CRITIQUE : Sir John In Love, British Youth Opera, Opera Holland Park ✭✭✭✭

Tim Hochstrasser critique Sir John in Love de Vaughan Williams interprété par le British Youth Opera en résidence invitée à Opera Holland Park.

Photo : Alastair Muir Sir John in Love

British Youth Opera

Opera Holland Park

25 août 2022

4 étoiles

Site Internet du British Youth Opera Le rideau tombe sur Opera Holland Park cette année avec une courte résidence invitée de British Youth Opera, qui effectue un travail très important mais sous-estimé pour former les prochaines générations de professionnels de l'opéra dans ce pays – pas seulement les chanteurs, mais aussi les musiciens d'orchestre et le personnel technique. C'était un double plaisir d'une soirée car il offrait également une rare audition de « Sir John in Love » de Vaughan Williams, qui avait connu une prestation remarquée à l'ENO en 2006, mais rarement depuis.

Photo : Alastair Muir

Ce fut un choix audacieux du compositeur d'explorer le même territoire que Verdi après seulement trente ans ; mais en fait, c'est une interprétation assez différente de l’histoire de Falstaff par rapport à la couverture soigneusement stratifiée assemblée par Boito à partir des pièces Henry IV autant que de « Les Joyeuses Commères de Windsor ». Vaughan Williams reste beaucoup plus fidèle à ces dernières et ajoute ensuite des textes d'autres écrivains contemporains. En conséquence, le texte se termine par un mélange Tudorbethan bien intentionné avec quelques moments d'humour involontaire. Il est plus réussi à suivre sa prédilection pour la chanson folklorique en incluant de nombreuses mélodies modales de l'époque avec leurs paroles d'origine. La partition orchestrale plus large est richement orchestrée avec tous les éléments familiers de son monde sonore mature – luxuriante pastorale, y compris un charmant interlude basé sur « Greensleeves », une écriture chorale vigoureuse et fortement orchestrée, des épisodes secondaires sinistres, et de magnifiques moments de mélancolie sereine et de fantaisie.

Photo : Alastair Muir

Étant donné que l'histoire est si familière et que l'humour de « Les Joyeuses Commères » est large plutôt que finement comique, une production qui souhaite impressionner a besoin à la fois de rythme, d'une direction cohérente des nombreuses scènes de foule, et d'un jeu d'acteurs dynamique et créatif de la part des principaux interprètes. Même si elle n'est jamais moins que bien faite, l'élan dramatique de la partition peut autrement s'essouffler. Le metteur en scène Harry Fehr et la cheffe d'orchestre Marit Strindlund poussent l'action de manière impressionnante et utilisent pleinement les vastes espaces d'Opera Holland Park. Un décor minimaliste et flexible fournit suffisamment de suggestions pour les décors intérieurs, et les costumes et les schémas d'éclairage forment une combinaison plaisante, particulièrement réussie pour évoquer la forêt de Windsor pour le dénouement. Mais, inévitablement, avec une jeune distribution, le jeu de caractère détaillé nécessaire pour que les divers rôles prennent réellement vie n’était présent qu'épisodiquement.

Photo : Alastair Muir

Cependant, une grande partie du chant était vraiment impressionnante. Il y a deux distributions et les commentaires suivants s'appliquent uniquement au 25 août. Conrad Chatterton dans le rôle du gros chevalier a démontré beaucoup de fanfaronnade et de bravoure, mais devait peut-être trouver un peu plus de ruse. Philip Costovski, Toki Hamano et Armand Rabot, ses associés licencieux, ont tous apprécié de bons moments en solo, et les couples centraux des Fords et des Pages étaient tous bien assortis vocalement. Nancy Holt était une Mistress Quickly particulièrement vive, et il y avait un excellent travail de Justin Jacobs en Dr Caius, Joshua Saunders en Justice Shallow, James Micklethwaite en neveu, Slender, et Emyr Lloyd Jones, en le pasteur – tous des rôles qui sont beaucoup plus développés ici qu'ils ne le sont dans la version de Verdi. Clara Barbier Serrano et Sam Harris ont fait face avec confiance à la musique exigeante et radiante pour les jeunes amoureux, Anne et Fenton.

Photo : Alastair Muir

Le jeu orchestral était également impressionnant. Un peu plus de temps de répétition aurait sans doute ajusté l'équilibre sonore entre la fosse et la scène et évité quelques problèmes de synchronisation ; mais sinon, c'était une exécution assurée d'une partition complexe avec un son riche et confiant dans tous les départements, en particulier dans les plusieurs interludes qui couvrent les changements de scène essentiels. La cheffe d'orchestre Marit Strindlund a géré les grands climax et quelques transitions délicates avec une réelle compétence.

C'était un excellent choix d'opéra pour offrir un exercice de formation – il y a de nombreux rôles de taille modérée pour fournir une expérience utile, et une bonne proportion des personnages sont jeunes également. Il y a beaucoup d'affaires de scène à accomplir pour aiguiser les talents des régisseurs, et la palette orchestrale requise est variée, avec de nombreux points de développement symphonique où l'orchestre est essentiellement un personnage dans l'action, à nouveau très utile pour que les joueurs s'en saisissent.

Pour le public, c'était une occasion rare d'entendre une œuvre sous-estimée qui faisait partie intégrante du manifeste global du compositeur selon lequel la musique anglaise devrait s'inspirer des matériaux anglais – à la fois de l'histoire et de la tradition du chant folklorique – plutôt que de suivre les modèles continentaux. Dans l'ensemble, une soirée constamment captivante et satisfaisante.