CRITIQUE : Solaris, Lyric Hammersmith ✭✭✭✭

Julian Eaves critique Solaris actuellement au Lyric Hammersmith.

Jade Ogugua, Polly Frame, Keegan Joyce et Fode Simbo dans Solaris. Photo : Mihaela Bodlovic Solaris

Théâtre Lyric, Hammersmith

14 octobre 2019

4 étoiles

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« C'est une énigme enveloppée dans un mystère, à l'intérieur d'une énigme », disait Churchill de la Russie. Il aurait bien pu penser à cette étrange histoire de science-fiction par le Polonais d'origine juive Stanislaw Lem, né à Lvov, qui a fait irruption sur la scène internationale après le dégel post-stalinien en 1961, et qui a été filmée neuf ans plus tard, mémorablement, par Andrei Tarkovsky. À la fin des années 1970, le film, acclamé comme l'un des meilleurs de ce genre jamais réalisé, a été diffusé par la BBC TV et a laissé une impression indélébile sur moi. En regardant récemment le remake de Soderbergh de 2002 et maintenant cette brillante adaptation sur scène par l'auteur David Greig et le réalisateur Matthew Lutton, il est étonnant de voir à quel point la version de Tarkovsky de l'histoire a profondément pénétré dans ma mémoire.

Fode Simbo et Polly Frame. Photo : Mihaela Bodlovic

Tout cela est pertinent car l'histoire est avant tout une méditation sur la nature du souvenir et son emprise sur nous. Comme beaucoup d'agnostiques ou d'athées avant lui, Lem est obsédé par l'indicible et le mysticisme : en fait, ce récit d'amours et tourments personnels se déroulant sur une station spatiale en orbite autour d'une planète exotique recouverte d'océans peut être lu, de manière plausible, comme une métaphore du rôle de la religion (c'est-à-dire le christianisme) dans le bloc soviétique, et pour bien d'autres choses : la science contre les passions; la relation entre l'humanité et la nature; le libre arbitre et la prédestination; la nature de soi; et plus encore...

Keegan Joyce. Photo : Mihaela Bodlovic

Dans le décor et la conception des costumes de Hyemi Shin, des ressemblances avec le film abondent : une aire de jeu illuminée allongée en « format boîte aux lettres » rappelle le format d'exposition du film, ainsi que ses nombreux plans panoramiques langoureux; les transitions entre les scènes sont réalisées par des coupures en noir projetant des images numériques fantomatiques de vagues déferlantes (magnifique éclairage par Paul Jackson, avec réalisation par Stephen Hawker); et la composition et conception sonore de Jethro Woodward fait écho au film soviétique (où Eduard Artemeyev mélangeait des partitions électroniques avec J S Bach, Woodward mélange ses électroniques avec Vivaldi).

Hugo Weaving et Polly Frame. Photo : Mihaela Bodlovic

Le style de jeu est très différent, cependant. Avec ses racines dans le style 'direct' du théâtre australien (Lutton est directeur artistique du célèbre Malthouse Theatre à Perth, Australie-Occidentale), et filtré par la manière audacieuse du Royal Lyceum d'Édimbourg (où Greig est directeur artistique), le spectacle a acquis une vivacité, une chaleur, une naturalité décontractée qui semble légèrement étrange dans le monde imaginatif, hyper-moderne et frais qui nous est présenté. En fait, la majeure partie du temps, il y a presque une matière factuelle de feuilleton sur le discours et le comportement du casting qui tend à priver l'action de beaucoup de son envergure épique. Lutton rythme leurs échanges vivement, ce qui, dans la première moitié de la présentation, semble souvent inutilement précipité; mais, dans la seconde moitié, l'intensité accrue du drame en bénéficie de cette rapidité.

Polly Frame se distingue en tant que Kris, une visiteuse de la station spatiale; elle est envoyée pour enquêter sur la fibre morale de l'équipage (jusque-là, tout est très Ninotchka) et tombe rapidement elle-même sous le charme étrange de la planète. Elle possède une présence scénique puissante et pourtant enfantine, ainsi qu'une manière elfique et mercurielle qui évoque plus que simplement l'humain. Cela fait d'elle une excellente partenaire pour Keegan Joyce, Ray, un 'visiteur' envoyé par la planète sous la forme de son amant décédé. Contrairement à la volonté de Kris de s'engager avec Solaris, Satorious de Jade Ogugua est froidement indifférente à l'habitude problématique du lieu de transformer en réalité physique leurs souvenirs les plus influents : elle ignore totalement son propre 'visiteur', une fille morte (jouée par Lily Loya ou Talia Sokal). Elle est habilement soutenue dans cette mission par Snow de Fode Simbo, et par les projections vidéo du capitaine Gibarian de Hugo Weaving, désormais décédé (pourquoi ces histoires doivent-elles toujours avoir un capitaine mort?). Des histoires comme celle-ci sont plus que des récits passionnants, ce sont des mythes modernes. Par nature, les mythes sont capables d'une interprétation quasi illimitée.

Keegan Joyce et Fode Simbo. Photo : Mihaela Bodlovic

Quant à la réaction du public, eh bien, il semble que tout le monde puisse repartir avec ce qu'ils souhaitent de leurs frasques. Pour moi, l'une des impressions les plus durables est que les 'visiteurs' marionnettes de la planète Solaris ne sont pas moins limités dans leurs actions, pensées et sentiments que les occupants humains 'libres' de la station spatiale. Et si cela n'est pas censé être une allégorie de la vie sous dictature communiste, je ne sais pas ce que c'est. Mais cette histoire concerne bien plus : en fin de compte, c'est, en fait, un débat sur la nature même et le but de la création et de la vie.

Partir en voyage vers Solaris, et vous pourriez vous retrouver à ne pas vouloir revenir.

Jusqu'au 2 novembre 2019