CRITIQUE : The Dreaming, Union Theatre ✭✭✭

The Dreaming Union Theatre 6 septembre 2014 3 Étoiles

Imaginez la scène. Une forêt riche, verdoyante, abondante, verte et peut-être commençant, juste, à devenir dorée, remplie de fleurs qui apportent des éclats de couleur et de parfum à chaque pas le long du chemin usé ; des vignes, des arbres luxuriants de fruits, des pommes de pin et des feuilles ; une colline, où les ombres vacillent et dansent dans le coin de votre œil ; un lac, scintillant et luisant au clair de lune ; et un cercle de pierres, vestige d'une vie païenne révolue. C'est ce dernier été avant le début de la Première Guerre mondiale et il y a une innocence, un sentiment de convenance, de tradition, de formalité, de longues jupes et de complets trois pièces imprégnant chaque recoin de la forêt où les rayons de lune se faufilent et transforment.

C'est un lieu vibrant de possibilités - sensuel, lumineux, mûr et avec juste une touche de mystère incertain. Un endroit où la magie pourrait si facilement se produire.

Avez-vous l'image en tête ?

Bien, car c'est le cadre de l'adaptation musicale magnifique de Howard Goodall et Charles Hart de la pièce de Shakespeare A Midsummer Night's Dream, désormais relancée au Union Theatre sous la direction de Paul Clarkson, direction musicale de David Griffiths, chorégraphie de Helen Rymer et scénographie et costumes de Kingsley Hall.

C'est particulièrement bien d'avoir cette image à l'esprit car rien dans cette production ne vous donne l'impression qu'un tel endroit est le bon cadre pour ce vraiment très beau musical. Ce qui est désespérément dommage.

Hall a montré un grand jugement en matière de design dans des productions précédentes, mais pas ici. Une palette de marron et beige est troublante par son inadéquation pour le genre de beauté naturelle et éclatante qui illuminerait et encadrerait correctement le récit et la partition. Le grand mystère est pourquoi la partie de l'espace de jeu, visible de chaque siège dans la maison, est réservée au petit orchestre ; même si cela était souhaitable, il n'y aurait aucune raison pour laquelle il ne pourrait pas y avoir une forêt devant l'orchestre et un sentiment du lac, du lit de feuilles, de brindilles et de fleurs où les jeunes amoureux humains finissent par s'endormir ensemble.

De plus, et de manière extraordinairement maladroite, l'espace est agencé de sorte que les entrées ne peuvent pas se faire partout à travers le public. C'est particulièrement étrange dans un espace aussi flexible que l'Union et cela signifie qu'il y a beaucoup de course inutile et bête derrière le dos des sièges. La perte d'opportunité d'avoir le peuple mystique apparaissant constamment à travers le public est profonde.

Il est rare que le design pour un musical et le concept du jeu travaillent si fort contre le tissu et la musicalité de la pièce - mais, hélas, c'est le cas ici.

Ce qui est le plus extraordinaire, c'est que, malgré cette pure absurdité, la puissance de l'œuvre elle-même - à la fois livret et partition - est presque suffisante pour rendre les décisions de mise en scène et de design insignifiantes.

Hart a fait un excellent travail d'adaptation des histoires principales du Barde. Le sentiment de la vie rurale de domaine est palpable, tout comme la hiérarchie, le sentiment d'indignation morale du père dont la fille s'est apparemment enfuie et le tumulte des gars qui ici remplacent les mécaniques. Et ses paroles sont habiles, palpitent de vie et d'intérêt et ne faiblissent jamais, ne descendent jamais dans l'irritation banale. De même, il y a de la passion et de la sensualité dans les passages impliquant le peuple féerique et un réel sens du divertissement dans le matériel plus comique.

Vraiment, le travail de Hart ici est exceptionnellement bon.

Et il inspire Goodall, dont les mélodies musicales, harmonies, contre-points, polyphonies et fioritures sont absolument exquises. La musique est pleine de passion, de joie et d'expression, particulièrement dans le deuxième acte. Il y a des airs enjoués, des chansons réfléchies, des chœurs entraînants, des ballades intrigantes et des chansons de type patter. Et, bien sûr, des chansons d'amour, mais pas de celles qui sont sentimentales et stupides, mais des chansons envoutantes et évocatrices qui font avancer le récit de manière intéressante et absorbante.

Griffiths s'assure que la distribution bénéficie d'un bon soutien orchestral, mais il est indéniable que cette partition appelle une section à cordes complète et une section bois complète. Quelle félicité aurale il y aurait alors ici, dans cette musique riche et complexe de Goodall.

Cette pièce a été commandée par le National Youth Music Theatre et, en conséquence, il est possible pour de très jeunes gens de jouer tous les rôles, comme c'est le cas dans cette production. Mais il est assez clair qu'avec une distribution de tous âges, et un budget et un décor qui complètent le travail, cela pourrait être un musical vraiment extraordinaire. C'est un mystère pourquoi le National ne l'a pas exploité au lieu de verser des millions dans la perte de temps qu'était The Light Princess. Si ceci bénéficiait du soin et de l'attention somptueuse que Matilda a reçus, ce serait un succès mondial.

La distribution ici est en grande partie très talentueuse et pour la plupart fraîchement sortie d'une école de théâtre ou d'une autre. L'exception principale (à propos d'être juste sorti de l'école de théâtre) est Michael Chance qui est tout à fait charmant dans le rôle du Vicaire légèrement maniaque mais bien intentionné, version de Peter Quince.

Un autre est Christopher Hancock qui est exceptionnellement bon dans le rôle de l'ange Oberonesque, grand, viril et avec une voix robuste et un air de menace et de malice parfait. Ses scènes avec l'étonnante Christina Harris, qui joue Sylvia, sont chargées d'une énergie sexuelle, d'une presque sensation vicieuse de jeu de pouvoir ; mais il est joueur avec Jack/Puck (un beau tour de Simone Murphy) et le centre déterminé de la quasi-orgie qui se produit au deuxième acte. Hancock est définitivement un à surveiller.

Il y a un excellent travail d'Alex Green, qui est un lutin vigoureux, en sueur et un Bob stupide ; de David Breed, un tour attachant dans le rôle du joyeux Grubb, il éclaire chaque moment où il participe ; de Christina Harris en tant que la fée énigmatique et malicieuse Aphra ; et de Michael Burgen en Bottom/Cheek, formidable de toutes les façons, grande voix, grand esprit, grand timing.

Il y a trop de cris, de bouderie, de sur-jeu et un échec complet à s'engager dans le timing comique et la livraison nécessaires pour faire fonctionner les quatre amants - mais cela semble plus concerner la direction de Clarkson que les compétences du quatuor. En grande partie du moins. Joshua Tonks est tout raide grommelant en tant que David ; Alastair Hill est un nerd frénétique dans le sens du pantomime, avec pomme à la main, en tant qu'Alexander ; Holly Julier est mignonne et son défaut de parole idiot fonctionne presque, mais elle n'est pas suffisamment envoûtante en tant que Charlotte ; et Rachel Flynn est dépassée, vocalement et dramatiquement, en tant que Jennifer, l'objet des affections d'Alexander et de David.

À part Flynn, il est clair que tous pourraient jouer leurs rôles exceptionnellement bien, mais les choix ici sont tous crus et évidents, alors que des récompenses réelles viendraient de tours plus subtils, empreints de chaleur simple et d'amour.

Le reste de l'ensemble est tout à fait capable et il y a un travail vocal magnifique dans les plus grands numéros d'ensemble. La chorégraphie de Rymer est généralement efficace, parfois exceptionnelle, et toute la compagnie l'exécute avec style et compétence.

Il y a tant à aimer ici ; il suffit simplement de plus de direction sensée. La partition et le livret sont de première classe et il y a des performances qui resteront dans la mémoire longtemps. Aussi imparfaite que soit cette production, elle démontre la force de la collaboration Goodall/Hart.

Pour plus d'informations sur The Dreaming, visitez le site web du Union Theatre