CRITIQUE : Sir John In Love, British Youth Opera, Opera Holland Park ✭✭✭✭

Tim Hochstrasser critique Sir John in Love de Vaughan Williams interprété par le British Youth Opera lors d'une résidence en tant qu'invité à l'Opera Holland Park.

Photo : Alastair Muir Sir John in Love

British Youth Opera

Opera Holland Park

25 août 2022

4 étoiles

Site Web du British Youth Opera Le rideau tombe sur Opera Holland Park cette année avec une brève résidence en tant qu'invité du British Youth Opera, qui réalise un travail très important mais sous-estimé pour former les prochaines générations de professionnels de l'opéra dans ce pays - pas seulement les chanteurs mais aussi les musiciens de l'orchestre et le personnel technique. Ce fut une double joie de soirée car cela a également offert une écoute rare de 'Sir John in Love' de Vaughan Williams, qui avait eu une prestation remarquable à l'ENO en 2006, mais rarement depuis.

Photo : Alastair Muir

C'était un choix audacieux du compositeur d'explorer le même territoire que Verdi après seulement trente ans ; mais en fait, c'est une prise différente sur l'histoire de Falstaff de ce que Boito a méticuleusement rassemblé à partir des pièces Henry IV autant que de 'Les Joyeuses Commères de Windsor'. Vaughan Williams reste beaucoup plus proche de ce dernier et ajoute ensuite des textes d'autres écrivains contemporains. En conséquence, le texte devient un mélange Tudorbethan bien intentionné avec certains moments d'humour involontaire. Il est plus réussi en suivant son penchant pour le chant folklorique en incluant de nombreuses mélodies modales de l’époque avec leurs paroles originales. La partition orchestrale plus large est abondamment orchestrée avec tous les éléments familiers du monde sonore mature de ce compositeur - pastoral luxuriant, y compris un bel intermède basé sur 'Greensleeves', écriture chorale vigoureuse et fortement orchestrée, épisodes secondaires sinistres, et d'exquis moments de mélancolie réposante et de fantaisie.

Photo : Alastair Muir

Étant donné que l'histoire est si familière et que l'humour des 'Joyeuses Commères' est large plutôt que subtilement comique, une production qui souhaite impressionner a besoin à la fois de rythme, d'une direction cohérente des nombreuses scènes de foule, et d'un jeu d'acteurs dynamiques des principaux rôles. Bien que jamais moins que bien ficelée, l'impulsion dramatique de la partition peut autrement faiblir. Le metteur en scène Harry Fehr et la chef d'orchestre Marit Strindlund font progresser l'action de manière impressionnante et tirent pleinement parti des vastes espaces de l'Opera Holland Park. Un décor minimaliste flexible fournit suffisamment de suggestions de décors intérieurs, et les costumes et les schémas d'éclairage font une combinaison plaisante particulièrement réussie pour évoquer la forêt de Windsor pour le dénouement. Mais, inévitablement, avec une jeune distribution, le jeu de caractère détaillé nécessaire pour que les divers rôles prennent vraiment vie n'était que par intermittence présent.

Photo : Alastair Muir

Cependant, une grande partie du chant était vraiment impressionnante. Il y a deux distributions et les commentaires qui suivent s'appliquent seulement au 25 août. Conrad Chatterton dans le rôle du gros chevalier a démontré un grand éclat et une bravoure, mais devait peut-être trouver un peu plus de ruse sournoise. Philip Costovski, Toki Hamano, et Armand Rabot, dans le rôle de ses compagnons grivois, ont tous eu de bons moments en solo, et les couples centraux des Fords et des Pages étaient tous vocalement bien assortis. Nancy Holt était une Mistress Quickly particulièrement animée et il y avait un excellent travail de Justin Jacobs dans le rôle du Dr Caius, Joshua Saunders dans celui de Justice Shallow, James Micklethwaite dans celui de son neveu, Slender, et Emyr Lloyd Jones, dans celui du pasteur – tous des rôles qui sont beaucoup plus développés ici que dans la version de Verdi. Clara Barbier Serrano et Sam Harris ont fait face avec confiance à la musique radieuse et exigeante pour les jeunes amoureux, Anne et Fenton.

Photo : Alastair Muir

Le jeu orchestral était également impressionnant. Un peu plus de temps de répétition aurait sans doute ajusté le problème de l'équilibre sonore entre la fosse et la scène et évité quelques problèmes de synchronisation ; mais sinon, c'était une interprétation assurée d'une partition complexe avec un son riche et confiant dans tous les départements, notamment dans les différents interludes qui couvrent des changements de scène essentiels. Le chef d'orchestre Marit Strindlund a géré les grands climax et certaines transitions délicates avec une réelle compétence.

C'était un excellent choix d'opéra pour offrir un exercice de formation – il y a de nombreux rôles de taille modérée pour fournir une expérience utile, et une bonne proportion des personnages sont jeunes en âge également. Il y a beaucoup d'affaires scéniques à traiter pour perfectionner les talents des régisseurs, et la palette orchestrale requise est variée, avec de nombreux points de développement symphonique où l'orchestre est essentiellement un personnage de l'action, encore une fois très utile pour que les musiciens s'approprient.

Pour le public, c'était une rare occasion d'entendre une œuvre sous-appréciée qui faisait partie intégrante du manifeste global du compositeur stipulant que la musique anglaise devrait s'inspirer de matières anglaises - tant l'histoire que la tradition du chant folklorique – plutôt que de suivre des modèles continentaux. Dans l'ensemble, une soirée continuellement captivante et satisfaisante.