étalon local Pepe El Romano, (fiancé à la sœur aînée Angustias, un arrangement financier car elle a hérité de l'argent de son père, mais il couche chaque nuit avec la sœur cadette Adela), sur scène, dès le début, dansant comme le fougueux étalon dans l'Acte Trois. Lui, et les villageois cherchant à se venger de la pauvre fille du village qui a tué son enfant illégitime, sont intégrés tout au long de la production, et cela semble inutile. La pièce commence à nous dire comment nous devons nous sentir, plutôt que de nous montrer comment les personnages se sentent.

La Maison de Bernarda Alba. Photo : Marc Brenner

Pour moi, cela crée une fracture dans la production, car, tandis que les idées de la réalisatrice attirent l'attention, la distribution est superbe. Le sujet et l'oppression sont horriblement pertinents, et à la tête du groupe se trouve une performance magnifique de Harriet Walter en tant que Bernarda. Trop souvent, le danger est que Bernarda soit présentée comme une pure tyran, unidimensionnelle dans sa cruauté. Pas ici. L'avantage de la maison ouverte, c'est que nous voyons son angoisse privée lorsqu'elle n'est pas devant ses filles et ses servantes, et nous voyons les pressions qu'elle s'est infligées ainsi que les pressions sociétales. Son premier, et dernier mot prononcé dans la pièce est « Silence », et elle fait quelque chose avec ce silence final que je n'ai jamais vu un acteur faire auparavant. C'est déchirant et l'un des moments théâtraux de l'année. Elle est égalée par la superbe Poncia de Thusitha Jayasundero, une servante souffrante et de longue date, la mère de substitution des filles, les captivant avec ses récits épicés de son mari, voyant la tragédie se dérouler bien que Bernarda soit aveugle à cela. Eileen Nicholson est presque spectaculaire dans le rôle de la mère atteinte de démence de Bernarda, Maria Josef, le membre le plus libre du ménage, disant des vérités sur les filles alors qu'elle pleure la perte de son fils et le manque d'hommes dans la maison. Les filles sont toutes excellentes, la situation sous pression faisant d'elles les gardiennes les unes des autres, et j'aurais été également captivé si elles avaient joué sur une scène nue.

Photo : Marc Brenner

La version d'Alice Birch, possiblement après son travail avec Clean Break, parsème le script du mot « fuck », et cela semble très incongru sortant de la bouche de ces femmes réprimées des années 1930, bien que cela souligne l'uniformité de leur situation. Pour moi, cela accentue la dichotomie au cœur de la production. Indéniablement inventif, le jeu est si puissant que la production attire souvent l'attention loin de l'ensemble.