CRITIQUE : Les Flannelettes, King's Head Theatre ✭✭✭✭✭

Les Flannelettes. Photo : Francis Loney Les Flannelettes

King's Head Theatre

19 mai 2015

5 étoiles

Les Flannelettes viennent au King’s Head Theatre dans le cadre des célébrations de son 45e anniversaire. La pièce réunit Richard Cameron et Mike Bradwell, l'équipe qui avait rencontré un tel succès au Bush avec The Glee Club (2002) et des œuvres similaires. Elle partage de nombreuses qualités similaires à son prédécesseur à succès national : un décor dans une ville du nord en difficulté, peuplée de femmes dures ou exploitées et d'hommes violents ou inefficaces ; où la musique comble le grand fossé entre les circonstances difficiles de la vie quotidienne et les aspirations et les désirs de l'âme. Le rideau se lève sur une routine hommage à Tamla Motown dans un Miners’ Welfare Club, qui nous présente cinq des six personnages de la pièce – Brenda (Suzan Sylvester), une veuve qui dirige le refuge pour femmes local ; sa nièce, Delie (Emma Hook), âgée de 22 ans mais avec un âge mental d'une décennie plus jeune ; Roma (Holly Campbell), son amie plus âgée et la petite amie très abusée d'un chef de gang local ; Jean (Celia Robertson), une femme éduquée des Home Counties, récemment arrivée au refuge, et George, (Geoff Leesley) un prêteur sur gages local jovial mais fané, traîné courageusement pour compléter le nombre. Ils sont rejoints plus tard dans la scène par Jim, (James Hornsby) un officier de police communautaire marié, qui s'avère avoir une liaison avec Brenda. Le numéro d'ouverture fait partie d'un acte régulier, et son ton d'aspiration romantique élevée couplé à un sentiment de déception implacable et inévitable définit le motif pour la pièce dans son ensemble. Les personnages font de leur mieux pour échapper à un ensemble apparemment prédestiné de prédicaments puis répètent ou exécutent des morceaux de Motown comme un commentaire choral sur la violence et le désespoir qui menacent de les submerger. À moins que cela ne semble à la fois un scénario familier et statique, permettez-moi de dire immédiatement que chacune des nombreuses scènes est magnifiquement conçue de manière à ce que la première moitié établisse une caractérisation riche et profonde à partir de laquelle un drame de puissance brute émerge dans la seconde moitié. Ce sont des performances détaillées où de nombreux petits points de texte ou de manières ou de gestes reviennent vous frapper avec une nouvelle signification à la deuxième fois que vous démontrez et remarquez. Il y a un équilibre délicat entre la comédie et le pathos qui ne cesse d'osciller et de se déplacer jusqu'à un tournant décisif et sombre dans les dernières scènes qui sont jouées avec une grande grâce et compétence par tous les concernés. Bien qu'il y ait des performances exceptionnelles que je doive mettre en avant dans cette critique, c'est avant tout un succès d'ensemble, où l'écrivain s'assure, comme un librettiste d'opéra, que chacun des personnages est doté de solos efficaces, et de duos de contraste avant de participer à des ensembles d'une énergie réelle, d'esprit et – là où nécessaire – de colère. Tous les acteurs sont forts et distinctifs ; et malgré toute la tristesse enveloppante de la fin, cela passe comme une production très heureuse qui laisse le public sentir qu'une affirmation de la vie a lieu ainsi qu'un examen minutieux d'un abîme d'abus.

Une partie de la raison de ce sens de l'équilibre et du succès global de la production est le fait que l'accent est mis sur le développement individuel des personnages plutôt que sur l'attribution schématique de la faute. Il n'y a pas de thèse dogmatique à l'œuvre ici : la dégradation socio-économique de la ville minière est un fait, un triste arrière-plan et non un agenda politique. Non pas qu'il y ait quelque chose de mal à cela dans l'abstrait, mais cela en ferait une pièce très différente – une approche de David Hare ne fusionnerait pas avec le cri primal de l'âme utilisé de manière si émouvante ici. Fondamental à l'action est l'interprétation usée, désabusée, infiniment patiente et acceptante de Brenda par Sylvester. Elle est le centre émotionnel calme de la pièce autour duquel les autres personnages gravitent, et vers qui ils reviennent. Il serait facile de transformer cela en une caricature d'une femme du nord stoïque, mais elle ne manque pas les occasions de révéler sa propre déception et ses dommages émotionnels. Il y a des moments de vulnérabilité touchante dans ses interactions avec les deux hommes du casting en particulier, qui sont très émouvants. À ses côtés au refuge, Robertson transmet habilement le parcours de Jean, d'épouse battue traumatisée à une résistance fougueuse et une récupération malgré la perte de sa famille – vraiment le seul personnage qui termine la pièce dans un meilleur endroit psychologique qu'avant. Les deux hommes – George et Jim – sont plus difficiles à réaliser en raison du sentiment constant et accablant d'échec de leurs personnages – George a les meilleures intentions, une véritable bienveillance et une empathie, mais une énergie et une capacité réduites à mener les choses à bien ; Jim a de l'énergie mais peu de compréhension émotionnelle, que ce soit de lui-même ou des autres. Tous deux ne parviennent pas à comprendre les conséquences désastreuses de leurs propres actions pour les femmes du refuge. Le pouvoir réside toujours avec des hommes soit faibles, soit brutaux (en coulisse) et manipulateurs. Les deux acteurs parviennent à rendre ces hommes sympathiques, même si la tirade émotionnelle et la dérive de la pièce sert à installer un thrène pour et sur les femmes.

Mais les performances remarquables sont sans aucun doute celles de Holly Campbell et Emma Hook. Pendant la majeure partie de l'action, Campbell doit incarner une femme qui n'a plus d'estime de soi, qui se remet ou s'apprête à subir encore des violences physiques. Elle capture de manière très économique et sans sentimentalisme la qualité aux yeux vides et engourdis de la victime perpétuelle, tout en préservant une voix et une personnalité différentes pour ses espoirs d'avoir un foyer à elle. Dans ses scènes avec Hook, leur rétablissement mutuel d'un espace pour l'espoir est très émouvant. Cependant, Delie est le centre d'attention du public chaque fois qu'elle est sur scène. Elle joue son personnage avec innocence, certes, mais avec de nombreuses autres couches aussi : la vision en tunnel et la curiosité implacable d'une enfant avec une énergie abondante mais une confiance mal placée se manifestent puissamment dans la première moitié ; et dans la seconde, alors que l'obscurité se referme autour d'elle, le perplexité, la douleur incompréhensible et le désir désespéré de conserver une ancre sécurisante dans le monde adulte commencent à prendre le dessus et vous voyez les contours d'une performance de véritable grandeur. Son monologue dans la section finale de la pièce est l'un des deux ou trois meilleurs moments de théâtre que j'ai vécus cette année ; l'un de ces instants où le public est entièrement en phase avec l'acteur et toutes les considérations externes sont écartées.

Cette pièce est un hommage digne de tout ce que le King’s Head représente. Allez la voir si vous le pouvez dans ses derniers jours, et je ne peux qu'espérer qu'elle sera bientôt montée sur une autre scène.

Les Flannelettes se joue au Kings Head jusqu'au 6 juin 2015