CRITIQUE : Strange Interlude, Théâtre National ✭✭✭✭

Intermède étrange

Théâtre National

28 août 2013

4 étoiles

Je ne pense pas souvent, après avoir vu une production au Théâtre National, à des pensées telles que "Je souhaite qu'ils n'aient pas autant coupé ce texte" ou "Je souhaite que cela ait bougé à un rythme plus lent et languissant", mais de telles pensées tournaient dans l'esprit après avoir vu la fascinante reprise de Simon Godwin du rôle par Eugene O'Neill. Intermède étrange (une pièce qui a valu à O'Neill son troisième prix Pulitzer) jouée actuellement devant des publics malheureusement réduits au Lyttleton Theatre.

Le travail de Godwin ici est excellent ; c'est une production somptueuse et élégante qui dévoile soigneusement les thèmes et les questions avec lesquels O'Neill se débat - en particulier, la notion d'amour et ce que cela signifie vraiment d'aimer, et le pouvoir paralysant mais ennoblissant et habilitant de l'amour non partagé ou, peut-être plus précisément, non comblé.

Parmi les nombreux attributs de première classe de la production figure un décor étonnant de l'omniprésente Soutra Gilmour qui couvre de nombreux lieux mais le fait de manière à correspondre au centre émotionnel du texte. Ainsi, dans les premières scènes, lorsque le personnage central Nina se sent piégé par ses circonstances ou le dominant mâle de sa vie, les décors reflètent la notion de confinement, de containment, de solitude, et après le mariage de Nina, le décor s'ouvre, permettant de respirer. Ensuite, lorsque son mari est prospère et riche, le monde de Nina devient à la fois ouvert et fermé, reflétant son état, fluctuant entre le soulagement que son fils lui procure et le freinage de son esprit qui accompagne le mariage avec un homme qu'elle aime mais dont elle n'est pas amoureuse. Les dernières scènes, qui sont pleines de chagrin mais aussi de splendide libération et acceptation, sont jouées dans de grands espaces ouverts reflétant la puissance de la plus grande mère de toutes - la Nature.

La vue d'un yacht en taille réelle apparaissant derrière un appartement Art Déco de New York est une qui ne s'effacera pas de sitôt.

Le travail de Gilmour ici, évidemment sur un budget extraordinaire, est vraiment magnifique.

Tout à fait captivante et séduisante lumineuse en tant que Nina, Anne-Marie Duff est révélée comme l'une des plus grandes actrices à apparaître sur une scène britannique. Sa physicalité, son sens de la complexité intérieure, ses silences, sa articulation de la douleur, sa capacité extraordinaire à être plusieurs Ninas différents, tout en étant un tout unique ; elle a tout. C'est l'une de ces performances glorifiantes, affirmant la vie, justifiant le théâtre en direct.

O'Neill utilise un dispositif dans cette pièce, maintenant familier au public, où les pensées intérieures du personnage sont révélées au public comme adresse directe/à-côté et contrastent avec les positions déclarées des personnages - cela doit avoir été incroyablement puissant en 1928 lorsque la pièce a fait ses débuts - et la seule légère critique de la direction de Godwin et de la performance de Duff est qu'il ne prend pas assez soin de la distinction entre les deux ; souvent de manière confuse, Duff passe d'un état à l'autre, en particulier dans la première moitié de la pièce.

À égalité avec Duff à chaque étape, peut-être dépassant même sa performance car son rôle est moins soigneusement construit, moins primé pour un excellent travail, est le fabuleux Charles Edwards qui trouve et cloue chaque moment de comédie, de douleur et de misère méticuleuse - sa scène finale avec Duff est fragile, gênante et extraordinaire.

Geraldine Alexander est merveilleuse en tant que belle-mère de Duff, une femme si rongée par la culpabilité et la peur qu'elle détruit une poignée d'autres vies en cherchant à prévenir une récidive de sa propre tristesse personnelle. Darren Pettie fournit un travail solide en tant qu'Edmund, l'amour réel et jamais acquis de Nina, et il y a du travail merveilleux de Wilf Scolding en tant que fils adulte de Nina : sa scène après les funérailles dans l'acte final est remarquable pour son intensité, son honnêteté et sa clarté. C'est une scène à laquelle seul le cœur le plus dur pourrait rester impassible tout au long.

Jason Watkins, un bon acteur dans le bon rôle, semble le non-conformiste ici ; en tant que Sam, le mari de Nina mais pas le père de son enfant, il semble plus caricature (un mélange étrange entre Mickey Rooney et WC Fields) à la fois dans la voix et la fibre d'être que personnage. Cela pourrait être un choix délibéré de Godwin et, si c'est le cas, c'est le seul faux pas ici. Ce n'est pas que Watkins soit mauvais ; c'est juste que sa performance ne convient pas ou ne correspond pas aux autres, surtout dans les premières scènes. Dans l'acte deux, son travail correspond plus harmonieusement aux autres.

En effet, l'acte deux ici est assez magique de toutes les manières, avec seulement la légère bizarrerie de l'enfant Gordon et l'âge inexplicable de Madeline de Emily Plumtree (elle a environ dix ans de trop) pour briser la toile scintillante tissée par cette remarquable production. La douleur de ces personnages et leur parcours est si exquisite, si languissant, qu'on ressent qu'un rythme légèrement plus lent et une respiration auraient été bénéfiques tant au casting qu'au public - mais c'est pour chipoter.

La production sensationnelle de Godwin se fera longtemps rappeler - principalement pour être exactement ce que le Théâtre National devrait être tout le temps : des productions de première classe de textes de première classe avec des acteurs de première classe. La triple menace du monde théâtral.