CRITIQUE : Show Off, The Pheasantry ✭✭✭✭

Show Off - Nikki Aitken

Le Pheasantry

20 mai 2016

4 étoiles

À intervalles réguliers, on entend dire que le cabaret en direct à Londres est comateux ou presque mort, pour que le prétendu cadavre jaillisse à nouveau du piano avec toute l'énergie d'un boa de plumes agité. Certes, il existe de nombreuses preuves que nous traversons actuellement une phase vivante de nouveaux développements dans le genre, et il vaut la peine de prendre un moment pour réfléchir aux raisons de cela. C'est en partie une question de localisation : au Pheasantry sur la King’s Road, Crazy Coqs à la Brasserie Zedel, et St James Studio sous le St James Theatre, et plusieurs autres, nous avons maintenant une gamme de lieux dédiés qui non seulement accueillent des spectacles entièrement écrits et des soirées solo mais se rendent également disponibles pour des soirées open-mic qui ont déjà favorisé de nombreux nouveaux talents brillants.

C'est aussi une question de changements plus larges dans la dynamique du public et dans les types d'écriture qui ont ouvert de nouvelles opportunités pour les artistes de cabaret. Dans de nombreux lieux de théâtre à Londres, nous avons maintenant des spectateurs un verre à la main, souvent assis à de petites tables dans un agencement de cabaret. Le passage des paroles à la musique et vice versa semble naturel et cela se reflète également dans les pratiques d'écriture. Il y a maintenant un flou entre les limites des comédies musicales et des pièces de théâtre, et le cabaret colonise cet espace et capitalise sur une ambiance de spectacle plus détendue mais toujours concentrée. Les mauvais vieux temps où un chanteur de cabaret et un pianiste résident labouraient courageusement leur chemin à travers de vieux standards tandis que les clients faisaient du bruit, mâchaient et tintaient tout au long de la soirée sont en grande partie révolus. Une chanson torche enfumée ou un changement d'humeur rapide peut être intégré dans une pièce qui résume ou cristallise un sentiment, ou qui exprime et affine de manière économique des nuances émotionnelles là où les mots ne peuvent qu'approximativement s'exprimer en longueur prolixe.

Une autre tendance intéressante est que les artistes de cabaret se déplacent dans différentes directions en même temps. Un programme commun commencera probablement avec des standards de cabaret pour mettre le public à l'aise, puis passera aux chansons propres au chanteur ou pianiste, à des monologues ou sketchs qui ont commencé comme simple matériel de lien entre les numéros. Plusieurs artistes passent également à des structures plus larges - à une comédie musicale ou une pièce entièrement écrite mettant en vedette les principaux artistes et écrite de manière flexible pour s'adapter à une performance de grande ou petite envergure. Plus d'enregistrements d'albums de cabaret originaux émergent également, notamment le superbe ‘Two-faced’ de Michael Roulston et Sarah Young, qui enregistre les fruits d'une récente tournée internationale, et City Stories de Rosabella Gregory, une collection flexible émergeant parallèlement aux courtes pièces sur des thèmes urbains de James Phillips. Beaucoup de ces nouvelles directions et attentes passionnantes ont été présentées lors d'une belle soirée de cabaret au Pheasantry le mois dernier où Nikki Aitken, accompagnée de la pianiste Simona Budd, a interprété Show Off. Aitken est une artiste largement reconnue en Australie où elle a remporté des prix pour ses programmes de cabaret et à laquelle elle retournera bientôt lors de la tournée australienne de Mother, Wife and the Complicated Life d'Amity Dry. Elle est également compositrice de son propre droit, tant de numéros de cabaret que d'une nouvelle comédie musicale GO!, qui a connu un excellent premier atelier l'été dernier au Camden Fringe Festival, comme l'a examiné ici Stephen Collins. Sur la base de cette performance, elle consolidera sûrement davantage cette réputation. Comme on pourrait s'y attendre d'après le titre, le thème de la première partie était une exploration des facettes de la persona de la diva, en tant que figure de force et de séduction d'une part et de fragilité et de vulnérabilité d'autre part. ‘I was born to entertain; When I get my name in lights; Whatever happened to my part’, ont tous reçu un traitement digne dans la séquence d'ouverture d'Aitken et ont bien mis en valeur les côtés dramatiques et ‘belter’ de sa voix. De cette plateforme, elle est passée à des chansons de déception amoureuse et de désespoir occasionnel qui avaient un véritable poids et une gravité. Comme le dit la réplique dans Woman on the verge of a nervous breakdown : ‘L'amour est éternel mais à chaque vie il a plusieurs visages’. Elle est une grande prêtresse naturelle de la lamentation, et une excellente conteuse ironique entre les numéros. Bien qu'il y ait eu une belle transition de 'Losing my Mind' à 'God give me Strength', un peu plus de direction et de mouvement aurait pu faire ressortir plus profondément la pleine profondeur de certaines de ces merveilleuses chansons de personnages qui ont commencé comme partie de théâtre musical avec un contexte dramatique très spécifique. Par exemple, le célèbre 'Losing my Mind' de Sondheim a besoin d'être joué comme une petite scène à part entière, avec un mouvement plutôt qu'une livraison statique, qui imagine la femme seule dans sa cuisine - peut-être quelque chose d'aussi simple que simplement s'asseoir sur une chaise pour signaler l'implosion et l'effondrement du personnage. Gregory Hazel l'a rejointe pour une interprétation finement harmonisée de ‘I’d give it all for you’ pour clôturer la première moitié de la soirée.

La seconde moitié était plus un mélange de matériaux. Après une montée en puissance finement dosée à travers les couches de ‘Maybe This Time’, quelques espiègleries pleines d’entrain avec un saxophone dans ‘The Last Night of the World’ et beaucoup de brefs liens rapides et amusants juste assez longs pour rendre l'arrivée de la prochaine chanson inévitable, nous avons atteint quelques-unes des compositions propres d'Aitken de GO! Gregory Hazel est revenu pour interpréter l'une d'elles, ‘I will claim you’, qui aurait vraiment dû être chantée avec des phrasés beaucoup plus longs, soutenus et porteurs de souffle pour lui rendre pleinement justice. Aitken elle-même a ensuite chanté ‘Order’, un hymne aux agents de bord en faveur de la croissance personnelle, qui est le numéro signature de la comédie musicale, et avec une livraison plus lente que dans le spectacle original. Ici, les mots ont mieux été perçus, tout comme les changements harmoniques qui les accompagnent, pour laisser le souvenir d'une très belle chanson suspendue dans l'air. La soirée s'est terminée par une solide performance de la chanson-titre ‘Show-Off’, mais j'aurais idéalement aimé qu'elle remonte l'escalier de manière symétrique d'où elle avait commencé la soirée. Tout le mérite revient à Simona Budd pour ses accompagnements nets et précis, et à Gregory Hazel pour sa contribution complémentaire.

Mais bien qu'Aitken gravite naturellement vers la musique pathétique et la défiance des chansons torches, elle a également une gamme beaucoup plus large que celle présentée ici. Vocalement et dramatiquement, elle peut facilement intégrer davantage d’éléments légers, comiques, ironiques ou même satiriques dans son répertoire, surtout avec l'aide d'un metteur en scène sensible à ces genres. J'espère qu'elle se poussera davantage hors de sa zone de confort dans ses futurs programmes. Aitken possède le poids vocal, dramatique et émotionnel, ainsi que la variété, pour nous offrir encore de nombreux personnages. Nous attendons avec impatience de découvrir plus de sa galerie alors que la version révisée et entièrement développée de GO! émerge dans l'année à venir.