CRITIQUE : Éveil du printemps, Théâtre Brooks Atkinson ✭✭✭✭✭

Réveil du printemps

Théâtre Brooks Atkinson

10 octobre 2015

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Quoi que vous pensiez du Réveil du printemps, la comédie musicale de Duncan Sheik et Steven Sater de 2006, réfléchissez à nouveau. Peu importe ce que vous pensez de la forme musicale, réfléchissez à nouveau. Car la nouvelle production de Broadway de cette comédie musicale, actuellement à l'affiche au Théâtre Brooks Atkinson, change la donne à tous points de vue.

Tout simplement, c'est l'une des productions de comédie musicale les plus parfaitement conçues, castées et exécutées sur n'importe quelle scène dans le monde. C'est choquant, brutal, brillant et magnifique, tout à la fois ; comme un bon rendez-vous, c'est sexy, drôle, sérieux et mérite un investissement entier et sincère.

Basée sur la pièce de 1891 de Frank Wedekind, la comédie musicale raconte l'histoire d'un groupe de jeunes qui découvrent simultanément leur sexualité intérieure et les mœurs, exigences et contraintes du monde que leurs parents et enseignants dominent. Certains se rebellent accidentellement, certains se rebellent délibérément, certains se rebellent désespérément, mais presque tous se rebellent d'une manière ou d'une autre.

L'intransigeance et les demandes ridicules des figures parentales dans leur vie condamnent certains des personnages. L'un se suicide, un autre perd la vie, un autre encore perd la possibilité d'une vie qu'il désire. Mais, d'un autre côté, l'un prend ce qu'il veut, d'autres profitent de ce qu'ils peuvent, et d'autres font de leur mieux. À la fin, cependant, les figures d'autorité perdent le contrôle et les jeunes savent qu'un Eden d'un autre genre est à leur portée.

De toute évidence, la partition illustre les notions sous-jacentes de rébellion et d'assimilation par la manière dont la musique encapsule les sons folk, la musique rock et, surtout, utilise la musique rock alternative comme sa ligne de vie. Les guitares travaillent dur et l'ambiance qu'elles aident à créer est excellente.

En particulier, certains des musiciens jouent également. Ils donnent la parole à certains des personnages principaux, interprétés par les membres de Deaf West Theatre, car il s'agit d'une collaboration musicale d'un type inédit. Le réalisateur Michael Arden s'est associé à Deaf West Theatre, qui, comme le programme nous l'indique, est "une organisation dédiée à relier les cultures et à changer les perceptions" pour créer cette production extraordinaire où l'action est jouée, chantée et signée simultanément. Les Maîtres en Langue des Signes Américaine (ASL) ont travaillé avec "chaque acteur pour s'assurer que les intentions, le ton, le rythme, la poésie, les expressions idiomatiques et l'humour du dramaturge sont tous reflétés dans le signe de chaque acteur".

Le résultat est enivrant.

Il y a la séparation habituelle de musique et de dialogue qu'on trouve dans les comédies musicales, mais ici, le langage des signes aide à combler cet écart. La gestuelle continue de la même manière, qu'il s'agisse de mots ou de paroles, offrant une cohérence tangible aux événements. Là où c'est crucial, la gestuelle est traduite par des projections. Cela aussi est astucieux, car l'écriture utilisée est archaïque, créant le sentiment que la communication écrite est désuète et ancienne - en tant que membre du public, le mot écrit s'aligne avec les figures d'autorité sévères ; le langage des signes est pour les jeunes cool et vous voulez juste l'apprendre, pouvoir vous mêler à eux.

La puissance de la partition de Sheik et Sater est multipliée par dix par ce qui se passe dans la production de Arden. La fusion de la voix, du langage des signes et de la musique est brillante, et mène à une absorption totale dans les moments musicaux : The Bitch Of Living, The Mirror Blue Night, I Believe, Totally Fucked et The Songs Of Purple Summer - chacun éclate d'une gloire infaillible, irrésistible et énergisée.

La gestuelle ajoute immensément à la complexité des émotions qui peuvent être révélées. Wendla, jouée et signée par Sandra Mae Frank et exprimée par Katie Boeck, ensemble elles communiquent la fragilité, l'espoir et la perte que le personnage ressent sans effort : libérée des exigences de soutenir et projeter sa voix, mais totalement engagée à communiquer le sens, la Wendla de Frank est un personnage plus complet que je ne l'ai jamais vue être, et Boeck se concentre sur une beauté vocale éthérée et palpitante.

Le processus fonctionne non seulement pour le drame sérieux. Joshua Castille est un Ernst parfait et il est aidé en cela par le travail de Daniel David Stewart, qui prête sa voix à Ernst et est un virtuose du piano en tant que partie de l'orchestre. Au moment de la séduction d'Ernst par Hanschen (un blond Andy Mientus), Stewart offre une joie vocale pour augmenter le bonheur timide que Castille signe et que Mientus exige. C'est un moment génial de théâtre pur.

Inévitablement, l'œuvre est très sombre, impliquant les décès tragiques de deux personnages. Rien de tout cela n'est édulcoré ; en effet, il y a des aspects très sombres et accablants dans ce récit. Mais tout est traité avec sensibilité et sagesse, dans une production qui ne surestime jamais sa main ni ne s'éternise.

Arden fait beaucoup de choses astucieuses et simples pour renforcer la puissance de la production. Avant que le spectacle ne commence, les acteurs sont sur scène, en sous-vêtements, s'échauffant, discutant et signant. Il y a une raison sonore à cela, qui devient claire plus tard dans la soirée. Des plateformes montent et descendent de manière inattendue ; des humeurs sombres basculent vers des frivolités espiègles. De vraies bottes de foin, des bougies parfaitement positionnées, aucune inhibition à toucher et à communiquer tactilement ; tout ajoute de la texture. Le moment où un personnage en transporte un autre hors de scène vers une nouvelle vie - des moments magiques dans un voyage plein de surprises.

Alex Boniello prête sa voix à Moritz, et est superbe à la guitare tout au long, et ses vocaux sont vraiment à donner la chair de poule. Mais son excellent travail serait nul sans l'interprétation remarquable de Daniel N. Durant en tant que l'étudiant condamné qui ne peut jamais être suffisamment bon pour ses professeurs ou ses parents, qui est submergé par l'horreur et l'incertitude que la puberté lui apporte, et qui n'arrive pas à rassembler le courage de fuir avec son amie Ilsa (Krysta Roderiguez en forme et à la voix terrifiantes) jusqu'à ce qu'elle soit partie. Durant est déchirant, surtout dans l'élaboration minutieuse de son acte tragique final.

Mais le cœur battant de la production vient de la performance délicieusement jugée et puissante d'Austin P. McKenzie qui, étonnamment, fait ses débuts à la fois à Broadway et sur scène ici. Il est une star, dans tous les sens. Même quand il est assis sur le côté, dans l'ombre, sa présence est indéniable, impossible à ignorer. Il chante avec une vraie beauté de ton et peut projeter des notes rock contre le mur du fond. Il est à la fois geek et séduisant, et ainsi rassemble tous les aspects de l'attrait de Melchior. Et il signe. Il est vraiment étonnant.

En vérité, il n'y a pas de maillon faible dans cette distribution. Tout le monde s'engage avec un niveau exceptionnel. Les figures d'autorité sont toutes superbes : Russell Harvard, Camryn Manheim, Marlee Maitlin et Patrick Page enchantent constamment, même lorsque leurs personnages se conduisent de manière épouvantable. La scène farcesque mais dangereuse où Manheim et Page discutent de l'explication de dix pages de Melchior sur le coït est sublime ; mais son contrepoint, lorsque Matlin plaide pour Melchior, soulignant que tout ce qu'il a écrit est vrai et pourquoi la vérité devrait-elle être punie, est tout aussi sublime. Ces doyens de la scène insufflent dignité, charme et conformité grotesque dans les actions de leurs nombreux personnages, mais toujours resplendissants de vérité essentielle.

Cela est également vrai des membres plus jeunes de la distribution : tous chantent, dansent, signent, agissent et réagissent avec un abandon contagieux qui convient à la pièce et au stade de développement où se trouvent tous leurs personnages. Leur enthousiasme aigu rend encore plus sombres les passages les plus sérieux, comme lorsque Moritz est mis en terre. Otto (Miles Barbee/Sean Grandillo), Martha (Treshelle Edmond) et Anna (Ali Stroker) méritent tous une mention spéciale pour leur engagement et leur compétence.

Mientus est merveilleux en tant que Hanschen. Soyeux, arrogant, chargé sexuellement, sauvage (il montre ses fesses au public à un moment donné), il représente l'esprit qui utilisera les conventions de la société pour abriter et protéger ses excès. (Aujourd'hui, il serait trader de matières premières ou banquier d'investissement). Mientus donne tout au rôle et vole presque la vedette. Sa séduction d'Ernst au sommet d'un piano est à la fois hilarante et magnifique.

Son collègue de Smash, Rodriguez, est tout aussi bonne dans le rôle de la volage, libre et nymphe-like Ilsa. Sa perception de la conscience de soi et du contentement d'Ilsa est profonde - le public veut désespérément que Moritz lui prenne la main et fuie vers ce qui les attend.

Le design scénique et les costumes de Dane Laffrey sont fantastiques et fantastiques. La grande scène est utilisée de haut en bas. De grandes étendues de métal, des passerelles et des échelles fournissent un sens de l'ère industrielle, engagée dans la routine, les strictures et le rituel. Les maisons, salles de classe et granges sont facilement représentées, avec quelques éléments de mobilier, il y a donc une fluidité dans le design qui correspond au rythme de la musique et à la rapidité avec laquelle les jeunes doivent s'adapter et changer.

Les costumes sont vraiment intelligents. Manheim et Matlin portent de magnifiques robes lacées qui peuvent être maternelles ou non selon le moment ; Rodriguez a une liberté dans ses vêtements qui la place en opposition à ses amis allant à l'école mais la lie toujours à Moritz ; Melchior se voit attribuer des vêtements qui cherchent à obfuscate ses charmes masculins tandis que Mientus est totalement taillué de bas en haut, pour s'assurer que ses charmes sont mis en valeur. Peu de couleurs sont utilisées, mais la palette de noir, gris et blanc s'avère infiniment imaginative et appropriée, et lorsque les autres couleurs arrivent, elles comptent.

L'éclairage de Ben Stanton est tout à fait exceptionnel et constitue un élément essentiel pour comprendre les changements rapides de ton et de rythme. Sa capacité à rendre un moment sexy ou triste, simplement par le niveau et l'intensité de la lumière, est incroyablement experte. Ce qu'il fait au début de Totally Fucked est tout simplement génial, et la mise en scène des funérailles de Moritz est brute, absolument magnifique.

C'est une réimagination magnifique d'une comédie musicale. Si vous ne voyez qu'une reprise sur Broadway cette année, voyez celle-ci. Laissez votre décalage culturel, du moins à un certain égard, être magnifiquement, délicieusement comblé. L'image finale, un coup de maître de Laffrey qui ne peut que toucher le cœur de tous ceux qui la voient, vous hantera et vous encouragera pour le reste de votre vie.

Réveil du printemps est à l'affiche au Théâtre Brooks Atkinson jusqu'au 24 janvier 2016. Réservez maintenant !