CRITIQUE : Elle m'aime, Menier Chocolate Factory ✭✭✭

Mark Umbers et Scarlett Strallen dans She Loves Me. Photo : Alastair Muir She Loves Me 

Menier Chocolate Factory

8 décembre 2016

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Il y a une générosité puissante dans l'admiration du génie qui emprunte à ses plus grandes réalisations les lauriers de la gloire et les accorde à ses succès moindres. Nulle part cela n'est plus vrai que dans le cas des géants du théâtre musical, Jerry Bock et Sheldon Harnick, créateurs d'un seul mais absolument magnifique triomphe : la partition de ce colosse de la scène, 'Fiddler On The Roof’ (Un Violon sur le Toit). Ce chef-d'œuvre éblouissant brille si intensément que le reste de la production de ce remarquable duo est empreint de soupçons qu'il pourrait renfermer, si nous pouvions les discerner, une magie d'un ordre similaire, des beautés d'une félicité égale, des insights dans la condition humaine d'une égale profondeur, etc. Nous en venons à croire qu'ils doivent être là : si seulement nous pouvions les trouver….

Scarlett Strallen et Katherine Kingsley dans She Loves Me. Et ainsi la quête continue. Les productions de leurs œuvres moins réussies se multiplient. Cette œuvre particulière - un spectacle qui, pour toutes sortes de très bonnes raisons, n'a jamais trouvé de place permanente dans le répertoire - est une adaptation musicale de 1963 de la comédie hongroise de Miklos Laszlo 'Parfumerie'. Au moment de sa composition, l'histoire avait déjà été deux fois adaptée au cinéma en anglais, d'abord sous le titre 'The Shop Around The Corner' de Lubitsch puis comme véhicule pour Judy Garland dans 'In The Good Old Summertime'. Les producteurs de ces aventures se sont regroupés et ont engagé Joe Masteroff pour écrire le livret des chansons finement entrelacées de Bock et Harnick, bien que souvent dramatiquement redondantes. (Bon, rien de si mal là-dedans : 'My Fair Lady' n'a pas vraiment besoin de ses chansons.) L'œuvre qu'ils ont créée est un miracle d'intégration technique - jusqu'à un certain point. Un gros problème est la minceur de l'histoire, construite sur des matériaux musico-dramatiques aussi intraitables que la retenue, la timidité, l'évasion, l'embarras et des rôles de genre déjà déphasés par rapport à l'histoire lorsque l'œuvre a tenu pendant une modeste série de 300 représentations avant de quitter rapidement Broadway (elle a réussi bien moins à Londres). Un an plus tard est venu 'Fiddler', avec sa série époustouflante de plus de 3 200 représentations, depuis lors 'She Loves Me' a lutté avec ce facteur de complication d'être le parent affaibli d'une sœur beaucoup plus puissante, maintenue sur un système de survie bien au-delà de l'heure de son décès désigné.

Ce n'est pas sans charmes, bien sûr. Les composants individuels sont souvent très attrayants. Ils ne sont tout simplement pas - tout à fait - suffisamment solidaires pour présenter un cas convaincant. Pourtant, tout récemment, cela a été proclamé en long et en large à Broadway comme une 'merveille', et a récemment fait quelques apparitions à Londres. Le dernier que j'ai vu, la présentation finale de Robert McWhir à la Landor Theatre, excellente (et très regrettée), s'est très approchée d'atteindre un succès retentissant. Ainsi, je suis allé voir la nouvelle offre du grand Matthew White au Menier plein d'espoir qu'il pourrait également se rapprocher d'un succès.

Scarlett Strallen et Mark Umbers dans She Loves Me. Photo : Alastair Muir La qualification de White pour le poste pourrait difficilement être plus prometteuse. Son adaptation et sa production récentes de la comédie musicale de Fred et Ginger 'Top Hat' étaient miraculeusement parfaites, démontrant sa maîtrise suprême du théâtre musical. Cependant, il a bénéficié d'une liberté exceptionnelle sur ce projet, étant autorisé à faire son adaptation comme il le jugeait bon : c'est un événement très, très rare dans la vie de tout directeur de théâtre musical. Deuxièmement, bien que des théâtres comme (notez le comparatif) le 'fringe' Landor pourraient plier les règles un peu – ou beaucoup – et faire des ‘amendements’ non officiels (c.à.d. améliorations) au script publié, des lieux établis ‘off-west end’ comme le Chocolate Factory doivent jouer beaucoup plus selon les règles, et lorsqu'ils cherchent un transfert possible à West End (comme le fait le Menier), alors vous pouvez être sûr et certain que ce que vous obtenez est chapitre et verset, du moins tel qu'il est défini par les contraintes imposées par l'autorité de licence.

Certains directeurs disent que leur principal travail est de masquer les faiblesses d'un script. Et ils n'ont pas tort. Les forces tendent à parler d'elles-mêmes, mais les points faibles crient au nom de vos détracteurs. Alors, nous n'aimons pas les entendre. Quand elle ou il accepte un travail, c'est avec l'espoir et la prière qu'il sera possible de naviguer en toute sécurité à travers les écueils et obstacles placés en travers de leur chemin par les écrivains et les producteurs et directeurs précédents (dont les sceaux peuvent facilement durer bien plus longtemps que le siècle de la création de l'œuvre). En présentant une pièce qui est manifestement moins que parfaite, comme c'est le cas, alors les enjeux dans le pari sont très élevés.

Eh bien, tant pour la théorie. Passons maintenant à cette production. Ici, les choses commencent assez prometteuses. Le design de décors et costumes de l'inestimable Paul Farnsworth commence avec un rideau ondulant avec « cette » vue du bâtiment du Parlement hongrois, vu à travers le Duna, et accompagné par un violon gitan brillamment virtuose de premier ordre (Phillip Grannell ou Darius Luke). (Nous connaissons une autre comédie musicale de Bock et Harnick qui commence par un violon gitan, n'est-ce pas, les enfants?) En effet, la directrice musicale et superviseure musicale Catherine Jayes comprend bien ce théâtre et a choisi un groupe de capacité et de style vraiment merveilleux : la trompette brillante d'Edward Maxwell ; le trombone fin de Stephanie Dyer ou Jane Salmon ; les jolis bois de Bernie Lafontaine (flûte, et une variété de clarinettes, y compris une basse à couper le souffle) ; l'accordéon authentique de Romano Viazzani ; la contrebasse de Paul Moylan et la percussions intelligentes de James O’Carroll. Nous croyons également entendre une harpe et un glockenspiel, mais ce sont de subtils tours des compétences de clavier de Jayes, j'en suis sûr. Jason Carr a fait un travail soigné en abrégé des arrangements originaux : et le son du groupe est juste parfait pour les dimensions de ce lieu.

Scarlett Strallen dans She Loves Me. Photo : Alastair Muir Le chant de la partition est tout aussi agréable. Callum Howells fait un Arpad sympathique ; Alastair Brookshaw est un Sipos aux yeux aiguisés et au cœur tendre ; Katherine Kingsley apporte une note de détermination féminine bienvenue et nécessaire en tant qu'Ilona ; Dominic Tighe s'en sort mieux – comme le font toujours les acteurs dans ce rôle – en tant que rat Kodaly ; Mark Umbers ressemble délicieusement à Jeremy Brett en tant que Nowack charmant et gentleman ; Les Dennis est un Mr Maraczek agréable ; Scarlett Strallen tire le meilleur parti de chaque opportunité en tant qu'Amalia, bien que nous souhaitions constamment que la partition donne encore plus de chances à sa voix magnifique de nous émouvoir et que le script donne plus de caractère à son rôle ; Peter Dukes est un Keller sympathique ; Cory English que j'ai vu comme le serveur (il sera remplacé du 10 janvier au 6 février par Norman Pace) et White le voit sûrement dans un rôle à la ‘Eric Blore’ ici. Rachel Bingham, magnifiquement émouvant Matt Crandon, Luke Fetherston, Olivia Fines, Aimee Hodnett, Sarah-Jane Maxwell et Vincent Pirillo composent l'ensemble superbe.

Quant à la partition elle-même, elle est en partie ‘The Czardas Shopgirl’ et en partie ‘Give My Regards To Vorosmarty Square’: dans une direction, nous sommes entraînés vers le délire absurde de l'opérette viennoise, et dans l'autre, nous dérivons vers le glamour des Sixties de Broadway ; et plus j'entends la partition, moins je comprends les raisons de ces choix stylistiques opposés (en supposant qu'il y en ait). La musique est toujours merveilleuse à écouter, mais dans son ensemble, elle refuse simplement de se fondre harmonieusement.

Passons maintenant au script de M. Masteroff : nous recevons un texte bien plus long et verbeux que ce dont je me souviens d'avoir entendu joué à la Landor. Nous avons beaucoup, beaucoup moins en termes de chorégraphie (même si quand Rebecca Howell en a l'occasion, elle montre quelques mouvements vraiment élégants) que je ne me souviens avoir vu à Clapham. C'est tellement dommage. L'utilisation du mouvement par Howell est absolument fascinante: elle peut évoquer les peintures d'Otto Dix ou de Tamara de Lempicka en un instant ; la séquence du café est un ensemble glorieux, mais semble passer sans s'affirmer totalement à un niveau viscéral.

Pendant ce temps, le design de la parfumerie, où la majeure partie de l'action se déroule, étonne d'abord – un intérieur luxueux avec beaucoup de dorures et d'ornementations moulées, un genre de rococo de rue commerçante : une dame très classe assise près de moi a dit que cela lui rappelait Penhaligon's, avec des étagères de flacons de parfum apparemment éclairées de l'intérieur. Paul Pyant est celui qui contrôle l'éclairage, et il garde principalement les choses lumineuses et joyeuses (bien qu'il y ait une merveilleuse peinture d'ambiance saisonnière dans le montage de l'Acte 1). C'est probablement délibéré. Toute la production est légère, aimable, plaisante, tendant vers le confort, le luxe, les loisirs et la gentillesse des classes commerciales raisonnablement prospères. L'absence de teintes plus sombres crée un environnement sans problème, mais peut-être au détriment de toute tension dramatique ou sentiment de conflit. Même l'adultère et le suicide vont et viennent sans causer beaucoup de sensation. Si vous recherchez une expérience sans douleur, vous l'obtiendrez. Mais si vous avez besoin de quelque chose de plus fort, vous pourriez trouver le tout un peu trop léger et même trivial. Cela fonctionne pour 'Die Fledermaus' ou 'The Czardas Princess', mais ici cela semble quelque peu inadéquat.

Après tout, nous sommes à Budapest dans les années 1930. Le fascisme est une force croissante partout, y compris à la maison sous le talon de fer de l'amiral Horthy, tandis que le communisme prospère à l'est. L'antisémitisme est sur le point de propulser l'Europe vers l'Holocauste. Rien de tout cela ne reçoit plus qu'un murmure dans le script. Heureusement, Masteroff n'a pas mâché ses mots quand il a écrit le livret de 'Cabaret'! Heureusement, Rodgers et Hammerstein ne l'ont pas fait quand ils ont écrit 'The Sound of Music' juste quelques années plus tôt. Et heureusement, Bock et Harnick ont parlé plus du cœur dans 'Fiddler On The Roof'. Quant à ce spectacle, il est plutôt joli et bien comporté et ne vous fera aucun mal. Rien dont il faut avoir honte, mais ne vous attendez pas à ce que la terre bouge.

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