CRITIQUE : Le Père, Théâtre Wyndhams ✭✭✭✭✭

Claire Skinner et Kenneth Cranham dans Le Père. Photo : Simon Annand Le Père

Théâtre Wyndham

2 novembre 2015

5 Étoiles

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Il y a beaucoup à dire sur le fait de ne rien savoir d'une production théâtrale que vous êtes sur le point de voir, à part la vue réconfortante du nom d'un acteur que vous respectez sur l'affiche. Les attentes ne sont jamais exagérées dans de telles circonstances et l'esprit est plus prêt à s'ouvrir à de nombreuses possibilités. Il est rare qu'à mi-chemin d'une production, l'effet de la production soit de remettre en question sa propre santé mentale. Pas dans le sens « Je suis fou de continuer à m'asseoir pendant ce navet » (cela arrive avec une fréquence alarmante) mais dans le sens « que se passe-t-il ici, je ne, non, ne peux pas, comprendre cela – suis-je en train de perdre la tête ? ».

Pourtant, c'est précisément ce qui se passe dans la production de James MacDonald du Père de Florian Zeller, qui fait maintenant ses débuts dans le West End au Théâtre Wyndham. Zeller est français, donc les convolutions, la forme, les personnages et la situation lui appartiennent entièrement, mais les mots ici viennent de Christopher Hampton, dont la traduction est sobre, directe et poignante. C'est un mélange puissant de talent d'écriture suprême et la production de Macdonald révèle la vérité poignante de chaque passage.

Comme mon compagnon l'a chuchoté à la fin, « C'est sombre ». Cela l'est en effet - glorieusement.

Claire Skinner et Kenneth Cranham dans Le Père. Photo : Simon Annand

Dans le programme, Zeller exprime son ambition pour la pièce en ces termes :

« Le Père tente de comprendre, à travers le théâtre, la situation d'un vieil homme qui a perdu tous ses repères et est arrivé à ce moment où son royaume se dissout. Qu'est-ce qui m'a attiré vers ce sujet ? Je ne sais pas exactement. Mais une chose que je crois, c'est que le théâtre peut utilement – et immédiatement – tenir un miroir à son public, nous permettant de nous reconnaître et donc de mieux nous comprendre. C'est pourquoi j'étais désireux que lors de ce voyage particulier nous ne soyons pas seulement spectateurs, que nous aussi nous perdions dans ce labyrinthe mental – afin de vivre plus complètement, de l'intérieur, la tragédie de la vieillesse, et cette fragilité de la vie qui nous rend tous égaux. »

Rarement une ambition exprimée a-t-elle été aussi totalement réussie que celle de Zeller ici, où son œuvre est façonnée par Hampton et Macdonald en une belle symphonie de douleur. En effet, la notion de symphonie est presque littérale, car les nombreuses scènes courtes sont liées par la conception sonore captivante de Christopher Shutt, qui semble comprendre de la musique de piano classique (du moins pour la plupart) superbement jouée, sauf pour la note ou le repos inattendu manqué. Au fur et à mesure que la pièce progresse, le nombre de ruptures étranges dans la musique augmente, fournissant ainsi une analogie auditive pour l'apparition et la progression de l'Alzheimer, qui est le sujet de la pièce de Zeller.

L'éclairage de Guy Hoare fait également partie de la transmission de la signification. Comme chaque scène (ou la plupart en tout cas) commence, il y a un effet d'étincelle, une petite représentation visuelle d'une connexion correcte qui se fait, juste avant que les lumières ne s'allument. L'étincelle varie en intensité au fur et à mesure que le récit progresse et quand elle est absente, le silence parle effectivement beaucoup.

Le décor de Miriam Buether fait son propre gros travail. Buether établit sans effort la nature parisienne de l'appartement et dispose la salle avec soin. Au fur et à mesure que les scènes passent du temps A au temps B, le public est doucement placé dans le mode « que s'est-il passé avec tous les meubles », se demandant si le retrait des meubles est une métaphore pour la maladie d'Alzheimer. C'est bien sûr le cas, mais le véritable objectif de Buether est plus astucieux : le décor et ses changements représentent la confusion du personnage central, André, qui est coincé, demandant toujours où sont les choses plutôt que de demander où il est.

Kenneth Cranham et Claire Skinner dans Le Père. Photo : Simon Annand

Tout dans la production de Macdonald est intelligent et bien réfléchi. Les changements de décor difficiles se produisent dans l'obscurité totale, accentuant la sensation troublante qui se produit de scène en scène. L'effet global de la production est de vous placer fermement dans la perception, la perception tremblante, incertaine et toujours changeante, vécue par André. C'est le fondement de l'approche de Zeller : les scènes et les personnages se déroulent et sont joués du point de vue d'André.

Dans les premières étapes de la pièce, cette approche est à la fois confrontante et désarmante. Je me suis retrouvé à consulter le programme pour vérifier qui était qui avant de comprendre que c'était la subtilité de Zeller (plutôt que de penser que j'avais manqué quelque chose). Une fois que vous cliquez dans le bon mode réceptif, acceptez de ne pas tout comprendre, vous êtes libre de vous émerveiller devant la performance extraordinaire de Kenneth Cranham en tant qu'André et de comprendre un peu ce que c'est que d'avoir son esprit défié par l'Alzheimer.

Kenneth Cranham dans Le Père. Photo : Simon Annand

Il serait facile de faire d'André une caricature de personnes atteintes de démence, mais Cranham ne tombe pas dans ce piège. Sa performance est brute, douloureuse à regarder par moments en raison de son honnêteté déchirante, et brutalement réaliste. Tout au long de la production, il montre André dans toutes ses nuances, de la lucidité à l'absence totale de secours. Et il permet magistralement à ces nuances de s'assombrir, de s'éclaircir et de s'inverser en quelques secondes, alors qu'André glisse dans le brouillard qui l'engloutit.

Cranham extrait le plus d'humour possible du personnage, ajoutant, bien sûr, à l'accessibilité et à l'humanité d'André. Il montre aussi sa colère, sa solide fureur face à ce qui lui arrive, ainsi que des moments de prise de conscience étonnants qui sont profondément touchants. Une séquence où André note qu'il est comme un arbre qui a perdu toutes ses feuilles est absolument déchirante. La scène finale est aussi poignante que n'importe quelle scène du Roi Lear.

C'est une véritable magnifique prestation de Cranham, facilement l'une des grandes performances de l'année et de la décennie.

Le reste de la distribution est tout aussi brillant. Certains, sinon tous, portent le fardeau de jouer un personnage réel (quand André est lucide) et un personnage rappelé/perçu (quand André s'éloigne mentalement). Claire Skinner (Anne, la fille d'André) est particulièrement douée pour cela, mais toute la distribution gère cette prouesse avec compétence. Une scène merveilleuse se produit lorsque le personnage de Jim Sturgeon menace, provoque et agresse André : c'est un moment très troublant, une instance de mémoire et d'émotion se combinant pour s'exprimer dans les pensées d'André, mais Sturgeon y est terriblement vide.

C'est une pièce pour notre époque. Un jour, tout le monde sera touché par les problèmes examinés ici, soit en tant qu'aidant, partenaire d'un aidant, ou personne aidée. La performance subtile et superbe de Cranham suffit à elle seule à voir cette pièce, mais en réalité c'est la pièce qui est essentielle.

Le Père est à l'affiche au Théâtre Wyndham jusqu'au 21 novembre 2015. Réservez maintenant.

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