CRITIQUE : Strike Up The Band, Upstairs At The Gatehouse ✭✭

Julian Eaves passe en revue la comédie musicale Strike Up The Band de George et Ira Gershwin à Upstairs At The Gatehouse.

La distribution de Strike Up The Band. Photo : Andreas Lambis Strike Up The Band

Upstairs at the Gatehouse

8 mars 2019

2 Étoiles

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Les raretés ne sont pas souvent aussi rares que celle-ci : après presque un siècle, Londres voit enfin une production professionnelle de la comédie musicale de 1927 de George et Ira Gershwin, avec un livret satirique et anti-guerre de George S. Kaufman, qui traite d'un conflit inutile entre les États-Unis et la Suisse provoqué par le sujet polémique de... fromage.  Ravivée notamment pour une production au milieu des années 1990 au Goodspeed Theatre, Connecticut, et pour quelques versions de concert aux USA depuis, le script frappe encore fort avec ses piques mordantes et pertinentes sur le bellicisme américain à l'étranger et le néo-fascisme chez eux (que nous reconnaissons si douloureusement bien maintenant à l'ère Trump), le travail original de Kaufman souligne avec une clarté brutale que, après toutes ces années, pas grand-chose semble avoir changé.

Photo : Andreas Lambert

Si cela semble être une viande forte à mélanger avec le monde léger et aérien des mélodies vives de George et des rimes complexes d'Ira, et bien, oui, c'est le cas.  Le spectacle oscille entre les tons et les styles avec une imprévisibilité déroutante, essayant de trouver une voie à travers ce mélange intense et volatil.  Un moment, nous avons un ensemble gilbertien, avec des airs empilés les uns sur les autres pour créer un sens de l'échelle sociale.  Puis, nous obtenons une routine de comédie de style « vaudeville » typique pour quelques acteurs, pleine de bons mots et de farces.  Et ensuite, nous plongeons dans une critique sociale sombre du genre qu'Elmer Rice ou Cliff Odets pourraient avoir écrit - ou être sur le point de.  Il y a beaucoup de moments où vous ne savez pas si vous devez rire ou pleurer, et cela ne facilite pas la tâche pour l'équipe créative ou la distribution.

Le metteur en scène Mark Giesser a certainement de l'expérience dans ce genre de matériaux, mais même lui semble être à court d'idées sur la manière de marier les éléments disparates et mutuellement compétitifs de cet étrange animal, tout comme la chorégraphe Orley Quick, dont le parcours ne semble guère l'avoir préparée à savoir quoi faire avec un matériel aussi idiomatiquement précis.  Ajouté à cela, la plupart des membres de la distribution n'ont qu'une expérience limitée dans la gestion de la comédie de ce type particulier et l'équipe (si tant est qu'ils aient effectivement travaillé ensemble comme une unité) de metteur en scène et chorégraphe n'a qu'un succès partiel dans leur permettre de découvrir comment la rendre fonctionnelle dans une performance.  En outre, la mise en scène ne peut souvent offrir rien d'autre que des lignes droites de performers, livrant leurs discours, apparemment tandis que nous attendons de découvrir quoi faire ensuite.  Avec un sujet aussi exigeant, le sentiment qu'il n'y a pas une conviction globale, convaincante, qui pousse la production devient accablant.  Ajouté à cela, il semble y avoir eu un budget terriblement inadéquat pour la décoration, avec les décors dépenaillés de Camille Etchart qui paraissent tristes et négligés même dans l'espace modestement proportionné à l'étage du pub Gatehouse à Highgate.  Les costumes de Julia Scrimieri s'en tirent mieux, mais ne font que mettre en évidence l'apparence 'pièce d'école' de la production.  L'éclairage de Will Leighton pourrait possiblement avoir aidé à étendre le monde 'physique' habité par la présentation, mais il n'optent que pour faire ce qui est attendu et évident.  Le tout prend l'air d'une performance 'scratch'.  Si vous pouvez le supporter, alors peut-être pourrez-vous réussir à en profiter.

Photo : Andreas Lambis

Un domaine où de l'argent a définitivement été dépensé, cependant, et probablement trop, c'est sur le groupe.  Bobby Goulder a un bon groupe de fosse de taille et le metteur en scène a décidé de tirer le meilleur parti de cet atout et de les placer au milieu de l'arrière scène.  Cela leur permet de couvrir ce que les artistes chantent devant eux (le design sonore de Harry Emerson leur apporte à peine un soutien), et les orchestrations - un mélange fascinant de parties originales de 1927 et de confections de Goulder pour cette production - leur permettent de faire cela maintes et maintes fois.  Les chanteurs sont forcés de pousser leurs voix, souvent jeunes - toujours en développement - à travers la partition longue et bruyante.  Vous ressentez un sens qu'ils se relaxent un peu dans les grands numéros choraux (qui sont superbes, c’est plein de belle musique de Gershwin), mais également, vous ressentez vraiment leur douleur dans presque tous les autres numéros.  Oh, les choses ne sont pas aidées par le fait que la durée de la production est annoncée comme étant d'1 heure et 50 minutes, incluant un intervalle, alors qu'en réalité, elle dure près d'une heure de plus que ça : quelque chose à garder à l'esprit lorsque vous planifiez vos visites aux toilettes!

Alors, au milieu de tous ces défis (très pentus), comment s'en tire la distribution?  Je suis sûr que les décisions qu'ils ont prises ont toutes été autorisées (au moins) par le metteur en scène.  Richard Emerson nous offre une caractérisation à une dimension unique en tant que roi du fromage américain, Horace J. Fletcher, qui ennuie rapidement puis irrite progressivement.  Beth Burrows se démarque probablement le mieux du lot avec un rôle qui a le plus de substance dramatique, la fille agro-industrielle, Joan Fletcherd, mais doit encore se balancer sauvagement entre des humeurs opposées.  Paul Biggin, l'autre moitié de l'intérêt amoureux principal, Jim Townsend, fait une tentative énergique pour souder les éléments contradictoires de son rôle ensemble, mais c'est une tâche impossible pour lui, surtout lorsqu'il doit jouer un personnage faible et humilié - pas un personnage facile auquel s'attacher.  Pippa Winslow est l'une des artistes les plus expérimentées de l'équipe, mais donne à nouveau l'impression qu'elle fait toujours le the chorus bidding au lieu de s'approprier la comédie (dont je suis sûr qu'elle est plus que capable).  En tant que soubrette, Anne Draper, Charlotte Christensen est vive et vivante et je suis sûr qu'elle serait encore plus séduisante si nous entendions davantage ce qu'elle chante.  Jouant face à elle, Adam Scott Pringle semble tout ce qu'un jeune doit être, mais - encore une fois - est épuisé de devoir lutter contre ce groupe.  Deux artistes plus chevronnés, Robert Finlayson (en tant que Colonel Holmes autoritaire) et Nicholas McBride (en tant que C Edgar Sloane), semblent aussi empêtrés que tout le monde, tout comme Sammy Graham's winningly gauche Bob.

Photo : Andreas Lambis

Cependant, seul parmi toute l'équipe, celui qui semble avoir saisi l'essence très particulière et étrange de la comédie ici est David Francis en tant que George Spelvin : sa maîtrise des multiples-personas et blagues continues est sûre et agile; il est également chanceux car le script ne lui demande jamais de faire des choses à la suite qui sont aux antipodes les unes des autres - une pause très chanceuse - ni ne doit-il beaucoup chanter.  Quelle chance !  Lorsqu'il est sur scène, vous pouvez donc vous détendre et savourer la production, en contemplant ce qui aurait pu être, s'ils avaient eu un meilleur script, metteur en scène, designer, directeur musical, chorégraphe, et ainsi de suite.  C'est vraiment dur pour les autres, qui, sans aucune faute de leur part, ont un combat presque constant entre leurs mains.

Alors, est-ce que ça vaut le coup ?  Pour ceux qui insistent absolument sur le fait de combler les trous agaçants dans leur connaissance encyclopédique du théâtre musical, alors oui - sur balance - ça vaut le coup de s'asseoir.  Si vous cherchez simplement une soirée amusante, vous pouvez trouver cela plutôt en dessous des attentes.  Upstairs at the Gatehouse, surtout dans les productions de sa compagnie maison Ovation (dont celle-ci n'est certainement PAS une ramification), a une réputation formidable pour apporter des petites productions de qualité à une base de fans intéressés et éduqués.  Celle-ci, dans l'ensemble, est probablement une que l'on peut souhaiter passer sous silence.

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