CRITIQUE : Le Cœur Brisé, Théâtre Sam Wanamaker ✭✭

Tom Stuart (Prophilus) et Amy Morgan (Penthea) dans The Broken Heart. Photo : Marc Brenner Le Cœur Brisé

Théâtre Sam Wanamaker

20 mars 2015

2 Étoiles

« J'ai aussi été frappé par l'opacité de l'existence humaine qui entoure toute la pièce : le fait que les gens semblent prendre une décision, puis revenir en arrière, changer d'avis, et ensuite essayer de comploter vers quelque chose qui n'aboutit jamais. J'ai immédiatement commencé à réfléchir, 'Comment abordez-vous une histoire comme celle-ci ? Essayez-vous de 'résoudre' ces 'problèmes', ou laissez-vous la pièce être la pièce ? Et bien sûr, il est bien plus intéressant de laisser la pièce être elle-même, car toutes ses contradictions, fausses pistes et impasses font qu'elle est si humaine...En préparation des répétitions, j'ai écrit l'intégralité de la pièce à la main, ligne par ligne, en la traduisant dans mon propre anglais...plus nous travaillons, plus l'histoire se révèle à nous. Je n'ai jamais ressenti cela avec une nouvelle pièce à un tel degré...Le Cœur Brisé est une pièce de réflexion, une pièce qui vous demande d'accompagner des gens dans un voyage de découverte de soi, d'examen de soi...En fin de compte, nous traitons avec une soap-opéra caroline. Chacun essaie d'obtenir le meilleur accord possible de chacun et les hommes règnent presque absolument sur les femmes. »

Ces mots énigmatiques apparaissent dans le programme de The Broken Heart, une œuvre relativement méconnue de John Ford, écrite pour la première fois, probablement, en 1629 et actuellement jouée au Théâtre Sam Wanamaker, et sont attribués à la directrice de la production, Caroline Steinbeis. Sans rien d'autre, ces déclarations sont révélatrices - elles indiquent, avec une certaine précision, où cette production a spectaculairement déraillé.

Le rôle d'un metteur en scène est de présenter le texte de manière à éclairer le but de l'auteur. S'il y a des « problèmes », le metteur en scène doit trouver un moyen de les résoudre ou au moins de diminuer leur statut de « problèmes ». Cela peut être réalisé de plusieurs manières ; l'habileté du metteur en scène est le seul concept limitant.

Considérer The Broken Heart comme un soap-opéra revient à en concevoir fondamentalement le sens. L'auteur semblait assez clair sur le fait qu'il s'agissait d'une tragédie et le texte sonne certainement comme une tragédie. Les gens meurent horriblement en raison de leurs décisions ou de leurs réactions aux décisions des autres. La plupart des personnages principaux sont morts à la fin, et pas pour des raisons héroïques ou comiques. Il y a une symphonie d'agonie intérieure.

C'est aussi une œuvre très ancrée dans son époque. Ford écrivait sur les standards et l'éthique de l'Ancienne Sparte, une civilisation différente de celle de son époque. Quel but pourrait être servi par la « traduction » de la pièce dans un langage moderne, à moins que l'intention soit de monter la reprise en utilisant cet idiome ? Bien mieux, sûrement, comprendre le texte lui-même, pourquoi et quand il a été écrit, afin de pouvoir communiquer du sens à l'époque moderne ?

Le prisme de Steinbeis pour cette reprise, le soap-opéra, est fondamentalement mal conçu. Elle omet du spectacle le prologue de Ford qui est assez clair sur le ton de l'œuvre :

« Notre scène est Sparte. Celui dont le meilleur art

a dessiné cette pièce l'appelle LE CŒUR BRISÉ.

Le titre n'offre aucune attente ici

De rires simiesques, ou de quelque raillerie boiteuse

Sur le lieu ou les personnages; aucune clause prétendue

De plaisanteries dignes d'un bordel qui court à l'applaudissement

Pour l'admiration vulgaire : ces chansons basses,

Accordées à des oreilles impures, ne conviennent pas aux langues modestes. »

Bien que Ford ne veuille pas que le public ait une attente de « rires simiesques », Steinbeis s'assure que le texte est donné un traitement presque Carry On par la distribution. Tout le monde joue pour des rires. C'est une chose que les rires viennent naturellement du texte, du personnage ou de l'incident ; c'en est une autre de jouer pour des rires parce qu'une autre manière de donner vie au texte est hors de portée.

Les conséquences de cette approche Carry On Soap Opera sont fatales. Premièrement, le public s'attend à une comédie, donc lorsque l'Acte Deux se transforme en bain de sang sérieux, il y a une incompréhension naturelle. Deuxièmement, la déformation précoce des personnages pour des rires bon marché signifie qu'ils n'ont aucun authentique pouvoir dramatique lorsque l'intrigue se tourne vers des points où un tel pouvoir est nécessaire. Troisièmement, des rôles complexes, tels que Bassanes, qui semblent complètement changer de caractéristiques avant et après la mort de Penthea, n'ont aucune chance de faire un sens cohérent. Tout cela affecte fondamentalement la capacité du public à comprendre et à apprécier la pièce.

Steinbeis déclare que The Broken Heart est une « pièce de réflexion ». Peut-être. Mais plus de réflexion de la part de la metteur en scène permettrait à la pièce d'être plus facilement comprise par le public. La pièce est située à Sparte pour une raison : elle examine la philosophie spartiate, favorisant le calme et la bienséance externes sur le bonheur interne, favorisant la maîtrise de soi sur l'expression de soi. Les mariages arrangés ont des conséquences, tout comme traiter les femmes comme des biens. Ce sont les sujets sur lesquels s'occupe John Ford.

Penthea aime Orgilus mais son frère, Ithocles, la force à épouser Bassanes. Bassanes s'inquiète que Penthea ne soit pas fidèle et devient obsédé par la possibilité de son infidélité. Orgilus organise une rencontre avec Penthea dans un jardin et presse son désir pour elle, mais elle n'en veut absolument pas car elle se considère indigne de lui (ayant été mariée contre sa volonté à Bassanes). Penthea rencontre son frère et le supplie de lui permettre de mourir plutôt que de garder la face dans un mariage malheureux. Ithocles utilise l'occasion pour demander à Penthea de l'aider à courtiser Calantha, la fille du roi. Malgré le destin qu'Ithocles a imposé à Penthea, elle accepte. Mais Calantha est indignée que Penthea ose discuter de telles choses avec elle. Honteuse et désolée, Penthea devient folle et se laisse mourir de faim.

Vous n'imaginez pas vraiment Kenneth Williams et Barbara Windsor devenir tout guilleret et gigoter avec ce scénario, n'est-ce pas ? Ou Phil Mitchell, Sharon et Ian Beale ? Non. La pièce est une tragédie et c'est une tragédie que Steinbeis ne l'ait pas dirigée comme telle.

La distribution n'est pas le problème. Chacun attaque la pièce avec entrain et dans le style choisi par Steinbeis. Que l'attaque soit mal conçue n'est pas de leur fait.

Joe Jameson sort du lot comme le meilleur. Il joue Nearchus, le prince d'Argos, une figure de plaisir savoureux lorsqu'il arrive pour la première fois, au milieu de l'Acte Un. Jameson est précis et direct, il rend son personnage complet, drôle quand cela ne distrait pas, et royal et approprié dans d'autres aspects.

Il y a aussi un travail remarquable de la part d'Adam Lawrence, qui joue deux rôles : Phulas, serviteur de Bassanes, un vassal vif et prompt ; et Amelus, le compagnon loyal et mortel de Nearchus. Tellement différents, et réels, sont ces performances qu'il est difficile de croire que Lawrence joue les deux. Il est superbe.

Il y a un excellent travail de la part de Tom Stuart (Prophilus) et Luke Thompson (Ithocles). Tous deux jouent le type héroïque audacieux, mais Stuart est le gentil et Thompson le méchant, bien qu'Ithocles essaie de se racheter. Thompson est particulièrement bon dans sa scène de mort, où les circonstances sont un peu bizarres.

La direction empêche les autres performances d'atteindre de grands sommets ; les motivations sont trop confuses pour des caractérisations entières. Sarah MacRae fait un travail remarquable en tant que Calantha, mais la course aux rires transforme en mystère sa scène clé avec Penthea concernant les intentions d'Ithocles, la pousse à livrer le dialogue avant sa mort à toute vitesse et la voit s'engager dans deux séquences de danse distinctes, mais également futiles, qui privent sa performance de sens.

En tant que Penthea, Amy Morgan est légèrement trop joyeuse pour le contexte et elle ne se remet jamais vraiment de la pantomime ridicule qui se produit avant que l'action de la pièce ne commence correctement. Encore une fois, la quête des rires entrave la compréhension de la situation dans laquelle elle se trouve et du lourd fardeau qu'elle ressent.

Chacun de Brian Ferguson (Orgilus), Thalissa Teixeira (Euphrania), Owen Teale (Bassanes) et Patrick Godfrey (Amyclus) fait le mieux qu'il peut, mais les contradictions entre le texte et le traitement par la réalisation posent des obstacles quasi impossibles dans leur quête de clarté et de complétude.

Aucun des acteurs n'est aidé par la musique incidente épouvantable de Simon Slater ou la chorégraphie idiote d'Imogen Knight. L'ouverture de l'Acte Deux, un genre étrange de pause de danse en coucou, est aussi étrange que ce que j'ai jamais vu sur une scène classique. Il y a aussi du chant atroce et un soutien orchestral très médiocre du groupe de quatre dirigé par Adrian Woodward. Tout cet « embellissement » choque et est contrapuntal à toute illumination du texte.

Le designer Max Jones fournit de bons costumes, bien que le plastron doré (et les ailes) qui descend, comme la robe de bal de Cendrillon, des cieux pour le couronnement (et la mort) de Calantha soit excessif d'une manière qui rappelle Alexander McQueen. Mais il fournit une excellente chaise et le mode du lent suicide par goutte-à-goutte d’Orgilus est complètement horrible (et parfait).

Il était inévitable qu'il y ait enfin une déception sur la scène du Sam Wanamaker. Après le succès de 'Tis Pity She's A Whore' bien connu de Ford, il est surprenant - et triste - que The Broken Heart soit la production qui rompe la bonne série. Mais voilà.

Ce n'était pas seulement le cœur de Calantha qui était brisé à la fin de cet épisode de Carry On Caroline.

Le Cœur Brisé est à l'affiche à la Sam Wanamaker Playhouse jusqu'au 18 avril 2015