CRITIQUE : Les Sorcières de Salem, Old Vic Theatre ✭✭✭✭✭

The Crucible au Old Vic. Photo : Tristram Kenton The Crucible

Old Vic Theatre

30 juin 2014

5 étoiles

L'auditorium est épais de fumée ardente. Vous pouvez sentir le foin brûlé et la trace persistante de cendres à chaque respiration. La scène est nue, bien que dispersée de vieilles chaises usées et d'un tas de bottes de ferme abandonnées de manière menaçante au centre, comme un bûcher, ou peut-être un mémorial.

Il fait sombre, presque comme un vendredi 13, et un sentiment palpable de peur est inévitable. Des éclats de lumière brisent l'obscurité à des intervalles irréguliers. Des papillons de cendres descendent sporadiquement du plafond. Comme c'est du théâtre circulaire, l'inconfort et le malaise des autres spectateurs sont parfaitement clairs - et saisissants. Plus que tout autre chose, lorsque vous regardez les rideaux et panneaux gris qui s'étendent dans l'auditorium et serpentent autour de lui, vous avez conscience de vous asseoir en jugement.

Et dans cela, avant même que la première réplique ne soit prononcée, la glorieuse reprise de Yaël Farber du chef-d'œuvre d'Arthur Miller (enfin, l'un d'eux) The Crucible, maintenant en avant-première au Old Vic, commence comme elle entend continuer : avec une précision glaçante et perturbante.

The Crucible est une longue pièce (elle commence ici à 19h30 et se termine vers 23h15 avec un entracte de 20 minutes) et entre de mauvaises mains, elle peut être vraiment catastrophique : des âneries mélodramatiques dans les pires productions.

Mais Farber ne fait aucune erreur dans le choix des acteurs, le design, le rythme, le ton ou l'intensité, avec pour résultat que la pièce palpite de vitalité, est à la fois viscérale et sensuelle, et même si vous connaissez l'intrigue, se déroule comme le thriller psychologique effrayant qu'elle est.

Elle adopte un style thématique pour la mise en scène et les changements qui fonctionne spectaculairement bien. Des figures silencieuses et sombres, toutes vêtues de teintes marron ou noir ou blanc sale - il n'y a rien de coloré dans ce monde - se déplacent presque comme des ballets, établissant la noirceur et créant l'impression d'une danse de la mort tandis que des tables, chaises, bancs, bassins d'eau, etc., sont installés. Rien de tout cela ne se passe rapidement ; c'est presque incroyablement funéraire, mais cela crée et soutient magnifiquement l'humeur.

L'image d'ouverture de Tituba chantant de manière ambiguë au-dessus d'un tas de chaussures abandonnées est puissante - et prépare l'espace de jeu comme un creuset où des actes étranges auront lieu. Bulles, bulles, toil et trouble : c'est la force motrice sous-jacente ici. Lorsque le deuxième acte commence, la progression silencieuse d'une seule femme tenant une corde qui traîne derrière elle, parle plus éloquemment des morts qui ont eu lieu depuis la fin du premier acte que n'importe quel passage de dialogue ou représentation réelle de pendaison ne pourrait le faire. C'est à la fois radieux et épouvantable.

Le décor de Soutra Gilmour est magnifiquement adaptable ; ferme, chambre, église, tribunal, cachot. Il devient ce qu'il doit être sans effort mais avec une facilité et fluidité qui soulignent l'époque de la pièce et l'incertitude accablante des vies des personnages. L'éclairage incroyablement évocateur et obsédant de Tim Lutkin approfondit l'efficacité du décor et, avec la musique impressionnante, inquiétante et fragile de Richard Hammarton, crée le cadre parfait pour le choc entre le bien et le mal, l'intérêt personnel et la pression des pairs, la vengeance et la condescendance obstinée.

Le casting est impeccable. Il y a 24 acteurs dans la troupe ; chacun est irréprochable.

Cette pièce peut tomber dans des éclats de rire si les jeunes femmes qui forment la bande d'Abigail ne sont pas capables d'être convaincantes, surtout dans la scène clé où elles peuvent ou non partager une vision gestalt qui arrache Mary Warren, la brisée de Natalie Gavin, au sens de la vérité et scelle le sort de John Proctor et Rebecca Nurse.

Mais il n'y avait pas de problème ici. Uniformément, les jeunes femmes étaient remarquables, leurs cris gutturaux, démoniaques et perçants et leurs éruptions corporelles sont effrayantes. Croyable et terrifiante. Samantha Colley est une Abigail sensuelle, provocante et finalement vile et vicieuse. Je n'ai jamais vu mieux. Elle est la définition vivante d'une femme bafouée.

William Gaunt est véritablement merveilleux en tant que Giles Corey fougueux et étonné et la chaleur et la profondeur qu'il apporte au personnage assurent que la description de son massacre est douloureuse à supporter. Ann Firbank est tout aussi formidable en tant que Rebecca Nurse sereine et acceptante ; elle brise l'âme avec sa remarque désinvolte de ne pas avoir été offerte de petit-déjeuner alors qu'elle est emmenée pour son exécution. Elle observe tout ce qui se passe et son immobilité et son visage béat sont un contrepoint superbe aux histrioniques des membres les plus justes de la communauté.

Jack Ellis fulmine et s'emporte avec un zèle religieux venimeux dans le rôle du condescendant et répugnant Danforth, un homme si certain de la sorcellerie qu'il ignore tout bon sens pour l'éradiquer. C'est un rôle merveilleux et Ellis lui donne toute son énergie. La précision de son langage et de sa diction est délicieuse et lors des rares moments où l'incertitude traverse ses traits, les couches de complexité politique inhérentes à son personnage sont habilement dessinées.

Adrian Schiller fait de chaque moment un atout pour le Révérend Hale. Du sein de l'établissement, Hale a le plus grand voyage, passe d'une incertitude à une conviction puis à nouveau – et le péage est clairement montré par Schiller. Une autre performance pleine de joie subtile.

Je ne vais pas tous les énumérer mais chaque membre du casting fait sa part, marque son empreinte – d'Harry Attwell en Putnam dégoûtant et narquois à Neil Salvage en Francis Nurse affligé et désolé. Christopher Godwin est la personnification de la prétention en Hathorne.

Mais le cœur de la pièce, son cœur et sa fibre musculaire, repose sur John et Elizabeth Proctor. Et ici, les deux interprètes apportent une richesse, une intensité profondément ressentie et partagée à leurs performances.

Anna Madeley est parfaite en Elizabeth, son sens d'épouse et de mère est profond et tout absorbant. Elle porte le chagrin de ce qui s'est produit entre John et Abigail avant le début de la pièce avec un devoir stoïque – il y a un moment merveilleux quand elle verse de l'eau pour le lavage avant le dîner de John et où le temps pris et le détachement employé dans la tâche en disent long sur leur vie simple et la légère distance qui sépare actuellement le couple.

Le plus grand moment de la pièce vient lorsque Danforth interroge Elizabeth sur le fait de savoir si son mari était un adultère. Ne voulant pas honte à son mari, Elizabeth ment de manière inattendue et non caractéristique et dit qu'il n'était pas adultère avec Abigail, ne sachant pas que John a avoué et que son mensonge le condamnera. Madeley joue cette scène de manière remarquable, rongée par la douleur et la peur, ne voulant pas mentir mais voulant sauver son homme. Même en sachant ce qui se passe, cela n'a pas perturbé la tension que Madeley produit ici. Et l'épanchement de passion et de peur qui suit, suivi de l'acceptation finale tranquille de la nécessité pour les hommes honnêtes de mourir plutôt que d'être contraints au mensonge - tout est magnifiquement fait. Maître. Sobre. Profondément émouvant.

Ensuite, il y a Richard Armitage en John Proctor.

Il existe de nombreuses façons d'aborder ce personnage : tourmenté, défiant, intellectuel, sauvage, incompréhensible – tous sont des choix légitimes selon la production. Armitage le joue comme un simple fermier, qui travaille sans relâche pour subvenir aux besoins de sa famille, qui tient sa foi pour importante mais pas plus importante que les vies de son épouse, de ses enfants et de ses amis. Un homme qui s'est trahi lui-même pour le plaisir charnel avec Abigail et, ce faisant, a brisé Elizabeth ; un homme qui ne se pardonnera jamais.

Armitage est tout en muscle et en furie, mais il y a des moments de tendresse sincère et il gère les sections lyriques de la pièce avec une grande beauté. Il crie beaucoup – mais ce n'est ni déplacé ni exagéré ; c'est plus la réponse de l'ours simple que son Proctor est, piégé, acculé et maltraité. Un John Proctor fascinant et unique. Il est à son meilleur en traitant avec le mépris pugnace de Danforth et la duplicité du Révérend Parris (un charmant Michael Thomas) mais il n'y a aucun doute sur le véritable sentiment, la compréhension totale qu'il apporte à ses scènes de regret et de perte avec l'Elizabeth de Madeley.

En effet, c'est le grand succès de la production de Farber. C'est clair comme de l'eau de roche dans la narration de l'histoire, sans concession dans la livraison des détails et romantique et sensuel dans sa sensation générale.

Une interprétation brillante, sublime et terriblement efficace de la merveilleuse pièce de Miller.

Inratable.