CRITIQUE : La Cerisaie, Young Vic ✭✭✭✭

Le Cerisier au Young Vic. Photo : Stephen Cumminskey Le Cerisier

Young Vic

23 octobre 2014

4 Étoiles

Je dois avouer mon long lien avec La Cerisaie d'Anton Tchekhov. Avec Hamlet, Macbeth et Hedda Gabler, La Cerisaie est l'un des classiques que j'ai le plus vus, pas toujours avec bonheur. C'était également un sujet d'étude sérieuse à l'université, où une professeure un peu « excentrique » a fait allonger mes camarades et moi par terre pour imaginer que nous étions des cerisiers abattus pendant qu'elle nous lisait le texte...

J'ai vu des versions tragiques, comiques, tragi-comiques et franchement stupides de La Cerisaie, mais je peux affirmer en toute sécurité que je n'ai jamais vu une version comme celle qui se joue actuellement au Young Vic, adaptée par Simon Stephens et mise en scène par Katie Mitchell.

C'est sombre, brutal même, sans aucune ironie pour alléger les circonstances sombres qui culminent avec la destruction du cher cerisier de la famille Gaev. Résolument ancrée dans le présent, cette version manque de notions languissantes sur le passé, ne passe pas trop de temps sur les subtilités des personnages et préfère le choc et la comédie bouffonne à des moyens plus doux de faire passer des messages. Il y a peu de sens de l'ancien contre le nouveau en Russie, peu de sens du changement des traditions et des temps et moins de complexité en général. Mais c'est d'une noirceur radieuse, plein de personnes cassantes et odieuses menant des vies fausses et peu sincères. De cette manière, c'est une ré-imagination captivante du chef-d'œuvre de Tchekhov.

Tchekhov insistait sur le fait que La Cerisaie était une comédie, mais son premier metteur en scène, Stanislavski, pensait que c'était une tragédie et l'a mise en scène ainsi. Tchekhov était horrifié, mais l'opinion de Stanislavski a vraiment influencé toutes les versions qui ont suivi la sienne. Incluant celle-ci.

Stephens a considérablement raccourci la pièce (celle-ci dure environ 2 heures, sans entracte ; j'ai vu des productions durer plus de quatre heures) et a pris des décisions très marquées concernant les personnages. Yasha est un meurtrier égoïste et séducteur ; Lophakine, fondamentalement avide et insincère ; Charlotte, une magicienne activiste féministe provocatrice ; Simeon, un maladroit imbécile avec une aura de prétention ; Ranevskaya, plus courtisane et poissonnière qu'aristocratique déchue.

Mitchell embrasse tout cela, tel un olympien, et le résultat est une symphonie soigneusement composée de douleur, d'angoisse et de perte. Bien que ceux qui connaissent La Cerisaie puissent lever un sourcil ou deux, le fait est que cette adaptation tient debout et raconte une histoire captivante sur la fragilité de la vie et la mécanique de l'argent et de la duplicité. C'est aussi inhabituel que captivant.

Qui aurait pensé que la star d'une production de La Cerisaie serait l'acteur jouant Firs, le vieil homme domestique inébranlablement loyal à la famille Gaev ? Pourtant, c'est le cas ici.

La représentation magnifiquement ciselée et délicatement impossible de Gawn Grainger d'une vie consacrée au service est tout simplement sensationnelle, depuis son premier déplacement courbé sur la scène, portant le sac à main de Ranevskaya, jusqu'à son effondrement au sol lorsqu'il réalise que la famille l'a enfermé, le condamnant à mort quand ils sont partis vers d'autres horizons. (Dans cette version, le sort de Firs est scellé par les actions délibérées de Yasha plutôt que par une distraction, ce qui, bien sûr, rend ce sort à la fois pire et mieux)

Grainger est tout simplement parfait et son discours sur ce qui arrivait aux cerises du verger restera longtemps avec moi, tout comme le moment douloureux lorsqu'il s'est mis à quatre pattes pour fixer un tabouret pour sa maîtresse indifférente. Sa réalisation finale et tragique de son destin est dévastatrice.

Tom Mothersdale est parfaitement révoltant en Yasha, symbole de la jeunesse rebelle et de l'avenir libertin. Ses excès sont aussi clairs que son magnétisme. La scène bizarre où il chante avec Simeon dans l'Acte Deux est étrangement puissante. Mothersdale est plutôt comme le Nick Cotton russe, une boule de colère, de pouvoir sexuel, d'opportunité et de manipulation ; la sensation que la violence n'est qu'à un moment est profonde. Un jeune acteur à suivre.

Dominic Rowan, un acteur vraiment extraordinaire, est en excellente forme en Lopakhin bien que la manière dont Stephens a conçu le rôle limite la gamme des émotions requises. Ce Lopakhin n'est pas très gentil du tout et se délecte de son acquisition du domaine Gaev. La scène où il détruit Varya (deux fois) est en effet sombre, mais Rowan le rend tolérable, compréhensible et entier. Un véritable exploit ici, avec cette vision réduite et légèrement tordue du personnage.

Beaucoup de choses peuvent mal tourner avec l'interprétation de Leonid, le frère aimant le billard, prolixe, quelque peu excentrique de Ranevskaya, mais pas ici : Angus Wright établit brillamment, et succinctement, cet homme idiot et ses manies. Son discours sur l'armoire centenaire était de l'or pur. Tout comme son sens du sombre échec quand il est revenu au domaine, l'enchère ayant livré le domaine familial à Lopakhin.

Dans le rôle de Varya, Natalie Klamar est habile à transmettre le sens du pragmatisme de son personnage, ainsi que son sens du romantisme et de l'isolement au sein d'une famille qui la traite plus comme une servante de confiance qu'un membre aimé. Sa voix, pleine de riches possibilités et d'un timbre envoûtant, est donnée à plein régime et transmet efficacement les nombreuses humeurs et pensées de Varya. Le moment où elle réalise que l'homme qu'elle aime/déteste a confié la gestion du domaine au simplet Simeon est incroyablement touchant, enveloppé dans une prise de conscience douloureuse et déchirante.

J'ai trouvé l'étudiant éternel, Peter Trofimov (Paul Hilton), un peu trop morose et baba cool (en même temps) pour être le contrepoint initialement envisagé par Tchekhov et le rôle d'Anya semble quelque peu réduit dans cette version, bien que Catrin Stewart était convenablement belle et princesse. En tant que Simeon, Hugh Skinner, qui semblait avoir basé sa performance sur le Doctor Who maladroit de Matt Smith, était maladroitement mignon et hors de propos, mais pas beaucoup de ses pitreries slapstick comiques n'ont vraiment atterri comme elles l'auraient pu.

Charlotte (Sarah Malin) semblait plus un dispositif de ruse de Katie Mitchell qu'un personnage intéressant à part entière. Ses tours de magie au troisième acte étaient grandioses, magnifiquement exécutés, mais il était difficile de comprendre un mot de ce qu'elle disait tant la diction de Malin était lamentable. Sa brève scène nue, idiote, était aussi redondante que son croquage sur un concombre phallique ou sa référence à son vagin comme son « blaireau » - des distractions faisant valeur de choc. Plutôt inutiles.

Il y a du bon travail de la part du reste de la distribution (Boris par Stephen Kennedy est particulièrement bien) mais peu de choses dans l'interprétation de Lyubov Ranevskaya par Kate Duchêne sonnaient vrai. Plus débauchée sexuelle que grandeur déchue et vieille monde, plus capricieuse et impulsive que perdue dans un brouillard d'incompréhension concernant sa situation, plus grossière et commune que stylée et cultivée, c'était une vision très différente de ce grand rôle. Je ne l'ai pas appréciée le moins du monde, mais cela n'est pas entièrement dû à Duchêne ; elle livre exactement ce que Stephens et Mitchell voulaient. Il n'est pas clair pour moi, cependant, pourquoi cela était ce qui était souhaité. Le résultat est plat et assez peu dimensional. Malheureusement.

La conception de Vicki Mortimer est excellente et fournit un sens très clair de la grandeur fanée de l'autrefois animé et élaboré domaine. L'éclairage de James Farncombe est très atmosphérique, bien que de temps en temps les choses soient juste trop ombragées pour permettre la clarté.

Les effets sonores de Gareth Fry sont, de cette manière caractéristique de perturbation par Katie Mitchell, efficaces, bien que personnellement je trouve le son d'une seule hache coupant un son plus hantant, terrifiant et profondément tragique que celui des machines modernes vrombissant et labourant les arbres dans l'oubli. Mais le son presque apocalyptique qui brise le silence sur le domaine dans l'acte deux est vraiment quelque chose et le son amplifié d'un train avançant (les roues du temps et du mouvement tournant) prouve un leitmotiv de changement de scène saisissant, mais efficace.

C'est une expérience Tchekhovienne qui fonctionne largement. Ce n'est jamais ennuyeux et l'intention à la fois de l'adaptateur et du metteur en scène est claire et fidèlement réalisée par la grande distribution douée. Mais elle a peu de sommets (aucun qui soit joyeux ou ironique, certainement), sauf dans son obscurité, ses aspects comiques noirs et sa condamnation sombre de ceux qui ne bougeraient pas avec le temps. Mothersdale, Rowan et Wright prennent la lumière, mais c'est définitivement le magnifique Firs de Gawn Grainger qui sera le souvenir durable de cette production.