CRITIQUE : Strangers On A Train, Théâtre Gielgud ✭✭✭

Des inconnus dans un train

Théâtre Gielgud

11 février 2014

3 Étoiles Il est de plus en plus rare de nos jours qu'une production théâtrale coupe le souffle à plusieurs reprises, mais Des inconnus dans un train, qui joue ses dernières semaines au Théâtre Gielgud, s'avère être l'une de ces rares occasions.

Le décor tournant de Tim Goodchild est, tout simplement, époustouflant. Combiné aux projections visuelles de Peter Wilms, au design sonore époustouflant d'Augustus Psillas et à l'éclairage évocateur de Tim Lutkin, le décor de Goodchild vous transporte facilement et instantanément vers les différents lieux de jeu de ce thriller noir, tout en propulsant le récit, en augmentant la tension et en rappelant au public qu'il participe à une course vers la destruction. Il semble impossible qu'un meilleur design de décor soit vu sur la scène londonienne cette année.

Il est grand, imposant, un tournant qui révèle des espaces constamment changeants, certains arrivant à une vitesse vertigineuse. Tout est en noir et blanc, accentuant le sens de la période, le sens palpable et vivide de la peur noire et la recherche incessante de la rédemption. Il y a une seule exception à ce panorama noir et blanc, et cette exception parle d'elle-même - l'utilisation de la couleur souligne la nature d'outsider de l'exception.

Le design, y compris les costumes merveilleux et somptueux, est absolument parfait en tous points. Vous devriez voir cette production juste pour admirer le travail de design. Et les peignoirs, les gilets, les cravates, les robes.

Mais les trésors éclatants ne se limitent pas aux objets inanimés. Plus éphémère, mais tout aussi délicieux, est l'adaptation rusée, épisodique et chargée de suspense de Craig Warner du roman de Patricia Highsmith (elle de La Source de Monsieur Ripley fameuse).

C'est à la fois maladroit et sublime à parts égales. Il y a des dialogues bancals, mais c'est exactement comme il se doit dans cette époque moins sophistiquée, mais plus sophistiquée. Warner parvient à résumer habilement les personnages et les situations, à fournir un fil narratif qui roule absolument comme le train sur lequel les deux personnages centraux se rencontrent pour la première fois. C'est un thriller de bout en bout.

Robert Allen Ackerman met en scène avec une main sûre et décisive. Il n'y a pas de moments d'exposition pénibles ou de mauvaises affaires de scène flagrantes; au lieu de cela, la mise en scène prend une feuille de la fluidité du script et pulse de manière totalement complémentaire.

Cela ne veut pas dire que l'écriture met sur la page des personnages que de grands acteurs traverseraient des bris de verre pour jouer. Ce n'est pas le cas. Le script de Warner est sur le frisson, le rebondissement, la surprise, le suspense - pas sur le détail ou la profondeur ou les motivations intérieures des acteurs qui participent au grand mélodrame.

Mais, étonnamment, malgré cela, ce que Warner fait, ou peut-être ce qu'Ackerman fait naître sur scène malgré l'évitement de Warner du sujet de la profondeur des personnages, c'est offrir de bonnes opportunités éclatantes pour les excellents acteurs de pratiquer leur métier.

Jack Huston est tout simplement exceptionnellement bon en tant que garçon à la dérive, troublé et gâté de Maman, Bruno. C'est une performance d'un détail riche et complexe, il n'est pas possible d'en absorber les nombreuses subtilités en une seule séance. Son invasion de l'espace personnel, son bégaiement occasionnel, le sourire qui gèlerait la colonne vertébrale de Satan, les gestes de la main balétique signifiant la perte de contrôle, les entrées et sorties silencieuses, la douleur scintillante et la dissolution frénétique de l'esprit: tout est puissant et remarquable. En tant qu'aperçu intense et finement élaboré d'une dépression mentale complète, Huston est vraiment aussi bon que possible. Son travail ici est de classe mondiale à tous les égards possibles.

Pour une actrice qui n'a presque rien dans le script, Miranda Raison étonne. Elle brille, gazouille, mijote, minaude, s'interroge, aime et est finalement défaite - et elle parvient à faire cela sans heurt et sans effort. L'absurdité inhérente aux actions de son personnage est totalement perdue parce qu'elle est hypnotisante, d'une beauté incandescente et elle trouve un moyen de rendre tout, même son amitié improbable avec Huston, parfaitement naturel et totalement compréhensible. Le regard de douleur pure et non diluée qui fracture ses traits au deuxième acte lorsqu'elle réalise ce que Huston a délibérément fait en portant des bottes sales chez elle n'est pas celui qu'un public oubliera facilement.

Myanna Buring, qui joue habituellement le rôle de Miriam, était indisposée ce soir et donc son rôle clé a été repris par la lumineuse Anna O'Byrne. Elle n'a rien raté et il est vraiment difficile de croire que Buring pourrait faire plus avec ce rôle. Une des plus grandes choses que l'on puisse dire d'un acteur est qu'il sait mourir sur scène - O'Byrne meurt spectaculairement et avec un réalisme douloureux qui est à la fois impressionnant et troublant. Elle fait également partie de ces actrices qui peuvent maintenir ou créer une ambiance simplement avec un regard, une compétence qu'elle affiche ici à maintes reprises. C'est un tour de force parfait à tous points de vue.

En tant que mère dipsomane désemparée avec un lien malsain avec son fils manifestement perturbé, Imogen Stubbs est meilleure qu'elle ne l'a été sur n'importe quelle scène depuis longtemps. C'est une performance courageuse et ouverte, fissurée par la perte et le chagrin et la migraine incessante de l'alcoolisme. C'est un excellent travail, encore une fois à partir de peu plus que quelques bribes de script.

Tam Williams (Myers) et Christian McKay (Gerard) sont tous deux plus que satisfaisants dans des rôles clés, bien que McKay soit légèrement trop consciemment pédant pour le reste de la production.

Le plus grand problème réside dans Laurence Fox qui, dans le rôle de Guy, l'homme que Huston rencontre dans le train, est la tête d'affiche. Fox réussit presque à accomplir la plupart de ce qui est requis, mais la performance est bien trop unidimensionnelle, surtout lorsqu'elle est mise en juxtaposition avec le travail supérieur de Hustun et Raison. Il n'y a pas assez de nuances dans la performance, pas assez de style - la transition de Guy rencontré pour la première fois dans le train à Guy assis calmement sur le sol à la fin de la pièce n'est pas suffisamment bien dessinée. Alors que Hustun aspire lentement la bonté de Guy, son âme, sa raison d'être, un excellent acteur montrerait clairement le changement. Mais Fox n'est simplement pas à ce niveau de performance - ce qui est dommage, car un meilleur acteur aurait pu rendre cette production magique étant donné le reste de la distribution.

Ceci est, alors, un autre exemple de casting de vedette qui entrave une véritable magnificence théâtrale. Si seulement les producteurs faisaient confiance au travail pour réussir, comme cela aurait sûrement été ici avec un acteur doué jouant Guy plutôt que le tourné Fox.

Tel qu'il est, Fox ne détruit rien; c'est juste que les hauteurs possibles ne sont pas atteintes. Mais vous vous retrouvez certainement à vous demander, très clairement, combien mieux les choses auraient pu être si Guy avait été différent.

Il joue jusqu'au 22 février, et malgré le malaise causé par le terne Fox, il vaut incroyablement la peine d'être vu. Ce n'est pas une pièce pour tout le monde, mais si vous montez dans le train de Goodchild et voyagez avec lui, il y a beaucoup à apprécier et à savourer.