CRITIQUE : Peau En Feu, Park Theatre ✭✭✭✭

Peau en Flammes

Park Theatre

13 mai 2015

4 Étoiles

Peau en Flammes est l'œuvre la plus connue et lauréate de nombreux prix de l'écrivain catalan Guillem Clua. La pièce a été produite pour la première fois en 2004 à Barcelone, mais en dehors d'une mise en lecture en 2007, elle n'a jamais été entièrement produite ici en Grande-Bretagne. Cette première, dans une traduction efficace de DJ Sanders, est très attendue, et sûrement tardive. Les thèmes qu'elle aborde – l'impact de la diffusion massive d'images iconiques de violence, les tromperies de la mémoire, qu'elles soient conscientes ou inconscientes, les contributions ambiguës des organisations d'aide internationales du premier monde, et l'irréliabilité des différents récits d'exploitation – nous emmènent dans un territoire occupé par des classiques tels que Le Baiser de la Femme Araignée et La Mort et la Jeune Fille, et la pièce n'éprouve aucune gêne à côtoyer une telle compagnie exaltée.

Le décor dans le petit studio du Park Theatre nous présente une chambre fatiguée dans un hôtel bon marché, où des rideaux flottent à une fenêtre ouverte, quelques chaises sont disposées au premier plan et une salle de bain se trouve à l'arrière. Nous sommes dans une capitale latino-américaine non identifiée, quelque vingt ans après une révolution sanglante ou une guerre civile au cours de laquelle le gouvernement actuel a finalement pris le pouvoir. L'action commence lorsque le célèbre photographe de guerre américain, Frederick Salomon (Almiro Andrade) entre avec une journaliste, Hanna (Bea Segura) de l'un des journaux d'État. Il était en ville pour la dernière fois au moment de la révolution lorsque qu’il a pris une photo d'une jeune fille projetée par une explosion, image qui a ensuite été reprise par la presse mondiale comme une image emblématique de la guerre et de la pitié de la guerre. C'était l'image qui a lancé sa carrière. Il est de retour en ville pour recevoir un prix du gouvernement qui lui sera remis lors d'un déjeuner officiel plus tard dans la journée. L'interview est censée être une approbation sans menace d'un photographe légendaire, les échanges étant enveloppés de platitudes pieuses de tous côtés – une rencontre confortable, bien que quelque peu condescendante, entre un aspirant et un grand homme du domaine. Cela se révèle rapidement ne pas être le cas alors que nous entrons plutôt dans un interrogatoire du passé de Salomon et de la moralité de toute sa carrière et de ce que cette photo notoire impliquait réellement pour tous les concernés.

Alors que l'ombre s'allonge dans la chambre d'hôtel, à la fois littéralement et métaphoriquement, une deuxième histoire commence à se développer dans le même espace. Un autre couple entre et il devient rapidement évident qu'il s'agit d'une rencontre ou transaction sexuelle, mais il existe également une complexité et un sentiment de déséquilibre et d'abus de pouvoir, comme dans le dialogue parallèle. Ida (Laya Marti) est une jeune mère dont la fille est dans le coma dans un hôpital local. Son partenaire de lit est un médecin senior de l'ONU qui a le pouvoir d'intervenir pour obtenir des médicaments pour la fille et même de la faire transférer pour recevoir des soins spécialisés à l'étranger. Cependant, il ne le fera qu'en échange d'une série de faveurs sexuelles de plus en plus dégradantes de la part d'Ida. Il s'avère que le médecin est également responsable de l'organisation du prix pour Salomon, un geste qui bénéficiera à leurs carrières respectives à la maison grâce à l'aura chaleureuse de satisfaction humanitaire dans laquelle ils peuvent s'enorgueillir. À mesure que la pièce avance, les deux intrigues fonctionnent dans le même espace, d'abord de façon symbolique puis avec une convergence en temps réel de plus en plus choquante. Il serait faux de révéler plus de détails, mais l'écrivain mérite un grand crédit pour la façon dont il unit sans relâche les histoires dans le dénouement tout en laissant suffisamment de fils pendants pour que notre imagination comble les lacunes restantes à notre manière.

Pour les acteurs et le directeur de ce drame, la tâche clé est de tracer et de maintenir un parcours de développement captivant pour chaque personnage, partant d'une confiance extérieure en surface jusqu'à la désintégration ou la fragmentation émotionnelle. Chacun des acteurs doit ouvrir une palette émotionnelle très large mais de manière précise et soigneusement calibrée pour que les extrêmes de colère et de désespoir n'atteignent pas leur paroxysme trop tôt et pour que les nombreux changements d'énergie, de pouvoir et de contrôle dans le drame suivent une trajectoire crédible plutôt qu'aléatoire. Le public a besoin d'être constamment rappelé des thèmes émotionnels constants en jeu tout en étant laissé dans l'incertitude quant à savoir qui dit réellement la vérité ou s'il existe en fait une vérité unifiée disponible en opposition aux simples perspectives individuelles sur les mêmes événements. En atteignant cet équilibre délicat, les femmes réussissent généralement mieux que les hommes. En Bea Segura et Laya Marti, la production a la chance d'avoir deux actrices espagnoles bien connues au sommet de leur art : Marti en particulier est extraordinairement émouvante dans la façon dont elle montre son amour sans bornes pour sa fille et son désespoir de saisir n'importe quel moyen pour la sauver. Elle a bien moins de texte avec lequel travailler que les autres, et pourtant elle exprime avec éloquence sa souffrance et son dédain fier pour les cruautés dont elle est victime par le docteur Brown. Elle montre également une merveilleuse innocence enfantine elle-même dans son interprétation d'une histoire pour enfants, qui émerge comme un point de poignance exceptionnellement complexe dans la pièce dans son ensemble. Segura doit traverser une montagne russe d'émotions alors qu'elle passe de journaliste naïve à ange vengeur puis à un statut final beaucoup plus ambigu, ni manipulatrice ni victime. Elle trace ce cours avec une compétence méticuleusement détaillée, une intensité passionnée et une précision verbale. David Lee-Jones capture très bien le carriériste blasié chez le docteur Brown, ainsi que le sentiment d'un homme qui ne peut désormais se sentir vivant qu'à travers des plaisirs sexuels de plus en plus élaborés et exploitants. Cependant, sa performance serait d'autant plus choquante s'il esquissait davantage l'histoire de sa vie familiale américaine avec plus de nuances émotionnelles. De même, bien qu'Almiro Andrade soit très crédible en apparence et en langage corporel, sa performance ne capture pas encore pleinement la portée du voyage que son personnage doit entreprendre. Nous avons besoin de voir plus de confiance condescendante et de fanfaronnade expérimentée au début pour apprécier l'ampleur de son implosion psychologique sous le poids des révélations à venir. Salomon est un homme semblable aux anti-héros de Graham Greene, qui a cessé de croire en lui-même bien avant de se désintégrer devant nous. Pour que le drame fonctionne pleinement, nous devons avoir cette vacuité et cet effondrement intérieur pleinement incarnés, ainsi que sa récupération finale inattendue. Certains de ces problèmes peuvent se résoudre au fur et à mesure que la série progresse, à mesure que le rythme et la fluidité des interactions augmentent au-delà des premiers jours de la soirée de presse.

C'est une soirée difficile, inconfortable mais richement gratifiante au théâtre. Nous sommes amenés à réfléchir profondément sur les motivations mêlées qui se cachent derrière la mise en œuvre des interventions humanitaires, sur le pouvoir du photojournalisme à façonner les perceptions à travers le monde pour le meilleur et pour le pire, et sur la façon dont les images peuvent développer une vie perçue propre qui transcende tout schéma d'intention délibérée. Il semble simplement platitudinaire de dire que la guerre fait des victimes, morales ou physiques, de tous ses participants, mais le grand succès sobre de la pièce est de rendre cette vérité concrète et complexe, affectant mais significative pour tous les personnages du drame.

Peau en Flammes se joue au Park Theatre jusqu'au 6 juin 2015