CRITIQUE : Stevie, Hampstead Theatre ✭✭✭

Stevie

Hampstead Theatre

17 mars 2015

3 Étoiles

Il y a deux choses remarquables à propos de Stevie, la pièce de 1977 de Hugh Whitemore au sujet de la poétesse Stevie Smith, qui, après avoir été relancée par le Chichester Festival Theatre la saison dernière, est actuellement à l'affiche à Londres au Hampstead Theatre. La mise en scène magnifiquement orchestrée de Christopher Morahan en offre une troisième.

La première est l'alchimie que Whitemore utilise pour mêler poésie et prose afin de former un récit doux, réfléchi et perspicace. Il est souvent impossible de savoir quand un morceau de dialogue se termine et un extrait de poésie commence. Cela résulte en partie d'une prestation impeccable. Mais plus que cela, c'est une manière efficace pour le dramaturge d'établir l'environnement domestique petit et bourgeois où la poétesse a écrit son héritage.

La pièce concerne à la fois la poétesse et la poésie. En établissant quel type de personne Stevie était et comment elle vivait et écrivait, Whitemore fournit un contexte pour éclairer cet écrit ; en utilisant certains des poèmes eux-mêmes pour atteindre cet objectif, l'effet permet de comprendre à la fois la grande image et la petite, un sens de perspective à la fois nostalgique et révélateur. La nature pragmatique de la livraison de la plupart des poèmes complète l'effet : loin d'être une forme d'art archaïque, réservée aux spécialistes et aux intellectuels, la poésie est accessible partout et pour tous.

La deuxième chose remarquable est la nature bravoure du rôle de Stevie. Ce n'est pas Hamlet ou Médée, mais c'est un rôle immense, rempli de monologues et exigeant beaucoup de son interprète. C'est un rôle tranquille, introspectif : il n'y a pas de meurtres, de viols, d'aveuglements, de complots de vengeance. En effet, il n'y a guère d'argument, pas de moment pour libérer une fureur incandescente dans une démonstration de talent Diva. Non. Le rôle est réfléchi, contemplatif, débordant des minuties d'une vie ordinaire ; le genre de pièce où le choc de l'Acte Deux est un choix entre entendre parler d'un suicide raté bien après l'événement ou se demander quelle surprise réservera la tante Lion si elle mange sa salade de jambon. (C'est le junket qui l'emporte !)

Ce qui est remarquable dans tout cela, c'est à quel point une telle écriture est rare de nos jours. L'écriture moderne est obsédée par les problématiques, les conséquences fatales et les idées d'envergure : les thèmes débordant de conséquences sont à l'ordre du jour. Les pièces "biographiques" tendent à ne pas être très domestiques au 21ème siècle mais la grande force de la pièce de Whitemore est sa domesticité incessante, d'où une grande actrice peut libérer ses compétences et le travail d'une grande poétesse être redécouvert. De la douceur ordinaire, la grandeur est découverte.

La production de Morahan offre une troisième chose remarquable à Stevie : le design parfait de Simon Higlett. Superbe à tous égards, des costumes impeccables au chariot à boissons, en passant par le sens du cadre suburbain verdoyant de la maison très années 60 que Stevie partage avec sa tante Lion vieillissante, le design enracine sans effort la pièce dans le bon temps et lieu, permettant et invitant à la fois nostalgie et complicité. Tout le monde a vécu ou connaît quelqu'un qui a vécu dans une maison comme ça. C'est chaleureux, amical, normal.

C'est aussi autre chose. C'est une représentation poétique de la maison, pas une réaliste. Toutes les cloisons nécessaires ne sont pas là ; l'imagination est requise pour créer la séparation entre le hall et le salon. Mais ce n'est pas la seule licence poétique sur laquelle Higlett s'est appuyé. D'un côté de la scène, des roseaux (cueillis il y a longtemps et installés dans un vase au sommet du piano) semblent avoir pris leur envol, se répandre le long du mur, fusionnant avec l'environnement extérieur – ils ressemblent à un motif de papier peint au premier abord, mais ce n'est pas ça. C'est une belle évocation de l'ordinaire prenant son envol, devenant tout consommant. Cela fonctionne spectaculairement bien comme élément de fond pour cette histoire d'une poétesse suburbaine ordinaire.

Dans le rôle-titre, Zoe Wanamaker est en excellente forme. Légèrement voutée, les pieds en permanence dans une position maladroite, vêtue de vêtements simples, presque démodés, elle se transforme avec une compétence consommée en la petite poétesse ressemblant à un oiseau. Elle est tout à fait crédible en tant que femme hors de place dans le monde mais entièrement chez elle dans le cadre de son foyer. Il y a quelque chose de perpétuellement nostalgique chez Wanamaker ici et cela malgré son addiction à la cigarette, son discours piquant, légèrement acerbe et ses idiosyncrasies minutieuses. Il n’y a rien à ne pas aimer dans sa prestation mesurée, complètement engagée.

Wanamaker offre un cours magistral dans cet art perdu – la récitation de poésie. Elle attaque le texte poétique avec ferveur et passion ; même quand elle lance les lignes comme des graines jetées aux poules, il y a une acuité claire derrière la livraison. Elle saisit tout l'humour ainsi que l'intuition lumineuse que chaque vers fournit, ses yeux brillant avec l'intensité que seule la compréhension peut assurer. C'est un plaisir de l'écouter.

Lynda Baron est superbement douce en tante Lion, la vieille paysanne dure qui dirige la maison où Stevie vit et qui fournit l'amour significatif et inconditionnel qui soutient Stevie durant ses années de solitude. Elle est délicieusement acariâtre au sujet des autorités fiscales et encline à cracher "balivernes" tout en s'occupant des tâches domestiques, préparant une tasse de thé ou osant un rapide petit verre de sherry. C'est une performance délicieusement large mais profondément chaleureuse. Quand l'âge rattrape tante Lion, Baron montre sa fragilité et son inconfort à être dépendante très clairement ; ces scènes entre Baron et Wanamaker sont empreintes de vérité et d'une légère tristesse. Le moment du junket est à chérir.

Les hommes n'ont joué que peu plus qu'un rôle d'accessoire dans la vie de Stevie et des aspects de cela sont résumés dans les trois personnages interprétés par Chris Larkin. Sa prestation en tant que l'homme bête qui veut l'épouser après une rencontre sexuelle timide mais probablement catastrophique est particulièrement fine : il est ridiculement maladroit dans la scène où il veut disséquer l'expérience. Moins réussie est son ami/chauffeur archi-efféminé pour Stevie qui semble modelé sur Maggie Smith en plein mode perles au cou, mais cela tient plus à la scène elle-même qui pourrait être ôtée de la pièce sans perte significative.

Mais le meilleur moment de Larkin vient lorsqu'il récite Meurs, pas Noyé de Smith, peut-être son poème le plus célèbre. C’est un beau moment dans une pièce discrètement engageante et douce.