CRITIQUE : The Gin Game, Théâtre Golden ✭✭✭

The Gin Game

Golden Theatre, Broadway

15 octobre 2015

3 Étoiles

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Elle est frêle, nerveuse, intelligente. Elle pourrait être malade, mais il y a un vif sentiment de vie dans chaque fibre de son être. Elle a peut-être 90 ans mais le temps ne l'a pas encore mise de côté. Elle a un sourire rapide, une langue acérée, des yeux perçants - on a l'impression que peu de choses échappent à son attention. Mais elle est indéniablement vieille et elle semble très seule.

Il est une brute d’homme, ou plutôt, ce qu'il reste d'un homme. Lui aussi paraît très vieux, bien que pas tout à fait aussi âgé qu'elle. Il est beaucoup plus grand, beaucoup plus large, beaucoup plus épais, un véritable ours. Ses yeux sont brillants, mais pas autant que les siens; il se déplace plus lentement, mais on sent clairement qu'il pourrait bouger rapidement s'il le voulait. Son tempérament est explosif, une situation démontrée dès le début.

Il l'encourage, la contraint à jouer au Gin Rummy avec lui. Il veut gagner; elle gagne toujours, qu'elle connaisse ou non les règles, le jeu ou le meilleur cours d'action. Quand il renverse la table de jeu dans une rage incontrôlable face à sa maîtrise des cartes, on ne peut s'empêcher de craindre pour sa sécurité. Il pourrait facilement lui briser le cou dans une colère effroyable.

Mes compagnons de spectateurs, cependant, ont trouvé cela drôle.

Ceci est la reprise de The Gin Game, la pièce primée par le Pulitzer de D.L. Coburn, mise en scène par Leonard Foglia et actuellement à l'affiche au Golden Theatre de Broadway. Lorsqu'elle fut produite pour la première fois à Broadway, en 1977, elle mettait en vedette le duo mari et femme, Jessica Tandy et Hume Cronyn. Elle n'a pas remporté le Tony Award de la meilleure pièce, mais Tandy a décroché le prix de la meilleure actrice. Comment elle a remporté un Prix Pulitzer reste un mystère, car c'est une œuvre légère et simple, la première pièce de Coburn pour le théâtre.

Un soupçonne que le secret réside dans la chimie des deux acteurs. Avec Tandy et Cronyn, elle était intégrée d'office : c'est une pièce sur des étrangers qui découvrent leurs similitudes, leurs points de fusion, testant les limites de l'autre. Pour Tandy et Cronyn, cela devait être comme respirer, comme le suggère le film de leur prestation. D'autres productions ont reposé sur une chimie similaire : Mary Tyler Moore et Dick Van Dyke; Julie Harris et Charles Durning. La chimie entre les deux vieux combattants est réellement la clé.

Et il est indéniable que Cicely Tyson et James Earl Jones ont une chimie, le genre de chimie qu'un mari brutal et maltraitant et sa femme éternellement souffrante possèdent. C'est effrayant, terrible, chargé émotionnellement et totalement crédible : des milliers de femmes dans le monde, occident et orient confondus, connaissent bien ce type de relation.

C'est juste pas drôle. Du moins, pas drôle à mon sens. Les membres du public autour de moi riaient sans fin, même lorsque les larmes apparaissaient dans les yeux de Tyson, même lorsque Jones était lui-même horrifié de ce qu'il avait fait mais continuait de le faire. Qu'y a-t-il de drôle dans le fait qu'un homme agresse violemment une femme par des mots, des intentions, des pensées et des actions, surtout lorsqu'il sait que cela la terrifie ?

Les performances m'ont semblé finement jugées, allant peut-être là où les productions précédentes n'étaient pas allées. Il y a une brutalité, une intensité douloureuse dans l'exaspération de Jones qui est imprégnée de violence domestique entre un homme et une femme. Il n'y a rien de mal à cela, c'est une lecture qui fonctionne parfaitement. Cela n'amène juste pas à une soirée plaisante de rires légers au théâtre.

C'est là le grand problème. Ces acteurs aimés sont adorés pour qui ils sont, ce qu'ils ont fait auparavant, plutôt que pour ce qu'ils font ici. Dans la mode typique et obséquieuse de Broadway, ils sont applaudis à leur entrée, avant même qu'ils aient fait quoi que ce soit pour mériter des applaudissements. Ce sentiment de "ce sont des stars" imprègne l'action, berce ou permet au public de croire que la pièce sera un bon moment, amusant. Ou peut-être que le public attend juste cela et insiste pour que ce soit leur réaction.

Pour moi, cependant, cela est insondable.

Les deux acteurs ici font quelque chose de tout à fait différent d'une comédie de salon. Ils tentent de faire passer un message et, courageusement, un message qui va au-delà de la communauté caucasienne. Les mauvais traitements infligés aux femmes sont partout et doivent cesser - c'est ce que cette version de The Gin Game crie. Le problème est que personne ne semble écouter.

Tyson est particulièrement efficace. Elle est merveilleusement vivante et agile en tant que Fonsia, la pensionnaire d'une maison de retraite qui veut encore vivre et qui, par-dessus tout, veut de la compagnie. Elle supplie pratiquement Jones de l'adopter comme partenaire, et ses "rébellions" contre son mauvais comportement ont tous les traits d'une épouse loyaliste battue. La scène où ils dansent ensemble est douloureusement tragique - elle montre ce qu'ils pourraient avoir, si seulement tous deux, pas seulement Jones, mais tous deux, laissaient cela se produire.

Parce que Fonsia, le personnage de Tyson, tient à être la plus intelligente. Très bien, car elle l'est clairement. Mais sa persistance à cela a des conséquences pour elle; la colère et l'irritation de Jones et, possiblement à la fin, un rejet catégorique. Est-ce le bon résultat pour elle ? Laisserait-elle le gagner de temps en temps - appelée compromis en thérapie pour couples, je crois - permettre une coexistence plus heureuse ?

Est-il préférable pour Fonsia d'affirmer toujours sa finesse intellectuelle sur Weller, le personnage de Jones ? Alors qu'ils plongent dans les vies et les faiblesses de chacun en jouant au Gin Rummy, est-il nécessaire pour elle de lui frotter son nez dans son intelligence ? Cela devrait-il autant importer pour lui qu'elle le fasse ? Devrait-elle pardonner son agressivité physique et tempétueuse ou faire ce qu'elle peut pour s'assurer que cette agressivité ne se concrétise jamais ?

Ce sont des questions qui se trouvent au cœur du grand drame. The Gin Game n'est peut-être pas dans la ligue des grands dramaturges modernes, mais cette production lui donne l'occasion de viser ce palier. Tyson comprend cela; il n'est pas clair que Jones le saisisse ou le pourrait.

Sans aucun doute, Jones possède l'une des grandes voix théâtrales. Son puissant basso profundo, profond comme l'océan, est vraiment extraordinaire, et quand il prend le temps de laisser sa voix s'adoucir et scintiller, il est vraiment remarquable à entendre sur n'importe quelle scène. Il y a une rigueur sonore qui est séduisante. Mais, également, il ne peut se défaire du lustre et de l'image de Darth Vader (et pourquoi le ferait-il !) donc à moins qu'il ne travaille très dur à cela, le sentiment de danger est constant.

Ainsi, dans cette production, Jones devient le Stanley Kowalski de la maison de retraite, capable d'une vraie violence mais pas nécessairement d'une violence intentionnée. Il se nourrit de la Fonsia semblable à un lapin de Tyson avec une véritable habileté - tous deux rendent le chasseur et le chassé assez clairs. Le problème est que le texte voit réellement Fonsia comme le chasseur...

Les acteurs étant des acteurs, ils prennent leur inspiration dans le public. Les rires viennent. Et donc les performances sont ajustées pour convenir et obtenir plus de rires. C'est compréhensible.

Mais, c'est aussi simplement faux. Avec ce casting, ce n'est pas une comédie. C'est un drame frappant et merveilleux sur la bataille des sexes et comment ces batailles ne diminuent pas avec le passage du temps. Antoine et Cléopâtre peuvent être trouvés dans des maisons de retraite, jouant au Gin Rummy et se testant et se taquinant l'un et l'autre. L'âge ne diminue pas les traits intégrés renforcés par la société.

Foglia doit porter la responsabilité là-dessus. Si cela était censé être une occasion de ré-imaginer cette pièce pour un nouveau public, pour de nouveaux temps, avec des combattants centraux complètement différents, cela échoue. Cela aurait pu être une exploration brûlante et perçante de la dysfonction sexuelle et sociétale - et avec ce casting, cela aurait pu l'être. Tyson pourrait certainement le faire ; Jones, probablement, avec la bonne vision de mise en scène.

Au lieu de cela, la pièce vise le détestable terrain d'entente, où la violence contre les femmes est drôle et les publics trouvent cela ainsi. Prendre la route moins fréquentée, comme Robert Frost le savait très bien, aurait fait toute la différence.

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