CRITIQUE : Sunny Afternoon, Théâtre Hampstead ✭✭✭

Sunny Afternoon

Théâtre de Hampstead, sur le point de se transférer au West End

5 Mai 2014

3 Étoiles

Qu'est-ce qui fait un bon musical ? Quelle est la différence entre une pièce avec de la musique et une comédie musicale ? Cette distinction importe-t-elle vraiment ou existe-t-elle vraiment ? Un acteur est-il différent d'un interprète de théâtre musical ou un interprète de théâtre musical est-il un acteur avec des compétences supplémentaires ? Qu'est-ce qui rend une nouvelle comédie musicale valable ? Y a-t-il une différence entre une comédie musicale juke-box et une comédie musicale à livret ? Et si c'est le cas, devrait-elle exister ?

Toutes ces questions sont mises en évidence lorsque l'on assiste à la première production de Sunny Afternoon (musique et paroles de Ray Davies, livret de Joe Penhall), la dernière production d'Edward Hall au Théâtre de Hampstead.

C'est l'histoire des Kinks, un groupe anglais qui a été une force majeure dans la musique en Grande-Bretagne pendant trois décennies, des années soixante à la fin des années quatre-vingt-dix. Leur répertoire musical sert de base à la pièce. L'histoire du groupe fournit le récit.

Ou devrait.

Mais il est possible de quitter cette production sans savoir grand-chose des raisons pour lesquelles le groupe s'est formé ou pourquoi ils ont bien travaillé ensemble ou pourquoi ils ont duré si longtemps. Car le livret de Penhall manque de détails et de précision.

Cependant, il est impossible de quitter la production sans vouloir immédiatement aller écouter la musique prolifique des Kinks. Est-ce que cela détermine un bon musical ? Une soif pour les mélodies incluses dans la comédie musicale ? Si c'est le cas, cette production est un triomphe.

Pourtant, les exigences d'une grande comédie musicale sont plus vastes que cela. Au moins depuis l'époque de Rodgers et Hammerstein, la partition d'une comédie musicale doit être mélodieuse tout en faisant progresser le caractère et le récit. Dans le monde des comédies musicales juke-box, Jersey Boys est la référence ; là, l'histoire des chansons est entremêlée avec les chansons elles-mêmes et l'histoire de leurs créateurs.

Dans les vingt dernières minutes de Sunny Afternoon, Penhall, Davies et Hall trouvent exactement le bon équilibre et cette séquence, depuis le moment où le guitariste Pete exprime son doute à rester membre du groupe jusqu'au final, est magique, captivante et chaleureuse : tout ce qu'une bonne comédie musicale devrait être. Et chaque représentation atteint le bon niveau dans cette section, tant vocalement que dans le cadre d'un jeu sincère débordant de cœur. Dans cette section, tout compte, tout est ressenti et tout fonctionne.

Il n'est donc pas étonnant que la foule devienne folle au tomber de rideau final et reste debout et joyeuse de manière hystérique pendant le rappel. Ils ont assisté à cette bête théâtrale rare : une comédie musicale juke-box qui fonctionne, du moins en partie, comme une comédie musicale à livret, les chansons à succès familières poussant le récit et les personnages toujours plus loin.

Imaginez alors le résultat si la finesse et le style des scènes finales avaient été appliqués à tout le spectacle ? Si la clarté, l'entrelacement homogène de la chanson et du récit avaient été constants ?

Mais le premier acte est irrégulier, avec certaines chansons maladroitement insérées parmi des morceaux de dialogue et d'autres qui fonctionnent bien. L'incohérence est l'ambiance. Ce n'est jamais désastreux ou irrévocablement ennuyeux, mais ce n'est pas non plus ce que cela pourrait clairement être, comme les scènes finales le montrent.

Le début de l'Acte Deux, les scènes en Amérique lorsque les Kinks sont en tournée, est assez lamentable, plein de clichés et d'anachronismes, et, plus déconcertant encore, la musique devient la plus déconnectée du récit, et les personnages de leurs motivations et vérités narratives.

Dans le premier acte et le début de l'Acte Deux, la pièce ressemble plus à une pièce avec de la musique. Les mots sont le moteur principal ; la musique ne sert qu'à ponctuer ou à fournir un contraste. Mais dans les vingt dernières minutes, c’est définitivement une comédie musicale, et une sacrément bonne.

Penhall est cité dans le programme comme ayant dit :

« Les chansons de Ray sont particulièrement adaptées au théâtre, d'une manière qui n'est pas le cas pour le travail des autres auteurs-compositeurs. »

Vraiment ? On soupçonne que Bernstein, Rodgers, Sondheim, Flaherty, Guettal, Robert-Brown, Lippa, Shaiman, John, Tesori et Kitt (pour ne citer qu'eux) écrivent tous des chansons particulièrement adaptées au théâtre et mieux adaptées que celles écrites par Davies.

Mais peut-être que cela explique le problème central avec cette pièce. Les chansons de Davies, aussi brillantes soient-elles, n'ont pas été écrites pour cette pièce et donc, malgré leur capacité de narration inhérente, elles nécessitent une intégration soigneuse dans un récit qui en a besoin et qui en bénéficie. En dehors des vingt dernières minutes, Penhall n'a pas fourni ce récit.

Edward Hall dirige, mais on soupçonne qu'il pense diriger une pièce et non une comédie musicale. Il n'y a pas de musicalité dans la présentation, quelque chose dont elle a besoin. Adam Cooper, cependant, fournit une chorégraphie excellente, habile et engageante, et les acteurs l'exécutent de manière exquise.

Le design sonore de Matt McKenzie déçoit continuellement. Le Théâtre de Hampstead n'est pas un grand espace, mais l'équilibre entre la voix et l'instrumentation est rarement correct, ce qui fait que les paroles, surtout celles chantées par John Dagliesh en tant que Ray, disparaissent ou sont inexplicablement atténuées. C’est désespérément honteux - car quand on l'entend, Dagliesh est impressionnant.

Ray est le personnage central ici, beaucoup est demandé à Dagliesh et il est à la hauteur de la tâche la plupart du temps. Pas assez de temps est consacré à permettre au public d'aimer et de s'identifier à lui, avec pour résultat que le spectacle semble plus décousu qu'il ne le serait si le public était amoureux de lui, comme il doit l'être. Dagliesh est confiant et capable, mais pas assez charmeur et il ne joue pas le rôle avec le genre de cœur qu'une comédie musicale attend de sa vedette.

Les co-stars de Dagliesh passent un meilleur moment. Leurs rôles, bien que secondaires, ont plus de cœur imprimé sur eux - pour un effet gagnant. Le meilleur est Pete de Ned Derrington, le guitariste sérieux et tranquille qui ne connaît pas sa propre valeur. Derrington est formidable du début à la fin, chante bien et lorsqu'il a son grand moment dans le deuxième acte, il joue à merveille.

Tout aussi bon, en tant que petit frère guitariste irrévérencieux prêt à tout, Dave, est George Maguire qui est tout simplement formidable, une boule d'énergie refoulée et de fureur anti-establishment éblouissante, tout en longs cheveux fins et indulgence hédoniste. Il est drôle, mais peut, en un rien de temps, devenir vraiment sérieux - et il a un ténor sans effort qui ajoute de la verve à la musique.

Le dernier membre du quatuor, le batteur fainéant Mick, voit Adam Sopp en excellente forme. Il est langoureux là où les autres sont sérieux ou égocentriques, sec et capable de violence extrême - l'incarnation parfaite d'un batteur furieux de Londres.

Lille Flynn est magnifique, à tous points de vue, en tant que petite amie/femme de Ray, Rasa. Elle chante doucement et sans fausse note et apporte une réelle chaleur à chacune de ses scènes. Philip Bird joue plusieurs rôles, tous extrêmement bien, mais il est inspiré en tant que M. Davies, le humble père de Ray.

Miriam Beuther fournit un décor flashy, mais il n'évoque pas vraiment le sentiment du voyage intérieur intime de Ray, qui est le moteur narratif clé ici, ni ne permet beaucoup en termes de lieux crédibles pour la multitude d'endroits où se déroulent les actions. Inexplicablement, l'auditorium a été découpé pour permettre une longue avancée centrale puis des entrées à travers le public de chaque côté. Mais elles restent inutilisées pour la plupart et lorsqu'elles le sont, le résultat est une attention divisée plutôt qu'un sentiment de proximité ou de spectacle.

Mais ses costumes sont une autre affaire : ils sont divins et il y en a des dizaines. Colorés, d'époque et pleins de peps, les costumes apportent une aide précieuse pour raconter l'histoire du temps et du lieu de ces Kinks et de leurs triomphes et tribulations.

Il y a beaucoup à aimer dans Sunny Afternoon et, dans l'ensemble, l'expérience est plus que satisfaisante. C'est très amusant. Ça vaut vraiment la peine d'être vu et difficile de ne pas apprécier.

Mais... ça aurait dû être un triomphe absolu. Hélas, le livret de Penhall et la direction de Hall l'en empêchent.