CRITIQUE : La Tour Sombre, Youth Music Theatre ✭✭✭✭✭

La Tour Sombre

Youth Music Theatre,

Café CLF, Bussey Building,

Peckham Rye Lane,

Mercredi 24 août 2016

5 Étoiles

C'est probablement le plus grand événement de théâtre musical de l'année. Et je choisis mes mots avec soin. YMT est un acronyme qui apparaît avec une fréquence croissante dans les biographies des artistes et des équipes techniques des programmes de théâtre, répertorié sous « Formation ». Il se place aux côtés des meilleures écoles de théâtre du pays comme un creuset de nouveaux talents. Et, en tant que producteur, il est une force avec laquelle il faut de plus en plus compter dans la commande, le développement et la promotion de nouvelles œuvres dramatiques originales. Et cet été, il a monté une nouvelle œuvre magnifique qui ne ressemble à rien de ce que la plupart d'entre nous ont déjà vu.

L'hiver dernier, j'ai aperçu un extrait du drame dansé de YMT de 2015, 'Sweat Factory', dans la sélection de concerts de Noël présentée à la Salvation Army Hall sur Oxford Street. J'ai été tellement impressionné par ce que j'ai vu - et entendu (la chorégraphie de Rachel Birch-Lawson sur la mise en musique de Garth McConaghie d'après le livret d'Aoife Manix), je savais que je devais absolument voir tout ce que cette compagnie faisait sous la même forme.

Ainsi, dès que 'La Tour Sombre' a été annoncée, avec la même chorégraphe fascinante travaillant à nouveau avec son chorégraphe associé habituel, Khyle Eccles, je me suis précipité pour réserver. Je pense maintenant que c'était l'une des meilleures décisions que j'ai jamais prises.

Conor Mitchell, un créateur de théâtre d'Irlande du Nord, qui utilise la musique, le texte et la narration pour créer son travail, a écrit une réponse étonnante à la pièce radiophonique de Louis MacNeice de 1946 du même nom. L'origine de la pièce est éloquente en elle-même : au début de la première année après la fin de la Seconde Guerre mondiale, inspiré par le poème de Robert Browning, 'Childe Roland to the Dark Tower Came' (qui à son tour trouve ses racines dans 'Le Roi Lear' de Shakespeare), le BBC Home Service a demandé à MacNeice un drame en vers sur le sujet des relations de l'homme avec la guerre, et a commandé une musique à Benjamin Britten pour cela. C'était une œuvre née d'une immense souffrance et de sacrifices, dans un monde où les bouleversements et les conflits semblaient sans fin. Cela ne pourrait guère être moins pertinent aujourd'hui.

Maintenant, si ce sont des noms que nous n'associons pas nécessairement au théâtre musical contemporain, c'est parce que ce travail nous emmène au-delà de ce que nous faisons habituellement et pensons.

Ce qu'a écrit Mitchell est plus qu'imprégné de l'esprit de Britten ; il s'ouvre avec des fanfares caractéristiques et des floraisons, délivrant un tutti choral audacieux dans un cadre tonal large, nous rappelant instantanément le compositeur de tout, de 'Night Mail' à 'War Requiem'. Il ébranle notre certitude de l'endroit où nous sommes et de ce qui se passe avec des torsions et des saccades surprenantes dans les contours harmoniques. Il nous bombarde avec des groupes choraux à écho antiphonal, qui résonnent comme des canonnades dans le bâtiment industriel qui abrite cette performance.

Et c'est là que nous remarquons une autre affinité : le caractère des successeurs de Britten, notamment Michael Tippett, pousse en avant et devient d'autres personnages dans cette aventure musicale : au fil des progressions de l'œuvre, nous pourrions presque être au milieu de 'A Child of our Time', dans les chœurs d'une beauté fondante ou dans le drame et les dangers de la Deuxième Symphonie. C'est exaltant. C'est surprenant. C'est aussi la partition la plus audacieuse et originale que vous entendrez cet été, à part le 'Jesus Christ Superstar' de 1970 d'Andrew Lloyd-Webber.

Nous nous lançons dans une sorte de Voyage du Pèlerin du Soldat Inconnu. Conçue consciemment par MacNeice comme 'une fable', le Soldat est sa figure centrale envoyée en quête. Dans la production de Rachel Birch-Lawson, le voyage, la recherche, la mission, est représentée par des groupes et ensembles en continuelle reconfiguration. En effet, elle nous relocalise dans l'escalier du bâtiment vers des niveaux de plus en plus élevés : la deuxième salle est plus petite, encombrée de bouteilles en plastique transparentes : le troisième et dernier niveau est une boîte noire abruptement différente, avec des marches en podium noir menant à une tour de type pavillon stylisé (ou, s'agit-il du nuage de poussière d'une explosion atomique ?). La durée de chaque étape se réduit, avec la dernière étant brève et exquisément poignante.

Tout cela suggère à peine l'assaut sensuel étonnant de la musique luxuriante, et les mouvements élégants, précis et si chaleureusement humains utilisés pour lui donner forme et direction. La quantité de texte à chanter signifie que ce n'est pas un ballet. Et la vigueur, la beauté et l'énergie du mouvement signifient que ce n'est pas non plus un opéra. Et l'histoire elle-même est si poétiquement stylisée - dans la locution, la structure et l'intention - ce qui signifie donc que ce n'est pas vraiment un drame. Si c'est quelque chose, c'est peut-être une sorte d'oratorio dansé. C'est l'expression élaborée d'un sujet sérieux, presque noble, mais cela est modulé par la franchise juvénile des personnes qui le présentent (y compris les cinq musiciens jouant dans le groupe - vêtus d'uniformes identiques à ceux de l'ensemble dansant, chantant et parlant). La vulnérabilité de leurs années, et l'intensité de leur implication dans chaque dernier détail de l'œuvre, la puissance écrasante de leur engagement envers l'histoire qu'ils racontent, et les moyens extraordinaires qu'ils utilisent pour la raconter, sont aussi électrisants qu'ils sont fascinants. Vous concluez que si vous pouvez dire quelque chose sur ce que c'est, vous pouvez dire : c'est nouveau.

En même temps, un langage visuel fort est créé dans le design élégant de Sophie Barlow d'un environnement principalement blanc, émaillé de touches de rouge, et avec la figure centrale vêtue de noir du Soldat. Dans ce monde, une compagnie de 35 filles et garçons âgés de 13 à 19 ans nous raconte l'histoire - en utilisant le langage souvent archaïque et poétique de MacNeice. Et - imaginez - ces enfants n'ont eu que deux semaines pour apprendre 60 minutes de matériel musical, avec des dizaines d'ensembles musicaux, beaucoup utilisant des motifs fugués complexes, des stretti, et ainsi de suite, et exigeant un niveau de concentration extrêmement élevé. En plus de cela, tous les mouvements devaient être appris, y compris les portés et les sauts, et 30 minutes de plus de transitions déplaçant le public d'un endroit à l'autre, et ils n'ont eu qu'un jour dans le bâtiment de 3 étages pour se préparer à l'arrivée de ce public. Pourtant, même si l'écriture pour les voix est exigeante, chaque membre de la compagnie est plus que capable de l'exécuter : ils sonnent aussi pleins et convaincants qu'un chœur entièrement formé et bien rodé pourrait l'être, sous la direction experte du MD Richard Healey. Toute la compagnie a ses moments individuels, aussi, que ce soit chorégraphique ou vocal. MacNeice crée une longue liste de personnages, et ceux-ci apparaissent tout au long du voyage épique du héros.

Pour soutenir cela, la partition est impeccablement détaillée et attentive à toutes les implications du texte : Mitchell est un génie de la couleur théâtrale de la manière dont Britten, et avant lui Puccini, l'était. Et les orchestrations sont aussi son travail. Les musiciens, sous la supervision superbe de Francis Goodhand, jouent avec une maîtrise époustouflante de son matériel, en particulier la trompette de Cat Johnston, qui a l'un des plus longs et des plus difficiles premiers rôles de trompette que j'ai entendus (et elle joue trois représentations par jour).

Étant donné toutes ces merveilles à remarquer et à apprécier, cela surprendrait-il les lecteurs d'apprendre que - jusqu'à présent - il semble y avoir eu peu ou pas de couverture médiatique de cet accomplissement unique ? Cela semble difficile à comprendre, surtout avec une telle abondance de choses à aimer. Ce travail incroyablement merveilleux mérite l'admiration rapprochée et l'encouragement des médias nationaux, ainsi que de toutes les organisations artistiques qui veulent soutenir et faire partie du développement le plus excitant du théâtre musical dans ce pays depuis des années. Nous devons essayer de rattraper la vitesse impressionnante que YMT est en train de fixer.

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