CRITIQUE : Siegfried & Götterdämmerung, Hackney Empire ✭✭✭✭✭

Tim Hochstrasser critique Siegfried & Götterdämmerung de l'Arcola, partie du Cycle de l'Anneau de Wagner au Hackney Empire.

Siegfried & Götterdämmerung de l'Arcola au Hackney Empire. Photo : Alex Brenner Siegfried & Götterdämmerung

Hackney Empire

6 août 2022

5 Étoiles

Le Théâtre Arcola a commencé son cycle de l'Anneau avant la pandémie, et il arrive maintenant à une conclusion triomphante, une justification non seulement pour l'équipe de production mais aussi pour la version abrégée de L'Anneau créée par Graham Vick et Jonathan Dove. Personne n'oserait sérieusement monter les versions complètes des deux dernières opéras en une seule journée, mais avec la durée maintenant réduite à deux heures et deux heures quarante-cinq minutes respectivement, c'est plus que gérable. Soudain, on peut apprécier toute la portée de la vie de Siegfried. La suppression des sections de résumé de l'intrigue rétrospective, que Wagner avait introduites en supposant que le public ne connaîtrait pas les autres parties, libère tout le monde sur scène pour agir et chanter dans l'instant. L'élan dramatique est rendu à l'histoire sans aucune perte de profondeur dans la caractérisation.

Siegfried & Götterdämmerung de l'Arcola au Hackney Empire. Photo : Alex Brenner Les mêmes résultats positifs s'appliquent à la musique. Avec moins de vingt musiciens dans la fosse, on commence par penser que cela ne peut vraiment pas fonctionner. Mais une fois qu'on s'adapte au son, les résultats sont joyeux. L'équilibre entre les musiciens et les chanteurs est rétabli, ce qui permet de véritables moments d'intimité détendue tout en réduisant la tension vocale sur les chanteurs principaux. Oui, ce scintillement de cordes intérieures que Wagner a créé avec toutes ces lignes d'alto manque, mais à la place, vous entendez toutes sortes de solos instrumentaux émerger à la surface qui sont habituellement enterrés dans le bouillon orchestral global. Parfois, les coupures entre les scènes sont trop nettes à mon goût – j'aurais aimé que plus de transitions orchestrales soient préservées, d'autant plus que l'art de la transition était un domaine où le compositeur excellait vraiment d'une manière proto-cinématographique. Mais l'essence est préservée, grâce aux compétences de l'Orpheus Sinfonia et de leur chef d'orchestre subtil, Peter Selwyn.

Siegfried & Götterdämmerung de l'Arcola au Hackney Empire. Photo : Alex Brenner Le faste fané et clinquant du Hackney Empire est emblématique de la grandeur douteuse du Valhalla, il n'était donc pas nécessaire d'avoir du littéralisme dans la mise en scène. En revanche, en s'appuyant sur le décor de la Walküre précédant, nous avons une structure d'échafaudage avec de nombreuses plateformes disposées à différents niveaux. Cela a l'avantage de faciliter les entrées et sorties prolongées, toujours une caractéristique des opéras de Wagner, tout en permettant aux personnages de nombreux points de vue pour chanter. Dans Siegfried, le décor était jonché des débris de la grotte de Mime, et des boîtes en carton servaient pour l'or entassé dans la grotte de Fafner. Le mobilier en mauvais état fournissait un cadre bourgeois approprié pour les Gibichungs aspirants. Les effets spéciaux étaient plus ou moins réussis – des lumières en bandes verticales descendaient des cintres à certains moments pour fournir un effet de localisation – vert pour la forêt, rouge pour le feu magique, et une variété de couleurs pour la fin du monde. C'était économique et efficace. De même, Fafner, le dragon, était ici présenté comme une figure centrale avec une gamme d'avatars. Cependant, le façonnage de l'épée, toujours difficile à réaliser même dans des productions avec des budgets conséquents, semblait plus ressembler à un grillage de marrons sur un brasier.

Siegfried & Götterdämmerung de l'Arcola au Hackney Empire. Photo : Alex Brenner L'Anneau est parfois décrit comme une symphonie en quatre mouvements avec Siegfried comme le scherzo. C'est la première production où j'ai trouvé cette comparaison plausible. Nous avons l'énergie et le dynamisme de la jeunesse, l'évocation exquise de la forêt prenant vie, la défaite à la fois du dragon et de Wotan et enfin la conquête du feu magique et l'éveil de Brünnhilde. Tout cela a coulé sans effort vers l'avant sans application des freins dramatiques, une expérience exaltante à vivre. Bien sûr, rien de tout cela ne fonctionnerait sans les compétences vocales et théâtrales de la distribution : dans le rôle-titre Neal Cooper a gardé son énergie et son innocence flamboyantes jusqu'à la fin, trouvant plus de couches qu'il n'est habituel dans ce rôle. Colin Judson a véritablement chanté le rôle de Mime et nous a fait ressentir ses frustrations légitimes autant que sa basse ruse. Dans les sections centrales, la voix somptueuse de Paul Carey Jones a communiqué la gravité du but du Vagabond mais aussi son désir moins admirable de manipuler et de s'amuser aux dépens des autres personnages. Vous pouvez donc comprendre pleinement pourquoi Siegfried l'écarte avec impatience, quelque chose qui ne se traduit pas toujours bien en performance. Freddie Tong, jouant Alberich dans les deux opéras, était incisif et menaçant, et Elizabeth Karani a virevolté avec confiance à travers l'écriture mélismatique délicate pour l'Oiseau de la forêt. Simon Wilding a trouvé sensibilité et regret dans les derniers mots de Fafner, et Mae Heydorn, se frayant un chemin à travers des mètres de gaze pêche, s'est tenue éloquemment face au Vagabond dans leur confrontation clé qui détermine l'issue du drame. C'était le moment le plus intense, le plus concentré de l'opéra, et à juste titre.

Siegfried & Götterdämmerung de l'Arcola au Hackney Empire. Photo : Alex Brenner Malheureusement, mais inévitablement, débarrassée des Nornes, Götterdämmerung s'est concentrée très fortement sur la trahison de Brünnhilde par Siegfried et l'ingratiation avec le clan des Gibichung. Nous avons eu un nouveau Siegfried – Mark le Brocq – qui était – à juste titre – plus âgé et plus mondain dès le début, et surtout vocalement frais pour les exigences à venir. Lee Bisset en tant que Brünnhilde a forcé son ton un peu trop fort dans les premières scènes mais s'est détendue dans le rôle pour donner une interprétation commandée mais aussi intime de la scène culminante d'immolation. Simon Wilding est revenu pour donner une performance superbe en tant que Hagen, pleine de menace subtile et insinuante. Simon Thorpe a projeté le fanfaron stupide de Gunther très efficacement, et Lucy Anderson a fait plus du rôle sous-écrit de Gutrune qu'à l'accoutumée. Peut-être ma scène préférée, totalement captivante du début à la fin, était la confrontation entre Brünnhilde et Waltraute, où Angharad Lyddon a tiré le meilleur parti de la dernière opportunité de détourner le dénouement catastrophique – tous les thèmes de L'Anneau, de la pratique de la tromperie à la perspective de rédemption, ont été joués ici.

La réalisatrice Julia Burbach et son équipe créative méritent de grands éloges pour avoir conduit ce projet complexe à une conclusion réussie. Ils ont vraiment dépassé leur budget de manière mémorable et ont justifié cette version scénique d'une manière qui, espérons-le, conduira à de nombreuses autres productions, ce qui ne peut être que bon pour l'appréciation et la compréhension de Wagner, quoi que puissent en dire les puristes.