CRITIQUE : Chanson de loin, Young Vic ✭✭

Chanson de loin

Young Vic

5 septembre 2015

2 étoiles

« Tu m'as dit une fois que parler n'était qu'une forme particulière de respiration. C'était comme respirer élégamment pour les humains, tu as dit. Et que chanter était quelque chose de plus profond, plus riche, plus étrange et plus incroyable. Tu m'as dit que les scientifiques avaient commencé à penser, en étudiant les cordes vocales des premiers êtres humains, que les chasseurs-cueilleurs chantaient avant de parler. Ils ne vivaient pas si proches les uns des autres. Ils n'étaient pas si nombreux. Ils avaient besoin de communiquer sur de longues distances.

Donc nous sommes des animaux nés pour chanter plus que pour parler. Cela me paraissait peu probable. Mais j'aimais la façon dont tu le disais. »

Si parler est une forme particulière de respiration, alors le discours dans Chanson de loin (un nouveau travail de Simon Stephens et Mark Eitzel, actuellement joué au Young Vic) transforme la particularité en art. Ce n'est pas seulement un discours particulier, c'est un discours très éloigné et particulier.

En général, le théâtre cherche à impliquer le public dans quelque chose - un point de vue, un mode de vie, une perception. Quelque chose. Chanson de loin, du moins telle que dirigée par Ivo van Hove, semble faire tout ce qu'elle peut pour garder le public à distance, séparé du monde de la performance, regardant plutôt qu'expérimentant.

Alors que cette approche nécessite une détermination minutieuse et une nonchalance implacable de la part de la star, Eelco Smits, et, par conséquent, est difficile et exigeante pour lui, le résultat ici est inéluctablement sombre et frustrant pour le public. Il est impossible de s'intéresser au personnage central, tant la présentation est clinique, tant l'interprétation est distante, tant le fil émotionnel est froid.

Cela ne veut pas dire qu'il y a quelque chose de mal dans la performance de Smits - ce n'est pas le cas, il est excellent - mais le choix de faire jouer Smits dans ce style est déroutant. Cela s'intègre cependant parfaitement au design de Jan Versweyveld qui est aussi dépourvu de traits, inhospitalier et froid que Willem de Smits.

Willem vit à New York dans un appartement fabuleux. Il a sa propre vie, alimentée par son énorme salaire et son entourage de célébrités. Sa famille est loin derrière lui, loin à Amsterdam. Puis il reçoit un coup de téléphone de chez lui : son frère, Pauli, est mort. C'est une gêne, perturbant les plans de Willem. Mais il rentre malgré tout pour les funérailles.

Il ne peut pas envisager de rester avec sa famille, donc il prend une chambre à l'hôtel Lloyd (payée par la banque pour laquelle il travaille) et affronte les jours suivants dans cette chambre. Pour des raisons qui ne semblent jamais ni claires ni plausibles, Willem choisit d'écrire chaque jour une lettre à son frère défunt et ces lettres constituent le texte de la pièce de Stephens.

Le décor de Versweyveld, qui semble être un véritable cousin germain de celui qu'il a conçu pour la prédiction récente d'Antigone par van Hove, est moderne, élégant et impitoyablement impersonnel et excluant. L'appartement de New York est stérile et excluant ; la suite de l'hôtel occupe le même espace de manière tout aussi rebutante. Le décor sparse et glacé souligne l'idée que Willem est prisonnier de sa propre vie. Cela paraît bien et l'éclairage de Versweyveld introduit le jeu d'ombres changeantes, presque comme un autre personnage.

Le meilleur moment de la production survient lorsque la neige tombe à l'extérieur de la cellule de Willem. La neige est magique et apporte une chaleur surprenante au monde extérieur, le monde où Willem interagit rarement à un niveau personnel. Alors que les flocons de neige dansent dehors, l'isolement auto-imposé de Willem est parfaitement encapsulé ; la vie réelle se déroule en dehors de la bulle/cellule de Willem.

Il n'y a aucun doute que le scénario de Stephens soulève des questions intéressantes et est souvent très beau. Le ton est élégiaque, réfléchi, philosophique ; des questions complexes sont abordées et bien que beaucoup d'entre elles ne soient pas spécialement perspicaces, elles sont présentées de manière intelligente. Mais les mots utilisés ne sont pas si habilement employés, et des sections entières de l'écriture sont aussi évidentes que les aiguilles proverbiales.

Mais il n'est pas du tout clair que van Hove ait trouvé la meilleure manière de présenter la vision de Stephens. Personne n'éprouvant du sentiment pour ou ne s'intéressant à Willem, l'expérience de se retrouver dans le public est éprouvante et incroyablement ennuyeuse. Il est difficile de croire que voir cette production puisse apporter au public une appréciation ou une compréhension supérieure à celle qui serait discernée de la lecture des lettres que Willem a écrites à Pauli.

Une des techniques que van Hove utilise pour démarquer cette production comme un sujet de conversation implique que Smits se déshabille et passe une grande partie du spectacle complètement nu. Outre l'impact visuel de Willem étant à la fois vulnérable et nu, se mettant à nu métaphoriquement et littéralement tout en traitant les pensées et émotions qui surgissent après la mort de Pauli, la nudité semble à la fois inutile et superflue. S'il y a un point astucieux, il est entièrement perdu.

Stephens partage les crédits d'écriture pour Chanson de loin avec Mark Eitzel qui fournit les paroles et la musique d'une chanson envoûtante, très belle, dont des morceaux ponctuent l'action. La chanson a un motif de répétition : Allez là où est l'amour, là où est l'amour allez. À sa manière, ce motif de répétition fournit la clé de Willem. On ne peut s'empêcher de sentir que si le personnage avait simplement prêté attention à la chanson, personne n'aurait eu à endurer les 80 minutes de flagellation.

Quand c'est fini, la notion la plus claire est que sans l'implication de van Hove, cette pièce serait peu susceptible d'être produite - n'importe où - sous cette forme. Bien qu'il n'y ait qu'un seul intervenant, d'autres acteurs pourraient facilement être impliqués dans l'histoire de ce conte, et peut-être devraient-ils l'être.

Stephens résume en fait l'expérience de voir cette production dans l'un des passages d'une des lettres de Willem :

« Tu m'as dit que c'était comme si tu étais dans un voyage en train misérable où tu devais travailler dur et endurer la misère parce que lorsque tu arriverais à destination du train, alors tout aurait du sens. Mais s'il n'y avait pas de fin ? Et si tout ce qu'il y avait, c'était ce voyage et que tout le monde était sur ce voyage et que tout le monde pensait qu'il se dirigeait vers quelque chose, et qu'il endurait la misère et le non-sens et les conneries et l'horreur maintenant parce qu'à la fin ils seraient contents d'avoir supporté tout ça. Mais si le train continuait simplement pour toujours ? »

La production de van Hove n'a délibérément pas de fin, mais tout membre du public qui l'a vu et a senti qu'il ou elle endurait la misère et le non-sens et les conneries et l'horreur n'aurait pas été seul.

Chanson de loin se joue au Young Vic jusqu'au 19 septembre 2015